Próximas proyecciones en el CineClub Imaginario

2011
enero
viernes 7
LA CLASE (ENTRE LES MURS) (Laurent Cantet)Francia, 2008
viernes 28
21 GRAMOS (Alejandro González Iñárritu)
EUA, 2003


Casa de la Cultura de Valencina (Sevilla) España, 20:30 horas. Entrada libre hasta completar aforo.

20080515

PI (FE EN EL CAOS) Darren Aronofsky EUA, 1998

Dirigida por Darren Aronofsky
Historia escrita por Darren Aronofsky, Sean Guillete y Eric Watson
Banda sonora de Orbital, Massive Attack

Sinopsis:
Con "Pi (fe en el caos)", el CineClub Imaginario propone uno de los títulos más complejos en sus más de tres años de andadura. La película empieza en un cúmulo de complejidades para llevar al protagonista a la más absoluta simplicidad al final de la cinta.
Max Cohen es un brillante Matemático (especialista en la rama computacional) paranoico e inseguro que sufre continuos dolores de cabeza fruto de su vida encerrada y silenciosa. A causa de sus miedos y dudas existenciales, vive en un piso con seis cerraduras y un súper ordenador de cálculos. Además no soporta el contacto humano salvo con un anciano profesor con el que juega al go (ajedrez chino). La vida de Max se hace todavía más dura cuando descubre y relaciona el número que mueve la existencia de todo ser vivo. Evidentemente es el número Pi. Tras hacer este descubrimiento (al que le falta la sucesión de números que lleve al porque de ese valor constante), Max comienza a ser perseguido por varios grupos que desean los servicios del matemático y la revelación de su secreto. Por una parte tenemos a una gran corporación de Wall Street que son los primeros en buscar a Max. Le ofrecen grandes sumas de dinero, pero el no lo quiere y le comienzan a perseguir. En una de estas persecuciones se encuentra con un grupo judío Hasidic, en un principio amables con el protagonista (incluso le llegan a redescubrir los secretos de las matemáticas de la Torah). Pero al final también interesados en las formulas de la existencia. Esta situación produce en Max un aumento de paranoias y dolores de cabeza que le lleva a tomar una decisión para simplificar su vida.

La espiral de Arquímedes
En una parte de la película se muestra a Max intentando establecer relación entre la espiral de Arquímedes y el hombre de Vitrubio por Leonardo Da Vinci (que nos lleva a considerar al número aureo como símbolo de la simetría perfecta).
La espiral de Arquímedes viene definida por una forma helicoidal y por llevarlo de algún modo a la vida cotidiana podemos decir que las brocas de las taladradoras están formadas por una espiral de Arquímedes.
La espiral fue inicialmente estudiada por Conon, pero más tarde (225 A. de C.) fue Arquímedes quien pudo determinarla y establecer tangentes a la espiral.
Aquí unas palabras del propio Arquímedes:

"Imaginaos una línea que gira con velocidad constante alrededor de un extremo, manteniéndose siempre en un mismo plano, y un punto que se mueve a lo largo de la línea con velocidad lineal constante: ese punto describirá una espiral"

El final de Pi
La película esta sujeta a muchas interpretaciones. Quizá el final sea un alegato a favor de una simplificación de la vida. Después de estar deliberando, sufriendo por hallar la verdad, el matemático llega a la conclusión de que debe simplificar su vida, no puede continuar con los intensos dolores de cabeza, los pinchazos y la persecución. Por ello, deja que la formula se quede en el olvido, y eso sólo se puede hacer borrándola de su memoria. La conclusión podría ser contraria a la frase del filosofo John Stuart Mill:
"Mas vale ser un Sócrates insatisfecho, que un cerdo satisfecho"
El genio renuncia a su saber por una mejor calidad de vida.
(Revisión de un texto de Ricardo Colmenero)

Trailer de la película:



Enlaces de interés:

Interesantísima página oficial de la película creada por su protagonista

Enlace sobre el uso de la película para enseñar matemáticas en el ESO y Bachillerato

Magnífico enlace de "microsiervos
Crítica de Alejo Cuervo

20080507

EL SECRETO DE LA ISLA DE LAS FOCAS (John Sayles) Irlanda-EUA, 1994

Director: John Sayles / Productor: Sarah Green y Maggie Renzi / Guión: John Sayles, según la novela "Secret of the Ron Mor Skerry" de Rosalie K. Fry / Fotografía: Haskell Wexler / Música: Mason Daring / Montaje: John Sayles / Intérpretes: Jeni Courtney (Fiona), Pat Slowey (sacerdote), Dave Duffy (Jim), Declan Hannigan (hermano mayor), Mairead Ni Ghallchoir (tabernera), Eugene McHugh (primer dueño de la taberna), Tony Rubini (segundo dueño de la taberna), Eileen Colgan (Tess), Mick Lally (Hugh), Richard Sheridan (Eamon), Micheal MacCarthaigh (maestro de escuela), John Lynch (Tadgh) / Año y nacionalidad: USA 1993. Duración y datos técnicos: 103' C scope

La película narra, a partir de una novela de Rosalie K. Fry, inédita en España, la llegada de una niña a una isla para convivir con sus abuelos y cómo va tomando contacto con una realidad anclada en viejas leyendas irlandesas, donde emergen mujeres-foca y un niño que vive en las olas mantenido por las focas y que coexisten paralelamente con la sociedad rural isleña. Esa cotidianeidad de lo fantástico, planteada por Sayles con una sencillez conmovedora, va erigiéndose paulatinamente en el centro de la historia y una vez toma posesión de la narración, todos los personajes lo aceptan con una naturalidad asombrosa. La hermosa música, inspirada en composiciones populares irlandesas, la impresionante fotografía, sus naturalistas intérpretes, la plácida mirada, al fin, de realismo mágico que le otorga Sayles en calidad de guionista, director y montador, confirman a El secreto de la isla de las focas como una de las más importantes manifestaciones de cine fantástico de los últimos años.

Enlaces de interés relacionados con la película:
Pinchando aquí, se puede leer una interesante crítica de Javier Castro

Trailer en español de la película:

Trailer en V.O.:

20080420

PEQUEÑA MISS SUNSHINE (Jonathan Dayton - Valerie Faris) EUA, 2006

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 101 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).
Guión: Michael Arndt.
Producción: Marc Turtletaub, David T. Friendly, Peter Saraf, Albert Berger y Ron Yerxa.
Música: Mychael Danna.
Fotografía:
Tim Suhrstedt.
Montaje: Pamela Martin.
Vestuario: Nancy Steiner.
Estreno en USA: 26 Julio 2006.
Estreno en España: 20 Octubre 2006.

El CineClub Imaginario hace una nueva incursión en el interesantísimo cine independiente norteamericano con esta comedia vitalista y nada convencional. Una “road movie” con todos los ingredientes de este subgénero, que nos cuenta una historia de perdedores, pero en la que lo importante, más que la historia en sí es cómo se cuenta esa historia.
Excelente el tratamiento que se da en Pequeña Miss Sunshine a las rarezas humanas, a esos personajes inadaptados que tratan sin posibilidad alguna, consciente o inconscientemente, de ser como los demás.
Pequeña Miss Sunshine es una “road movie” antológica, alegremente ácida, corrosiva en su forma sencilla de mostrar las enfermedades de una sociedad, la americana, demasiado entregada a satisfacer placeres de forma inmediata y convertirlo todo en fast-food, en producto de consumo rápido, sea una hamburguesa, sea un libro, sea una película.
La familia protagonista (Los Hoover) son el paradigma de la familia rota: nadie tiene la cabeza donde debe. Hay un adolescente que no habla para imponerse una disciplina, un abuelo pornógrafo que esnifa heroína en los ratos libres y aconseja el amor libre y el fornicio como hobby, un padre enganchado a la sociología light, un cuñado gay recién salido de una intento de suicidio, una niña regordeta que quiere ser miss y una madre abnegada, auténtico pulmón de una familia destinada a reventar en cualquier minuto del día.
Amable, ácida, perversa, íntima, coloquial: hay muchos adjetivos. La cualidad, sin embargo, más dominante es el optimismo, el hecho crucial de que una carretera marque el norte, el futuro. O que una furgoneta desmantelable en pura chatarra no ceje en su destino final: el hotel de Redondo Beach ( California ) en el que va a tener lugar un concurso singular, la elección de Miss Sunshine, el aberrante concurso de niñas en donde, al final, se produce el desenlace fabuloso, una especie de clímax metafísico en el que uno se reconcilia con la bondad del cine, con su bendita catarsis.
El viernes 25 de abril, en el CineClubn Imaginario, no veréis la mejor película del año, pero sí una de las más frescas, irónicas, mordaces y, sobre todo, agradables.

Enlace a la página oficial de la película (se puede ver un trailer)

Crítica y trailer de la película en español:

Trailer en inglés de la película:



20080415

LA DIGNIDAD DE LOS NADIES (Fernando Pino Solanas) Argentina, 2005

Durante los años 90 reiteraron la idea de que la realidad no podía ser cambiada, que debíamos resignarnos al camino único neoliberal. Una cultura de la derrota, amnésica e hipócrita, caló hondo en los sentimientos de millones de personas. Pero otra realidad venía demostrando lo contrario a través de miles de actos individuales y colectivos. Con “La Dignidad de los Nadies” he querido revelar las pequeñas victorias y hazañas cotidianas de “los nadies”, alternativas y propuestas solidarias que demuestran cómo este mundo puede ser cambiado.

Con esta “nota de intención” del autor, os presentamos esta magnífica película documental que reflexiona, a partir de la historia reciente argentina, acerca de las alternativas posibles para enfrentarse, de forma organizada y pacífica, a un Sistema injusto y contradictorio.


La Génesis de la película según su autor

“La Dignidad de los Nadies” se concibió a partir de la catástrofe social que la Argentina vivió a comienzos del siglo XXI: 25% de desocupados y 60% de pobres e indigentes. Éramos capaces de alimentar 300 millones de personas y se morían de hambre o enfermedades curables cien personas al día. Más muertos por año que todos los desaparecidos del terrorismo de Estado. La tragedia me empujó a hacer memoria contra el olvido. Los más jóvenes preguntaban qué había sucedido y aunque lo habíamos denunciado muchas veces durante los 90, era necesario traer las imágenes de esa historia y colocarlas en su contexto. Así nacieron “Memoria del Saqueo” (2002/2004), un análisis de las políticas del poder, y “La Dignidad de los Nadies”, construida con relatos e historias de algunos protagonistas de la resistencia social. Una epopeya anónima y cotidiana de los traicionados de siempre: clases medias empobrecidas desocupados o piqueteros que salen a cortar rutas.
En los años 90 se impuso, a través de los medios, el discurso del único camino. Una cultura de la derrota que aun perdura en millones de personas, a pesar de cientos de movilizaciones que demostraron la posibilidad de vencer la impunidad. La insurrección espontánea del 19 y 20 de diciembre del 2001 será una de las primeras victorias contra el modelo global. En “La Dignidad de los Nadies” se recogen experiencias a través del relato de sus protagonistas. Difícil imaginarse que las chacareras, ajenas a los asuntos bancarios o políticos, iban a ser capaces de organizar un vigoroso y original movimiento de resistencia enfrentando a los bancos e impidiendo más de mil remates judiciales. Los comedores barriales y comunitarios, los dispensarios, panaderías y otras iniciativas sociales creados por los vecinos para dar respuesta a la pobreza y al hambre. Las decenas de marchas del silencio de familiares de las víctimas de las mafias policiales que lograron desenmascarar a los asesinos y llevarlos a juicio. Las fábricas recuperadas por sus ex trabajadores demostrando que con la autogestión y sin estructuras jerárquicas de gerentes y capataces, podían producir con eficiencia y calidad.

Enlaces con más información acerca de la película:
Página oficial de "La dignidad de los nadies"
Crítica en "Clarín"
Trailer de la película:

20080303

DESEANDO AMAR (IN THE MOOD FOR LOVE) (Wong Kar-Wai) Hong-Kong, 2001

"Es la película de tema amoroso más sobresaliente del nuevo milenio. Es toda una experiencia, el experimento más logrado de llevar un amor tangible, palpable, a la pantalla, gracias a un torbellino de hermosas imágenes, una música insinuante y unas interpretaciones excepcionales.”

Esta es una muestra reveladora de la opinión de la crítica acerca de esta realización de Wong Kar-Wai, un realizador taiwanés que os presentamos con esta proyección.

Ambientada en Hong Kong, años 60. Con una estética innovadora y tremendamente sugerente. Es una oportunidad de disfrutar dejándose envolver con esta propuesta artística.

Sinopsis:

Hong Kong, 1962.
Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai.
Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo.
Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. Un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos
cónyuges están teniendo una relación amorosa.

Más críticas y comentarios en los siguientes enlaces:

Una interesante crítica de Adolfo Bellido en http://www.encadenados.org/n20/deseando_amar.htm
La entrada de la Wikipedia en
http://es.wikipedia.org/wiki/Deseando_amar
Los comentarios de "Blog de cine" en
http://www.blogdecine.com/2007/09/18-deseando-amar-deseando-sufrir
Y Miguel Ángel Torres en Aloha Criticón
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article607.html


A continuación os mostramos algunos trailers de la película:



20080206

LAS HORAS (Stephen Daldry) EUA-RU, 2002 (114') Viernes, 15 de febrero de 2008

El director de “Billy Elliot” narra magistralmente en “Las horas" la historia de tres mujeres en la búsqueda del sentido de sus vidas. Cada una vive en una época y lugar diferentes, pero están vinculadas entre sí por sus anhelos y sus miedos. Virginia Wolf (Nicole Kidman), en los suburbios de Londres en 1920, cuando comienza a escribir su primera novela “Mrs. Dalloway”. Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre en Los Angeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, está leyendo “Mrs. Dalloway”, novela que encuentra tan reveladora que decide hacer un cambio abrupto en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de la Sra. Dalloway de Wolf, vive en la ciudad de Nueva York en la actualidad y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta que está muriendo de SIDA. Las historias de ellas tres interactúan, y finalmente se encuentran en un sorprendente y trascendente momento de compartido reconocimiento.

Enlaces de interés a propósito de "Las horas":

En este enlace se puede leer la opinión acerca de la película de un colectivo de mujeres latinoamericanas.
Reseña sobre el libro de Michael Cunningham en el que se basa el guión de la película.
Qué datos aporta la Wikipedia sobre la película
Críticas en "La butaca"
Datos acerca de la película en "Portalmix"
Las horas en "cinengaños"
La opinión de "Filmaffinity"

Trailer de la película

20080129

CACHÉ (Michael Haneke) Francia, Austria, Alemania e Italia, 2005

Dirección y guión: Michael Haneke.
Países:
Francia, Austria, Alemania e Italia.
Año: 2005.
Duración: 115 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Daniel Auteuil (Georges), Juliette Binoche (Anne), Maurice Bénichou (Majid), Annie Girardot (Madre de Georges), Lester Makedonsky (Pierrot), Bernard Le Coq (Editor), Walid Afkir (Hijo de Majid), Daniel Duval (Pierre), Nathalie Richard (Mathilde), Denis Podalydès (Yvon), Aissa Maiga (Chantal).
Producción: Margaret Menegoz y Veit Heiduschka.
Fotografía: Christian Berger.
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse.
Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny y Christoph Kanter.
Vestuario: Lisy Christl.

“Haríamos cualquier cosa por no perder nada”

SINOPSIS

Georges (Daniel Auteuil), de profesión periodista, empieza a recibir vídeos, rodados a escondidas en la calle en los que se le ve con su familia, acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto.

UNA MIRADA INQUIETANTE

Europa ha conquistado unas cimas de democracia, libertad y bienestar para sus ciudadanos –nosotros-, impensables en cualquier otra parte del mundo. Pero el camino recorrido está en muchas ocasiones jalonado de situaciones de crueldad, injusticia y discriminación, que son escondidas debajo de la alfombra. La tarea de Michael Haneke consiste en ir levantándola en cada una de sus películas. En ésta su última entrega hasta el momento, nos muestra la mala conciencia de la sociedad francesa frente a los sucesos que llevaron a la independencia de Argelia y de cómo sus secuelas aún perduran. Y lo hace de forma alegórica, acusando con el dedo a Georges, que es obligado a rememorar su pasado, lo que hará tambalearse su cómodo estatus social actual. No se trata de la culpabilidad de un niño que se portó mal cuando tenía 6 años. Se trata más bien de la culpabilidad del hombre en el que se ha convertido cuando vuelve a encontrar al que ofendió entonces, a pesar de tener una elección moral. Pero prefiere huir. Esto hará que el problema siga a lo largo del tiempo.

Formalmente Haneke nos muestra una obra hiperrealista, densa, con largos silencios en planos-secuencia con cámara fija que contribuyen a crear ese ambiente de intriga que se mantiene durante toda la película, apoyado en un montaje preciso que marca un ritmo aparentemente sosegado. La secuencia final con los títulos de crédito, gemela de la secuencia inicial, lejos de proponernos una historia estructuralmente cerrada, como podríamos percibir, abre la puerta a la continuación de una historia que se mantiene inconclusa. Esto es quizás lo más inquietante del planteamiento del film.

20080120

Le grand voyage (Ismaël Ferroukhi) Marruecos, 2004

Paises: Marruecos y Francia.
Dirección y guión: Ismäel Ferroukhi.
Año: 2004.
Duración: 108 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nicolas Cazalé (Réda), Mohamed Majd (El padre), Jacky Nercessian (Mustapha), Ghina Ognianova (Mujer anciana), Kamel Belghazi (Khalid), Atik Mohamed (Viajero Ahmad), Malika Mesrar El Hadaoui (La madre), François Baroni (Aduanero italiano), Krassi Kpacu (Aduanero serbio), Kiril Kavadarkov (Camarero yugoslavo), Nihat Nikebel (Jefe policía).
Música: Fowzi Guerdjou. Fotografía Katell Djian. Montaje: Tina Baz.
Vestuario:Christine Brottes.

Pocas semanas antes de iniciar sus exámenes para entrar a la universidad, Réda (Nicolas Cazalé), un joven que vive en el sur de Francia, se ve forzado a llevar a su padre a La Meca. Desde el comienzo el viaje parece difícil. Réda y su padre (Mohamed Majd) no tienen nada en común. Las conversaciones se reducen al mínimo. Réda quiere experimentar este viaje a su manera. Su padre exige respeto hacia él y hacia el peregrinaje. A medida que cruzan países y conocen diferentes tipos de gente, Réda y su padre se observan de forma cuidadosa. ¿Cómo pueden tener una relación si la comunicación es imposible? Desde el sur de Francia, a través de Italia, Serbia, Turquía, Siria, Jordania, hasta Arabia Saudí, la travesía alcanza los 4.800 kilómetros.

Road movie al estilo musulmán con moraleja de fondo, dirigida por el cineasta marroquí Ismaël Ferroukhi, que se inspiró en un viaje semejante realizado por su padre. El viaje cobra significación también para el joven, al que los valores occidentales más materialistas han hecho mella. A Réda le impresiona la fe de la gente en el tramo final del film -impresionantes imágenes de La Meca-, y también la sabiduría inesperada de su analfabeto padre.

El film está lleno de toques de humor, especialmente en los encuentros con los extranjeros, quienes hablan sin parar durante un largo tiempo, y de quienes ni los protagonistas ni los espectadores comprenden una sola palabra. Pero incluso los encuentros con la muerte (personificada por una anciana vestida de negro, que se les mete en el auto sin su consentimiento) están tratados desde la comedia.

Es muy interesante el modo en que este director marroquí logra crear diferentes climas para el planteamiento de la relación entre padre e hijo; climas que se construyen desde los diálogos y los silencios, desde los lugares por los que transitan, o desde las maravillosas actuaciones de los protagonistas.

La película estuvo nominada al premio Bafta en 2006 y Mohamed Madj consiguió el premio Mar de Plata al mejor actor en 2005. También obtuvo el premio al mejor trabajo de un director novel en el Festival de Venecia en 2005.

Trailer 1 Trailer 2 Trailer 3

20080104

BIG FISH (Tim Burton) EUA, 2003

Direción: Tim Burton
Guión: John August
Reparto: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Bonham Carter, Robert Guillaume, Marion Cotillard, Matthew McGrory, Danny DeVito, Ada Tai, Arlene Tai, Steve Buscemi
Productores: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck

SINOPSIS:
Tras regresar a casa para estar al lado de su padre moribundo, y sentarse al lado de su cama, William Bloom se ve forzado a escuchar las interminables historias de la juventud de su padre. Asi, el joven Will tratará de saber más de su padre moribundo, separando los hechos de la ficción, a través de los mitos e historias que su padre le narraba... en un intento por desvelar la verdadera realidad.

Estrenamos el año con una obra mayor en la filmografía de este personalísimo director americano, una original y exquisita mezcla de drama, comedia y fantasía que obtuvo muy buena acogida entre el público. Sin olvidar su toque gótico, Burton adereza de nostalgia, sonrisas y melancolía su mundo "ficticiamente real" para conmover más que nunca en un final maravilloso que apunta directo al corazón. La mejor y más genial crítica de "Big Fish" la dió un crítico americano: "Es un película preciosa... y discúlpenme, que tengo que llamar a mi padre." (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Pinchndo aquí puedes ver el trailer de la película (en inglés).

Pinchando aquí puedes visitar la página oficial de la película (también en inglés)

20071210

MATCH POINT (Woody Allen) RU, 2005

Dirección y guión: Woody Allen
País: Reino Unido.
Año: 2005.
Duración:
123 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (Chris Wilton), Matthew Goode (Tom Hewett), Emily Mortimer (Chloe Hewett Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett), James Nesbitt (Detective Banner), Alexander Armstrong (Sr. Townsend), John Fortune (John), Ewen Bremner (Inspector Dowd).

Producción: Letty Aronson, Gareth Wiley y Lucy Darwin.
Fotografía: Remi Adefarasin.
Montaje: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Jim Clay.
Vestuario: Jill Taylor.
Estreno en España: 4 Noviembre 2005.

Sinopsis

Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) es un tenista profesional irlandés retirado, que busca trabajo (y lo encuentra) como profesor de tenis para personas de la alta sociedad londinense. Este trabajo le lleva a conocer a Tom Hewett (Matthew Godde), un joven miembro de la clase alta, que al conocer su afición por la ópera lo invita al palco familiar, en donde entrará en contacto con la élite londinense. La hermana de Tom, Chloe (Emily Mortimer), que relevó a la inicialmente prevista (Kate Winslet), se enamora de Chris, lo introduce en la empresa familiar y acabará casándose con él. El ascenso social de Chris le lleva a alcanzar casi todo aquello que puede desear, aunque se siente atraído por la novia de su cuñado, Nola (Scarlett Johansson), con la que mantendrá una relación.

Comentario

Se trata de una de las películas más sólidas del director neoyorquino Woody Allen, y probablemente la mejor de su última época. Cabe destacar que Allen no filmó esta película en su Nueva York natal, sino que rodó en Inglaterra. Su anterior película filmada en Europa, Love and Death, data de 1975.

Con una evidente influencia de Un lugar en el sol de George Stevens, Allen reflexiona la identificación fraterna, el deseo y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso social, mostrando su amor por los temas de Dostoievski, con alusiones explícitas a Crimen y Castigo.

El azar como motor de la existencia, el papel que debe de jugar la ética cuando ya no existe Dios, como Nietzsche defendió en su filosofía. Ya no hay pagador, las buenas acciones no van seguidas de recompensa ni las malas de castigo. Un crimen puede salir impune si el azar juega en su favor, del mismo modo que el protagonista de la película no tendrá que dar cuenta de sus actos.

Woody Allen da una nueva vuelta de tuerca a la reflexión filosófica que acompaña a todo su cine, en una película que es excelente en el más clásico sentido de la palabra. Una película donde los hombres ya no responden ante los dioses de sus actos, sino que se limitan a esperar a que la suerte les sea favorable.

Pinchando aquí puedes encontrar más a propósito de la película.

20071126

Programación diciembre 2007

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Dirección: Theo Angelopoulos. Intérpretes: Harvey Keitel (A), Maïa Morgenstern (Las mujeres de Ulises), Erland Josephson (Conservador de la cinemateca), Yorgos Michalakopoulos (Nikos, el amigo periodista), Thanassis Vengos (El taxista), Dora Volanaki (la señora mayor). País: Francia-Italia-Grecia. Año: 1995. Argumento: Libremente inspirado en La Odisea, de Homero. Guión: Tonino Guerra, Theo Angelopoulos, Petros Markaris y Giorgio Silvagni. Música: Eleni Karaindrou. B.S.O.: ECM New Series. Fotografía: Yorgos Arvanitis. Dirección artística: Yorgos Patsas y Miodrag Mile Nicolic. Montaje: Yannis Tsitsopoulos. Estreno en Madrid: 31-VIII-96 (Princesa, Renoir). Distribuidora cine: Cine Company. Distribuidora vídeo: Columbia TriStar / Cine Company. Duración: 176 minutos. Género: Road-movie dramática. Premios principales: Gran Premio del Jurado y Premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1995. Nasti d’Argento de la crítica italiana al mejor director extranjero. Premio Sant Jordi 1996 a la mejor película extranjera. Nominación al Premio Goya 1996 a la mejor película europea. Público apropiado: Adultos.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 1995. Obtuvo también el Premio Fipresci de la Crítica Internacional y es, con justicia, una película valorada por la crítica, cinéfilos y amantes del arte en general, pero de difícil asimilación para un público mayoritario, tan abotargado hoy por ciertos productos norteamericanos de consumo.

Estructurada en lo básico como La Odisea, cuenta la vuelta de A. (Harvey Keitel), cineasta exiliado en EE.UU., a su ciudad natal de Grecia, para asistir a la proyección de una de sus películas políticamente más conflictivas; pero su principal interés está en encontrar la primera película de los hermanos Manakis, documental e historia de los últimos 50 años de los Balcanes. En su búsqueda, en su odisea, su mirada recogerá la vida —actual y el recuerdo— de diversas ciudades, de Grecia, Albania, Macedonia, Bulgaria, la frontera entre Serbia y Rumania: el Danubio, el Drina... hasta llegar a Sarajevo, donde alcanza su deseo, y encuentra en sí mismo tal vez, cerrando la mirada, un mundo ya perdido, su autobiografía y la de muchos otros... Ante tanta muerte y destrucción, odio entre razas, parece perderse la capacidad de ver, y se quedan los ojos de A. —del hombre— como ciegos, confundidos: «Nuestro siglo comienza y acaba en Sarajevo», dice Angelopoulos, y cita a T.S. Eliot como conclusión: «Cuando el principio y el final se confunden, la historia no nos ha enseñado nada». Tal vez no sea cierto.

Así, La mirada de Ulises es un lento y largo viaje, ensimismado, en el que la mirada interior parece ponderar, cada vez más abrumada, el porqué de tanta ruina. En este viaje de A. hay lugar para la amistad, nunca perdida, y para el amor nunca alcanzado: Una mujer distinta (siempre interpretada por la actriz Maïa Morgenstern) aparece fugazmente junto a A. en todas las ciudades por las que pasa. Paisajes desolados, ciudades desiertas, escombros, fuegos, lejano sonar de bombas, lento fluir de ríos... como si no desearan nunca llegar. Perfiles y sombras, contrastes trágicos, tanto, que parece estar viéndose todo en blanco y negro. Apenas hay palabras. Todos los lenguajes y técnicas narrativas están presentes en esta magna realización.

Angelopoulos —autor desde 1965 de una docena de obras— ha llevado a cabo una obra perdurable, no condicionada a este tiempo de guerra, aunque de él tome su vívida experiencia. Memorables secuencias, largamente sostenidas, quedarán sin duda como perfectas muestras de narrativa cinematográfica. La destrucción humana, que el espectador ve junto al sobrio protagonista, no es tanto una desesperanzada definición del hombre, sino comprensible tristeza tras la muerte de esta amplia patria, que habrá de ser restaurada, sobre todo expulsando de ella el odio. Más adelante, cuando la mirada de Angelopoulos se ilumine con la fe, habrá de componer un canto de esperanza.

20071124

Acerca de PARADISE NOW

Hayas podido ver la película o no, si deseas volver a ver alguna secuencia o la película entera, puedes hacerlo. eso sí en versión doblada. pinchando aquí

20071118

PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

Nacionalidad: Palestina, 2005
Género: Drama
Duración: 90 m.
Dirección: Hany Abu-Assad
Intérpretes:
Kais Nashef (Said)
Ali Suliman (Khaled)
Lubna Azabal (Suha)
Amer Hlehel (Jamal)
Hiam Abbass (Madre de Said)
Guión: Hany Abu-Assad
Bero Beyer
Pierre Hodgson
Fotografía: Antoine Héberlé
Música: Jina Sumedi


Hany Abu-Assad recupera sus raíces palestinas y se traslada a la Cisjordania de la segunda intifada para contarnos “Paradise now”, la historia de dos jóvenes palestinos amigos desde pequeños que deciden actuar ante la agobiante ocupación de su ciudad (Nablus) de la única manera que comprenden como posible, por lo que recubren su cuerpo de explosivos y se lanzan al ataque secundados por una organización de artificieros caseros, ideólogos que no se inmolan y leyendas de mártires. Para ello, y para recuperar el realismo perdido en los documentales alejados de la raíz del problema, el director rueda el film en 35 milímetros y en la zona de Cisjordania, lo que le supuso un verdadero calvario (cada día tenían que parar de filmar al estar en zona de fuego cruzado y seis técnicos alemanes abandonaron el rodaje, entre otras dificultades). Pero esta circunstancia también dio como resultado una imagen lejos del movimiento, la rapidez, o la mala calidad justificable para ciertos géneros. Abu-Assad ha compuesto una verdadera historia con principio y fin, con personajes, con localizaciones reales, tanto interiores como exteriores e indagando en la vida de dos suicidas, en su día a día, en sus motivaciones o en la falta de éstas. El resultado final resulta estimulante para el espectador y le hace pensar en la otra cara de la moneda, en la ambigüedad que suponen los términos de víctima y opresor.

Más críticas:

En esta película el paraíso es una declaración política ambigua justo por estar tramada en un ejemplo de cine excelente, difícil y comprometido que consigue su propósito.

Lo impresionante de Paradise now es que no es un panfleto político pese a narrar las últimas 72 horas de dos amigos que llevan toda la vida preparándose en secreto para morir por su ley y su patria. A veces hay demasiado autoanálisis psicológico, y la película tal vez tenga uno de sus puntos flojos en la historia de amor de último momento.

La película traspasa y supera la política para hablar de la humanidad en presente, directamente, provocando muchas dudas profundas en un espectador que si no se emociona será porque se resiste, solventando las pequeñas fallas del guión con una propuesta valiente y una dirección impresionante de principio a fin.

Estamos ante un film situado lejos de la grandilocuencia, que cuida tanto la historia como la estética y que no intenta buscar justificaciones a los hechos pero sí causas de los mismos.

20071106

PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005


Dirección y guión: Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu.
País:
Francia.
Año: 2005.
Duración: 98 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Sabine Azéma (Madeleine), Daniel Auteuil (William), Amira Casar (Eva), Sergi López (Adán), Philippe Katerine (Mathieu), Hélène de Saint-Père (Julie), Sabine Haudepin (Suzanne), Roger Miremont (Roger), Jacques Nolot (Michel), Marie-Pierre Chaix (Annick), Florence Loiret-Caille (Élise), Thiago Telès (Joao).
Producción: Philippe Martin y Geraldine Michelot.
Música: Philippe Katerine.
Fotografía:
Christophe Beaucarne.
Montaje: Annette Dutertre.
Dirección artística: Brigitte Brassart.
Vestuario: Laurence Struz.
Estreno en Francia: 24 Agosto 2005.
Estreno en España: 7 Julio 2006.


Sinopsis

William y Madeleine viven en una ciudad al pie de las montañas. Hace mucho que se casaron, siguen siéndose fieles, están enamorados y llevan una vida tranquila. Él acaba de prejubilarse y su única hija se va a estudiar a Italia. Les sobra tiempo.

Durante un paseo por las colinas cercanas, Madeleine coloca el caballete en un prado para pintar una puesta de sol. Allí conoce a Adán, el alcalde del pueblo, un hombre culto. Es ciego. Hay una casa en un extremo del prado. Está en venta, y Adán se la enseña. Es un auténtico flechazo, William y Madeleine la compran inmediatamente.

Durante las semanas siguientes a la compra, la pareja vive un periodo de mucha felicidad.

Se ven a menudo con Adán y su joven compañera Eva que viven a unos cientos de metros más allá. Cuando arde la casa de sus nuevos amigos, William y Madeleine les abren la suya...


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20071023

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

Dirección y guión: Isabel Coixet.
País:
España.
Año: 2005.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Sarah Polley (Hanna), Tim Robbins (Josef), Javier Cámara (Simon), Sverre Anker Ousdal (Dimitri), Eddie Marsan (Víctor), Steven Mackintosch (Dr. Sulitzer), Eddie Marsan (Victor), Julie Christie (Inge), Daniel Mays (Martin), Dean Lennox Kelly (Liam), Danny Cunningham (Scott).
Producción: Esther García.
Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar y Jaume Roures.
Fotografía: Jean Claude Larrieu.
Montaje: Irene Blecua.
Dirección artística: Pierre-François Limbosch.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 21 Octubre 2005.


En aquella estupenda película de Ricardo Franco titulada ‘La Buena Estrella’, Maribél Verdú decía: ‘Las cosas que no se dicen son como si no fueran’. Hay palabras que nuca deben ser pronunciadas, hay secretos que siempre deben estar guardados. Pero a veces, cuando las palabras son dichas y los secretos revelados, se encuentra el alivio, la comprensión y la libertad. De esto podría decirse que va la última película de Isabel Coixet, una absoluta obra maestra, que prácticamente deja a uno sin palabras, aunque eso suene a chiste.

Rodando de nuevo en inglés, Coixet ha cogido a un par de actores inmensos y nos cuenta la historia de una mujer que llega a una plataforma petrolífera para cuidar a un hombre que ha sufrido un accidente de trabajo. Entre ambos, no sin dificultad, surgirá una relación especial que les llevará a conocerse mucho más allá de lo que ellos, y el espectador, piensan. Los dos personajes están interpretados por la ya habitual Sarah Polley, absolutamente encantadora y magnífica en el papel de una mujer silenciosa, misteriosa y cautivadora, con un gran dolor a sus espaldas. Y Tim Robbins, realmente soberbio, interpreta al accidentado, un hombre sincero, que encuentra en su enfermera una nueva razón para vivir. Él ciego, ella sorda, y las palabras que les acompañan, darán lugar a una de las películas más maduramente emotivas que el cine español recuerde.

Porque Coixet se ha lucido como nunca con un guión que podría haber caído en la sensiblería más bochornosa, si no fuera por su enorme capacidad para mostrar y narrar uno hechos de forma totalmente sincera y sin argucias ni manipulaciones. La película que empieza con un montón de actos por parte de la protagonista que no entendemos, va cobrando forma según avanza y terminando con un encaje total de todas las piezas, perfectamente engranadas como un mecanismo de relojería. Todo nos es mostrado a su debido tiempo, sin prisas, ofreciéndonos momentos de una fuerte emotividad, hasta que al final ya no hay secretos ni palabras no dichas. Todo cobra sentido, y es el espectador el que se queda callado, pensativo, emocionado…

Por el camino vemos a unos personajes perdidos, no sólo los principales, seres que por un razón u otra quieren estar apartados de todo, y no quieren ser molestados bajo ningún concepto. El dolor es demasiado grande como para arriesgarse. Afortunadamente las palabras cobran vida para sacar todo el dolor y sufrimiento que se lleva dentro, para intentar curar las heridas, las visibles y las que no se ven. Todo esto, con una enorme fuerza poética, nos es mostrado en una película grande en sí misma, única, valiente, y que ya es, sin dudarlo, una de las mejores del año. Lo dicho, una obra maestra.

Pinchando aquí puedes obtener más información sobre la película.

20071001

Programación Septiembre-Diciembre 2007

Viernes, 14 de septiembre
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

Viernes, 5 de octubre
OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

Sábado, 27 de octubre
LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

Viernes, 9 de noviembre
PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005

Viernes, 23 de noviembre
PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

Título Original: "Offside".(Fuera de juego)

Género: Comedia.
Dirección: Jafar Panahi Guión: Jafar Panahi. Shadmehr Rastin. .
Reparto: Shayesteh Irani Golnaz Farmani Nazanin Sediqzadeh Fotografía: Rami Agami Música: Yuval Barazani Producción: Jafar Panahi Duración: 93 minutos. País y Año: Irán - 2006.
Estreno España: 26 de enero de 2007.Estreno EE.UU.: 23 de marzo de 2007

¿Quién es aquel chico silencioso sentado al fondo del autobús lleno de forofos camino de un partido de fútbol? El chico de aspecto tímido es en realidad una chica disfrazada. Pero no es ella sola. Hay muchas mujeres a las que les gusta el fútbol en Irán. Las detienen a las puertas del estadio antes de que empiece el partido y las encierran en un lugar cercano con otras mujeres disfrazadas de hombre. Al final del partido, todas serán entregadas a la brigada antivicio. Pero antes las torturan oyendo los rugidos, los gritos, los aplausos de un partido que no ven. Peor aún, deben escuchar a un soldado que no sabe nada de fútbol contarles lo que está pasando. Pero estas chicas no están dispuestas a rendirse y seguirán inventando nuevos métodos para colarse en los partidos.

Irán, derechos de la mujer y fútbol: Todos esos elementos confluyen en la película de Panahi, una historia sencilla de unas chicas que se disfrazan de muchacho para lograr entrar en el estadio donde se disputa el partido Irán-Bahrein, decisivo para la clasificación para el Mundial.

En lugar de infiltrarse, acaban acorraladas entre las vallas de seguridad y custodiadas por soldados iraníes. En lugar de fútbol en directo desde el graderío y con 100.000 aficionados, deben conformarse con la locución improvisada de un soldado, desde cuyo ángulo apenas se ve un saque de esquina.

Exponente de la represión y censura en Irán

Limitaciones, insultos, miedo a las consecuencias de la travesura de cinco muchachas que aman tanto el fútbol como a su país, exponente de la represión impuesta por el régimen de Teherán a su población, de la que la censura al cine es sólo una parte.

"Hasta cinco días antes del rodaje, las autoridades no sabían que estaba yo detrás del guión, porque lo registré con otro nombre. Cuando se enteraron, ya no pudieron frenarlo", explicó Panahi, quien a estas alturas no sabe aún si su película llegará a estrenarse en su país.

"Hacer la película era como un sueño, como lo era que Irán esté en el Mundial de Alemania, y espero que mis compatriotas puedan ver la película. Pero no dejaré que le corten ni una escena", dijo.

Sus actores son "muchachos y muchachas que no saben nada de cine", explicó, rodaron mayoritariamente en directo, en paralelo a lo que ocurría en el estadio y sin saber qué harían con su film si Irán no se clasificaba, y llegaron a Berlín con el compromiso de seguir trabajando por la supervivencia del cine iraní.

"Volveré a mi país y seguiré trabajando ahí", afirmó Panahi, quien pese al contenido de su film y la denuncia de la opresión de la mujer, no hace un retrato agrio de Irán, sino que trata el tema en clave de comedia, sin tiranos "visibles".

"Los iraníes somos una gran familia. El servicio militar es obligatorio y los soldados no pueden saltarse las reglas, pero son parte de esa familia", dijo respecto a la complicidad que se establece entre éstos y las muchachas que tienen "acorraladas".

20070925

LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

TITULO ORIGINAL Das Leben der Anderen
Año
2006 DURACIÓN 137´ PAÍS Alemania
DIRECTOR
Florian Henckel-Donnersmarck GUIÓN Florian Henckel-Donnersmarck MÚSICA Gabriel Yared, Stéphane Moucha FOTOGRAFÍA Hagen Bogdanski REPARTO Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hübner PRODUCTORA Wiedemann & Berg Filmproduktion / Bayerischer Rundfunk / Arte / Creado Film WEB OFICIAL http://www.movie.de/filme/dlda/

Un hombre con mirada al vacío entra en un ascensor de un anónimo rascacielos del Este de Berlín en 1984. Justo antes del cierre de las puertas, rebota dentro un balón de fútbol, seguido de su joven dueño. Se cierran las puertas. El ascensor comienza a moverse. El chico levanta la vista hacia el hombre y pregunta: “¿Es cierto que trabaja para la Stasi?” El hombre responde bruscamente: “¿Quién lo dice?”, a lo que el chico contesta: “Mi padre”. Tranquilo, el hombre prosigue: “Y, ¿cómo se llama…”; a mitad de la frase. “¿Quién?”, quiere saber el chico. Algunos segundos de silencio. “¿Tu balón?” pregunta el hombre con incredulidad en su voz, como si no pudiera creer lo suficiente esas palabras que acaban de salir de su boca. “¡Está loco!” dice el chico, “los balones no tienen nombre!”

Esta pequeña escena, de no más de dos minutos, es una primera indicación de lo que veremos aparecer en un muy respetado Capitán de la Stasi, leal defensor y profesor de espionaje estatal en Alemania del Este, varios años antes de la caída del Muro de Berlín. La vida de los otros, el debut del escritor y director Florian Henckel von Donnersmarck, cuenta la historia ficticia de este hombre, Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe). Una película que renuncia a todos los elementos pirotécnicos de los thrillers llamativos y los muy excitables misterios para algo que se mete bajo la piel. Es el tipo de drama de carácter inteligente que pasa a través del cerebro antes de alcanzar el corazón.

Wiesler es destinado –al menos parcialmente por su propia acción- a mantener, literalmente, un ojo y una oreja en el dramaturgo Georg Dreyman (Sebastian Koch, el oficial nazi en Black Book) y en su novia, la actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck, Deliciosa Martha). Sus bohemias existencias parecen, de algún modo, encajar con la línea del partido y Wiesler no puede descubrir ninguna mancha, hasta que un incidente que involucra a Jerska, el dramaturgo amigo de Dreyman (Volkmar Kleinert), cambiará tanto a Dreyman como al hombre que le sigue cada movimiento.

La belleza de la película de von Donnersmarck reside en que confía en el público para captar los pequeños cambios y motivaciones en los personajes, incluso si, aparentemente, son inexplicables. La primera vez que Wiesler se da cuenta de que ocurre algo sospechoso en la casa de Dreyman, actúa de un impulso y lo omite de su informe diario. Esta pequeña acción irá en aumento a través del resto de las vidas de todos los personajes. Es poco probable que hubiera permitido tal error si hubiese sabido las consecuencias de su decisión pero, una vez tomada, ha decidido el destino de todos los personajes para los años venideros.

La película es larga, sin embargo, el ritmo nunca decae; el guión está lleno de sutiles efectos espejo y sus temas emergen sólo gradualmente. Uno de los temas más importantes es la metáfora al actuar: Sieland y Dreyman se encangan de simular, mientras que Wiesler es el fin contrario del espectro, intenta averiguar los verdaderos sentimientos que se esconden tras las máscaras de la gente de cara al público. En un Estado-policía, cada cual es consciente de que en público es necesario un cierto nivel de actuación, aunque sólo sea para evitar llamar la atención a alguien que pudiera pedir más detalles. La película, por otra parte, es un trabajo que puede fácilmente llevar una investigación de sus personajes y móviles. De hecho, es exactamente esta densidad de contar historias llevada con tal leve elegancia lo que hace que The Lives of Others sea convincente.

20070912

Programación Septiembre de 2007

Viernes, 14 de septiembre de 2007
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre de 2007
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006