RECURSOS HUMANOS (Laurent Cantet) Francia, 2000. Sábado 13 de diciembre de 2008.

Dirección: Laurent Cantet
Guión: Laurent Cantet, Gilles Marchand
Fotografía: Matthieu Poirot Delpech, Claire Caroff
Montaje: Robin Campillo
Sonido: Phillipe Richard, Antoine Ouvrfier
Elenco: Jalil-Lespert, Jean Claude Vallod, Chantal Barré, Véronique de Pandelaére, Michel Begnez, Lucien Longueville, Danielle Mélador, Pascasl Sémard

Terminamos el trimestre y el año 2008 con esta película del realizador francés Laurent Cantet. Inscrita dentro de la vertiente realista de esa tendencia que se conoce como "nuevo cine social francés", la ópera prima de este cineasta , recientemente premiado en Cannes con la Palma de Oro por "Entre les murs", posa su mirada sobre unos cuantos temas candentes de la actualidad mundial: la humillación laboral, la degradación social y la desocupación, esa amenaza que pende sobre cada vez más gente de todas las clases. También aborda el asunto de las relaciones paterno-filiales.

"Recursos humanos” se inscribió en su momento en el debate europeo sobre la reducción de la jornada laboral a 35 horas semanales. Y ahora sigue plenamente vigente con el debate del pretendido aumento a 60 horas de la jornada semanal, con la crisis del Sistema Capitalista a nivel global y con una de sus concreciones a nivel local, las regulaciones de empleo, que muestran de qué manera las consecuencias de la crisis siempre las padecen en primer lugar los más débiles.

Sinopsis

La historia de Recursos Humanos es la de un joven universitario, Franck, que vuelve a su pueblo como becario en la planta donde su padre es operario de toda la vida. Tendrá un puesto en el área de recursos humanos, en plena disputa entre patrones y obreros por la reducción de la jornada laboral. Para Franck es un aprendizaje en todo sentido. Primer contacto con la vida laboral real, como trabajador, fuera de los claustros universitarios. Primer contacto con el mundo como hombre responsable por sus actos, ya no como hijo arropado por sus padres.

A raíz de las discusiones por la jornada, Franck y su padre se enfrentarán duramente. Pero esa confrontación funciona también como metáfora porque no es sólo política, también servirá para construir el nuevo lugar del padre y del hijo independizado.

Para Franck, esta experiencia laboral es iniciática y le servirá para encontrar su lugar en el mundo. Para el cine, la imprescindible opera prima de Laurent Cantet es prometedora.

Se trata de una película perfecta para tener una buena discusión sobre temas de plena vigencia: La crisis del sistema capitalista, las consecuencias para los más desfavorecidos, las regulaciones de empleo, el papel de los sindicatos,... No en vano el mismo Sarkozy que hablaba de enterrar el mayo del 68, le echa ahora toda la culpa a la reivindicación de las 35 horas, un caballo de batalla abandonado por los sindicatos mayoritarios antes de montar en él.

Aquí tenéis un trailer en español de la última película de Laurent Cantet, "La clase", galardonada con la Palma de Oro en Cannes este año y otro de la película de hoy en versión original:

2046 (Wong Kar-Wai) China, 2004. Sábado, 8 de noviembre de 2008

En la habitación 2.046 de un viejo hotel concluye “Deseando amar”, una de las películas que más gustó la pasada temporada del CineClub Imaginario. Sin solución de continuidad, Won Kar-Wai nos deleita con otra joya cinematográfica sobre el amor, que queriendo apuntar al futuro se resuelve en una serie de recuerdos. En realidad –dice Wong Kar-wai–, es la historia de un hombre que se inventa a diferentes mujeres para no olvidar a la única que amó y que fue a la única que traicionó. La realidad y el deseo, el futuro (año 2046) imaginado desde los recuerdos de un escritor en la habitación 2.046 de un viejo hotel...

Viernes 31 de octubre. SILVER CITY (John Sayles) EUA, 2004

SINOPSIS

Ambientada en Colorado, el corazón del “Nuevo Oeste”, durante la campaña electoral para las elecciones a gobernador del Estado, "Silver City" es una sátira política con tintes de cine negro. El nuevo candidato, siempre enfrentado con la gramática, es el heredero de una formidable dinastía de políticos de derechas. Mientras intenta abrirse camino hasta el despacho del gobernador, aparece un misterioso cadáver que amenaza su campaña, su imperio familiar, y el apoyo de los grupos de presión que mueven los hilos. El astuto jefe de campaña del candidato contrata los servicios de un periodista experto en destapar la corrupción, convertido ahora en detective privado para investigar posibles relaciones entre el cadáver anónimo y los prominentes enemigos de la familia del aspirante, silenciándolos. Siguiendo la tradición de la novela detectivesca, la investigación empieza pareciendo rutinaria, pero las pistas acabarán conduciendo a un submundo de coloristas pero sospechosos personajes cuyos motivos son bastante cuestionables. El investigador se topa con el estremecedor e interconectado mundo de las tertulias radiofónicas extremistas, grupos de presión, inmigración indocumentada, conglomerados mediáticos, y contaminadores del medio ambiente. Habiéndose acostumbrado con el paso de los años a aceptar pasivamente la corrupción como algo endémico, el sentido de la moralidad del detective renacerá a medida que la cadena de responsabilidades que va siguiendo, se acerca más y más a aquellos que lo contrataron.

El guión es del propio director quien se puso a escribir la historia tras las polémicas elecciones de 2000 y quería tenerla lista para antes de las elecciones de 2004. El CineClub Imaginario ha elegido este viernes anterior a las elecciones en Estados Unidos del próximo martes 4 de noviembre de 2008, para proyectar esta película que surgió de la necesidad de John Sayles de emitir un grito de alarma ante lo que podía suceder y sucedió. "Silver city" narra la investigación que un ex-periodista convertido en torpe detective realiza sobre la aparición de un cadáver desconocido en el lugar donde un senador republicano está rodando un spot electoral. Rápidamente la trama se va enredando hasta sacar a la luz toda una red de intereses económicos y miserias no por cotidianas menos escandalosas, que configuran el día a día de la realidad de la clase política norteamericana ligada a la administración Bush. Con un reparto infinito y fulgurante, entre los que cabe destacar a Danny Huston, hijo del mítico director John Huston, “Silver city” promete carcajadas pero con un mensaje de preocupación y urgencia.

UN CORAZÓN INVENCIBLE (Michael Winterbottom) RU-EUA, 2007

SINOPSIS

El 23 de enero de 2002 el mundo de Mariane Pearl (Angelina Jolie) cambió para siempre. Su marido Danny (Dan Futterman), jefe de la oficina del sur de Asia del Wall Street Journal, investigaba para un artículo acerca del terrorista Richard Reid. Se desplazaron a Karachi, donde un intermediario había concertado una entrevista con una fuente muy esquiva. Al irse para la reunión, le dijo a Mariane que quizá se retrasaría. Nunca regresó.

Winterbottom en la caja de Pandora

Es la segunda vez que el director se adentra en el conflicto que Estados Unidos abrió contra parte del Mundo Árabe tras el 11-S. En el anterior film, En este mundo, describe el horror de dos refugiados del Afganistán posterior a los bombardeos norteamericanos, que huyen a Europa en busca del paraíso. En esta ocasión el objetivo de Winterbottom se fija en una pareja de periodistas occidentales: él es secuestrado por combatientes (terroristas) afganos en Karachi, próximos a los talibán y Al-Qaeda y ella sufre con impotencia la angustia de su desaparición.

Muchos son los elementos de esta película que nos remiten al Missing de Costa Gavras, tanto argumentales como narrativos: el secuestro del protagonista en un escenario bélico decorado por los EE.UU., el sufrimiento de su pareja que se erige en auténtica protagonista de la narración, el frecuente recurso al flash back, e incluso la secuencia antes de la desaparición, con un halo de despedida. Sin embargo la gran diferencia es la tensión que Winterbottom imprime desde el principio; una tensión conseguida mediante un montaje y una narración trepidante, sin concesiones, en la que sin duda influye la ausencia deliberada del secuestrado (desde que desaparece no sabemos qué está pasando con él); una tensión que va instalándose en el espectador y que sólo se resuelve con el desenlace narrativo de la cinta.

Con un tono casi documental, como hizo con En este mundo, Winterbottom consigue una película emocionante, que nos hace reflexionar sobre los conflictos internacionales, sus víctimas y verdugos, y la miseria que los alimenta.

LA VIDA ES UN MILAGRO (Emir Kusturika) Serbia-Montenegro, 2004

Estrenamos esta nueva temporada del CineClub Imaginario con esta vitalista comedia del cineasta bosnio Emir Kusturika que, como es habitual en él, nos ofrece una mezcla desenfrenada de imágenes sugerentes y surrealistas, emociones, ternura, música y contrastes en una película que plantea la paradoja de tener un tono de comedia y optimista en un escenario bélico como el de la última terribles guerras que han asolado europa, la de los Balcanes.

Os adjuntamos a continuación la sinopsis y una crítica de Ruth Bautista

SINOPSIS

Bosnia, 1992. Luka (Slavko Stimac), un ingeniero serbio de Belgrado, se ha instalado en un pueblo en medio de ninguna parte con su mujer cantante de ópera, Jadranka (Vesna Trivalic), y el hijo de ambos, Milos (Vuk Kostic). Luka está preparando la construcción del ferrocarril que va a transformar la región en un pa-raíso turístico. Completamente absorto en su trabajo y cegado por su optimismo natural, está sordo al cada vez más persistente rumor de la guerra. Cuando el conflicto estalla, la vida de Luka se ve alterada: su mujer, Jadranka, desaparece del brazo de un músico mientras que su hijo, Milos, es llamado al frente. Siempre optimista, Luka aguarda el regreso de su familia, pero Jadranka no vuelve. Milos es hecho prisio-nero y el ejército serbio nombra a Luka guardián de Sabaha (Natasa Solak), una joven musulmana que ha sido tomada como rehén. Al po-co tiempo, Luka se ha enamorado de Sabaha, pero la joven está desti-nada a ser intercambiada por un prisionero serbio: su hijo Milos.

Con su última película, Emir Kusturica, nos presenta un soplo de vida, una inyección de energía de mas de dos horas y media que pasan tan rápido como la vida misma. La Vida Es Un Milagro, retrata muchas cosas, entre ellas y como trasfondo de una historia cualquiera, la última gran guerra de Europa, que todos hemos vivido, la de los Balcanes. Y lo cuenta desde fuera, sin tomar partido, lo cual le ha hecho recibir unas cuantas críticas, que él simplemente despeja bajo el paraguas del optimismo. Y este es uno de los puntos fuertes de la película, ya que muestra como la vida sigue incluso en las peores condiciones.

La historia de La Vida Es Un Milagro es tan local, que es universal. Y lo que la hace especial es ese toque tan esencialmente ‘Kusturica’ que logra imprimir una energía desproporcionada a aquello en lo que fija su mirada. En el film se come, se bebe, se ama y se odia, se canta y se baila tan desproporcionadamente, que el retrato final, enmarcado en una maravillosa banda sonora, es simplemente magnífico.

Es destacable también, la más que curiosa relación que el director mantiene con los animales, hasta el punto de personificarlos en muchos momentos proporcionándonos una pizca de absurdo.

El punto de humor negro, lo dedica Kusturica al papel que cumplieron los grandes medios televisivos, ejemplificados en una suelta reportera americana, en la guerra, a quienes les dedica un rotundo eructo.

Las actuaciones, junto con el paisaje balcánico, son los dos pilares en los que se apoya Kusturica para crear toda la explosión de vida; partiendo de la serena Julieta eslava (Natasa Solak), el optimista hasta la ceguera Romeo (Slavko Stimac), quien personifica la mirada de Kusturica, la histérica e histriónica pirada (Vesna Trivalic) y el resto del reparto, incluyendo al propio hijo de Emir, Stribor Kusturica, en el papel de un capitán serbio.

Como no es posible de otro modo, la música en este film recrea el personal mundo del director y sirve de enlace general para todas las piezas del rompecabezas, guiadas metafóricamente por esas vías del tren vacías en las que todos los que sufren mal de amores, burra incluida, se quieren suicidar, aunque para ello tengan que esperar al tren que nunca pasa por ellas.

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO (Jean Becker) Francia, 2007

El sábado 7 de junio a las
20:30 en la Casa de la Cultura de Valencina (Sevilla)

Titulo Original: Dialogue Avec Mon Jardinier
Género: Drama
Nacionalidad: Francia
Año: 2007
Director: Jean Becker
Guion: Jean Becker, Jean Cosmos
Reparto: Daniel Auteuil, Jean-Pierre Darroussin, Fanny Cottençon, Élodie Navarre, Alexia Barlier, Hiam Abbass
Basada en una novela de Henri Cueco.

Cerramos la temporada del CineClub Imaginario con esta sencilla y emocionante película de Jean Becker (La fortuna de vivir).
Después de haberse dado a conocer en París, un pintor quincuagenario regresa a su pueblo natal en la Francia profunda para instalarse en la casa donde pasó su infancia. Un jardín de buenas proporciones rodea el edificio, pero no sabe ni le apetece cuidarlo. Prefiere poner un anuncio en el periódico local. El primer candidato, y el definitivo, es un antiguo compañero de colegio milagrosamente reencontrado después de tantos años. Será el jardinero.
En su contacto diario con el jardinero, el pintor descubre, mediante toques impresionistas, a un hombre que primero le intriga y que acaba por asombrarle gracias a su franqueza y a la simplicidad de la mirada con la que ve el mundo. Su vida está marcada por referencias sencillas. Una felicidad sin aspavientos. El jardinero no conoce la amargura ni la envidia. Sus héroes siempre son gente modesta.
Su sistema de valores tiene un criterio único que, de forma consciente o no, le sirve para juzgar las cosas y las personas: el sentido común. El arte del que vive su amigo no goza de su aprobación hasta que puede observarlo discretamente durante horas.
Prosiguen una especie de adolescencia tardía y fraternal en la que se mezclan sus familias, sus conocimientos, las zanahorias, las calabazas, la vida, la muerte, viajar en avión, las grosellas, los gustos y los colores. Lo redescubren todo a través de la mirada del otro y renuevan el espectáculo del mundo.
Sin grandes alborotos, nos invitan a compartir su descubrimiento del día a día.
El jardinero planta para ofrecer y el pintor pinta para mostrar.
Haciendo clic aquí puedes acceder a la web de la película
En esta página puedes contemplar trailers en francés de la película
Trailers en español:

PI (FE EN EL CAOS) Darren Aronofsky EUA, 1998

Dirigida por Darren Aronofsky
Historia escrita por Darren Aronofsky, Sean Guillete y Eric Watson
Banda sonora de Orbital, Massive Attack

Sinopsis:
Con "Pi (fe en el caos)", el CineClub Imaginario propone uno de los títulos más complejos en sus más de tres años de andadura. La película empieza en un cúmulo de complejidades para llevar al protagonista a la más absoluta simplicidad al final de la cinta.
Max Cohen es un brillante Matemático (especialista en la rama computacional) paranoico e inseguro que sufre continuos dolores de cabeza fruto de su vida encerrada y silenciosa. A causa de sus miedos y dudas existenciales, vive en un piso con seis cerraduras y un súper ordenador de cálculos. Además no soporta el contacto humano salvo con un anciano profesor con el que juega al go (ajedrez chino). La vida de Max se hace todavía más dura cuando descubre y relaciona el número que mueve la existencia de todo ser vivo. Evidentemente es el número Pi. Tras hacer este descubrimiento (al que le falta la sucesión de números que lleve al porque de ese valor constante), Max comienza a ser perseguido por varios grupos que desean los servicios del matemático y la revelación de su secreto. Por una parte tenemos a una gran corporación de Wall Street que son los primeros en buscar a Max. Le ofrecen grandes sumas de dinero, pero el no lo quiere y le comienzan a perseguir. En una de estas persecuciones se encuentra con un grupo judío Hasidic, en un principio amables con el protagonista (incluso le llegan a redescubrir los secretos de las matemáticas de la Torah). Pero al final también interesados en las formulas de la existencia. Esta situación produce en Max un aumento de paranoias y dolores de cabeza que le lleva a tomar una decisión para simplificar su vida.

La espiral de Arquímedes
En una parte de la película se muestra a Max intentando establecer relación entre la espiral de Arquímedes y el hombre de Vitrubio por Leonardo Da Vinci (que nos lleva a considerar al número aureo como símbolo de la simetría perfecta).
La espiral de Arquímedes viene definida por una forma helicoidal y por llevarlo de algún modo a la vida cotidiana podemos decir que las brocas de las taladradoras están formadas por una espiral de Arquímedes.
La espiral fue inicialmente estudiada por Conon, pero más tarde (225 A. de C.) fue Arquímedes quien pudo determinarla y establecer tangentes a la espiral.
Aquí unas palabras del propio Arquímedes:
"Imaginaos una línea que gira con velocidad constante alrededor de un extremo, manteniéndose siempre en un mismo plano, y un punto que se mueve a lo largo de la línea con velocidad lineal constante: ese punto describirá una espiral"

El final de Pi
La película esta sujeta a muchas interpretaciones. Quizá el final sea un alegato a favor de una simplificación de la vida. Después de estar deliberando, sufriendo por hallar la verdad, el matemático llega a la conclusión de que debe simplificar su vida, no puede continuar con los intensos dolores de cabeza, los pinchazos y la persecución. Por ello, deja que la formula se quede en el olvido, y eso sólo se puede hacer borrándola de su memoria. La conclusión podría ser contraria a la frase del filosofo John Stuart Mill:
"Mas vale ser un Sócrates insatisfecho, que un cerdo satisfecho"
El genio renuncia a su saber por una mejor calidad de vida.

(Revisión de un texto de Ricardo Colmenero)

Trailer de la película:

Enlaces de interés:

Interesantísima página oficial de la película creada por su protagonista

Enlace sobre el uso de la película para enseñar matemáticas en el ESO y Bachillerato

Magnífico enlace de "microsiervos
Crítica de Alejo Cuervo

EL SECRETO DE LA ISLA DE LAS FOCAS (John Sayles) Irlanda-EUA, 1994

Director: John Sayles / Productor: Sarah Green y Maggie Renzi / Guión: John Sayles, según la novela "Secret of the Ron Mor Skerry" de Rosalie K. Fry / Fotografía: Haskell Wexler / Música: Mason Daring / Montaje: John Sayles / Intérpretes: Jeni Courtney (Fiona), Pat Slowey (sacerdote), Dave Duffy (Jim), Declan Hannigan (hermano mayor), Mairead Ni Ghallchoir (tabernera), Eugene McHugh (primer dueño de la taberna), Tony Rubini (segundo dueño de la taberna), Eileen Colgan (Tess), Mick Lally (Hugh), Richard Sheridan (Eamon), Micheal MacCarthaigh (maestro de escuela), John Lynch (Tadgh) / Año y nacionalidad: USA 1993. Duración y datos técnicos: 103' C scope

La película narra, a partir de una novela de Rosalie K. Fry, inédita en España, la llegada de una niña a una isla para convivir con sus abuelos y cómo va tomando contacto con una realidad anclada en viejas leyendas irlandesas, donde emergen mujeres-foca y un niño que vive en las olas mantenido por las focas y que coexisten paralelamente con la sociedad rural isleña. Esa cotidianeidad de lo fantástico, planteada por Sayles con una sencillez conmovedora, va erigiéndose paulatinamente en el centro de la historia y una vez toma posesión de la narración, todos los personajes lo aceptan con una naturalidad asombrosa. La hermosa música, inspirada en composiciones populares irlandesas, la impresionante fotografía, sus naturalistas intérpretes, la plácida mirada, al fin, de realismo mágico que le otorga Sayles en calidad de guionista, director y montador, confirman a El secreto de la isla de las focas como una de las más importantes manifestaciones de cine fantástico de los últimos años.

Enlaces de interés relacionados con la película:
Pinchando aquí, se puede leer una interesante crítica de Javier Castro

Trailer en español de la película:

Trailer en V.O.:

PEQUEÑA MISS SUNSHINE (Jonathan Dayton - Valerie Faris) EUA, 2006

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 101 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).
Guión: Michael Arndt.
Producción: Marc Turtletaub, David T. Friendly, Peter Saraf, Albert Berger y Ron Yerxa.
Música: Mychael Danna.
Fotografía: Tim Suhrstedt.
Montaje: Pamela Martin.
Vestuario: Nancy Steiner.
Estreno en USA: 26 Julio 2006.
Estreno en España: 20 Octubre 2006.

El CineClub Imaginario hace una nueva incursión en el interesantísimo cine independiente norteamericano con esta comedia vitalista y nada convencional. Una “road movie” con todos los ingredientes de este subgénero, que nos cuenta una historia de perdedores, pero en la que lo importante, más que la historia en sí es cómo se cuenta esa historia.
Excelente el tratamiento que se da en Pequeña Miss Sunshine a las rarezas humanas, a esos personajes inadaptados que tratan sin posibilidad alguna, consciente o inconscientemente, de ser como los demás.
Pequeña Miss Sunshine es una “road movie” antológica, alegremente ácida, corrosiva en su forma sencilla de mostrar las enfermedades de una sociedad, la americana, demasiado entregada a satisfacer placeres de forma inmediata y convertirlo todo en fast-food, en producto de consumo rápido, sea una hamburguesa, sea un libro, sea una película.
La familia protagonista (Los Hoover) son el paradigma de la familia rota: nadie tiene la cabeza donde debe. Hay un adolescente que no habla para imponerse una disciplina, un abuelo pornógrafo que esnifa heroína en los ratos libres y aconseja el amor libre y el fornicio como hobby, un padre enganchado a la sociología light, un cuñado gay recién salido de una intento de suicidio, una niña regordeta que quiere ser miss y una madre abnegada, auténtico pulmón de una familia destinada a reventar en cualquier minuto del día.
Amable, ácida, perversa, íntima, coloquial: hay muchos adjetivos. La cualidad, sin embargo, más dominante es el optimismo, el hecho crucial de que una carretera marque el norte, el futuro. O que una furgoneta desmantelable en pura chatarra no ceje en su destino final: el hotel de Redondo Beach ( California ) en el que va a tener lugar un concurso singular, la elección de Miss Sunshine, el aberrante concurso de niñas en donde, al final, se produce el desenlace fabuloso, una especie de clímax metafísico en el que uno se reconcilia con la bondad del cine, con su bendita catarsis.
El viernes 25 de abril, en el CineClubn Imaginario, no veréis la mejor película del año, pero sí una de las más frescas, irónicas, mordaces y, sobre todo, agradables.

Enlace a la página oficial de la película (se puede ver un trailer)

Crítica y trailer de la película en español:

Trailer en inglés de la película:

LA DIGNIDAD DE LOS NADIES (Fernando Pino Solanas) Argentina, 2005

Durante los años 90 reiteraron la idea de que la realidad no podía ser cambiada, que debíamos resignarnos al camino único neoliberal. Una cultura de la derrota, amnésica e hipócrita, caló hondo en los sentimientos de millones de personas. Pero otra realidad venía demostrando lo contrario a través de miles de actos individuales y colectivos. Con “La Dignidad de los Nadies” he querido revelar las pequeñas victorias y hazañas cotidianas de “los nadies”, alternativas y propuestas solidarias que demuestran cómo este mundo puede ser cambiado.

Con esta “nota de intención” del autor, os presentamos esta magnífica película documental que reflexiona, a partir de la historia reciente argentina, acerca de las alternativas posibles para enfrentarse, de forma organizada y pacífica, a un Sistema injusto y contradictorio.


La Génesis de la película según su autor

“La Dignidad de los Nadies” se concibió a partir de la catástrofe social que la Argentina vivió a comienzos del siglo XXI: 25% de desocupados y 60% de pobres e indigentes. Éramos capaces de alimentar 300 millones de personas y se morían de hambre o enfermedades curables cien personas al día. Más muertos por año que todos los desaparecidos del terrorismo de Estado. La tragedia me empujó a hacer memoria contra el olvido. Los más jóvenes preguntaban qué había sucedido y aunque lo habíamos denunciado muchas veces durante los 90, era necesario traer las imágenes de esa historia y colocarlas en su contexto. Así nacieron “Memoria del Saqueo” (2002/2004), un análisis de las políticas del poder, y “La Dignidad de los Nadies”, construida con relatos e historias de algunos protagonistas de la resistencia social. Una epopeya anónima y cotidiana de los traicionados de siempre: clases medias empobrecidas desocupados o piqueteros que salen a cortar rutas.
En los años 90 se impuso, a través de los medios, el discurso del único camino. Una cultura de la derrota que aun perdura en millones de personas, a pesar de cientos de movilizaciones que demostraron la posibilidad de vencer la impunidad. La insurrección espontánea del 19 y 20 de diciembre del 2001 será una de las primeras victorias contra el modelo global. En “La Dignidad de los Nadies” se recogen experiencias a través del relato de sus protagonistas. Difícil imaginarse que las chacareras, ajenas a los asuntos bancarios o políticos, iban a ser capaces de organizar un vigoroso y original movimiento de resistencia enfrentando a los bancos e impidiendo más de mil remates judiciales. Los comedores barriales y comunitarios, los dispensarios, panaderías y otras iniciativas sociales creados por los vecinos para dar respuesta a la pobreza y al hambre. Las decenas de marchas del silencio de familiares de las víctimas de las mafias policiales que lograron desenmascarar a los asesinos y llevarlos a juicio. Las fábricas recuperadas por sus ex trabajadores demostrando que con la autogestión y sin estructuras jerárquicas de gerentes y capataces, podían producir con eficiencia y calidad.

Enlaces con más información acerca de la película:
Página oficial de "La dignidad de los nadies"
Crítica en "Clarín"
Trailer de la película:

DESEANDO AMAR (IN THE MOOD FOR LOVE) (Wong Kar-Wai) Hong-Kong, 2001

"Es la película de tema amoroso más sobresaliente del nuevo milenio. Es toda una experiencia, el experimento más logrado de llevar un amor tangible, palpable, a la pantalla, gracias a un torbellino de hermosas imágenes, una música insinuante y unas interpretaciones excepcionales.”

Esta es una muestra reveladora de la opinión de la crítica acerca de esta realización de Wong Kar-Wai, un realizador taiwanés que os presentamos con esta proyección.

Ambientada en Hong Kong, años 60. Con una estética innovadora y tremendamente sugerente. Es una oportunidad de disfrutar dejándose envolver con esta propuesta artística.

Sinopsis:

Hong Kong, 1962.
Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai.
Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo.
Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. Un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos
cónyuges están teniendo una relación amorosa.

Más críticas y comentarios en los siguientes enlaces:

Una interesante crítica de Adolfo Bellido en http://www.encadenados.org/n20/deseando_amar.htm
La entrada de la Wikipedia en
http://es.wikipedia.org/wiki/Deseando_amar
Los comentarios de "Blog de cine" en
http://www.blogdecine.com/2007/09/18-deseando-amar-deseando-sufrir
Y Miguel Ángel Torres en Aloha Criticón
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article607.html

A continuación os mostramos algunos trailers de la película:

LAS HORAS (Stephen Daldry) EUA-RU, 2002 (114') Viernes, 15 de febrero de 2008

El director de “Billy Elliot” narra magistralmente en “Las horas" la historia de tres mujeres en la búsqueda del sentido de sus vidas. Cada una vive en una época y lugar diferentes, pero están vinculadas entre sí por sus anhelos y sus miedos. Virginia Wolf (Nicole Kidman), en los suburbios de Londres en 1920, cuando comienza a escribir su primera novela “Mrs. Dalloway”. Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre en Los Angeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, está leyendo “Mrs. Dalloway”, novela que encuentra tan reveladora que decide hacer un cambio abrupto en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de la Sra. Dalloway de Wolf, vive en la ciudad de Nueva York en la actualidad y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta que está muriendo de SIDA. Las historias de ellas tres interactúan, y finalmente se encuentran en un sorprendente y trascendente momento de compartido reconocimiento.

Enlaces de interés a propósito de "Las horas":

En este enlace se puede leer la opinión acerca de la película de un colectivo de mujeres latinoamericanas.
Reseña sobre el libro de Michael Cunningham en el que se basa el guión de la película.
Qué datos aporta la Wikipedia sobre la película
Críticas en "La butaca"
Datos acerca de la película en "Portalmix"
Las horas en "cinengaños"
La opinión de "Filmaffinity"

Trailer de la película

CACHÉ (Michael Haneke) Francia, Austria, Alemania e Italia, 2005

Dirección y guión: Michael Haneke.
Países: Francia, Austria, Alemania e Italia.
Año: 2005.
Duración: 115 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Daniel Auteuil (Georges), Juliette Binoche (Anne), Maurice Bénichou (Majid), Annie Girardot (Madre de Georges), Lester Makedonsky (Pierrot), Bernard Le Coq (Editor), Walid Afkir (Hijo de Majid), Daniel Duval (Pierre), Nathalie Richard (Mathilde), Denis Podalydès (Yvon), Aissa Maiga (Chantal).
Producción: Margaret Menegoz y Veit Heiduschka.
Fotografía: Christian Berger.
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse.
Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny y Christoph Kanter.
Vestuario: Lisy Christl.

“Haríamos cualquier cosa por no perder nada”

SINOPSIS

Georges (Daniel Auteuil), de profesión periodista, empieza a recibir vídeos, rodados a escondidas en la calle en los que se le ve con su familia, acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto.

UNA MIRADA INQUIETANTE

Europa ha conquistado unas cimas de democracia, libertad y bienestar para sus ciudadanos –nosotros-, impensables en cualquier otra parte del mundo. Pero el camino recorrido está en muchas ocasiones jalonado de situaciones de crueldad, injusticia y discriminación, que son escondidas debajo de la alfombra. La tarea de Michael Haneke consiste en ir levantándola en cada una de sus películas. En ésta su última entrega hasta el momento, nos muestra la mala conciencia de la sociedad francesa frente a los sucesos que llevaron a la independencia de Argelia y de cómo sus secuelas aún perduran. Y lo hace de forma alegórica, acusando con el dedo a Georges, que es obligado a rememorar su pasado, lo que hará tambalearse su cómodo estatus social actual. No se trata de la culpabilidad de un niño que se portó mal cuando tenía 6 años. Se trata más bien de la culpabilidad del hombre en el que se ha convertido cuando vuelve a encontrar al que ofendió entonces, a pesar de tener una elección moral. Pero prefiere huir. Esto hará que el problema siga a lo largo del tiempo.

Formalmente Haneke nos muestra una obra hiperrealista, densa, con largos silencios en planos-secuencia con cámara fija que contribuyen a crear ese ambiente de intriga que se mantiene durante toda la película, apoyado en un montaje preciso que marca un ritmo aparentemente sosegado. La secuencia final con los títulos de crédito, gemela de la secuencia inicial, lejos de proponernos una historia estructuralmente cerrada, como podríamos percibir, abre la puerta a la continuación de una historia que se mantiene inconclusa. Esto es quizás lo más inquietante del planteamiento del film.

Le grand voyage (Ismaël Ferroukhi) Marruecos, 2004

Paises: Marruecos y Francia.
Dirección y guión: Ismäel Ferroukhi.
Año: 2004.
Duración: 108 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nicolas Cazalé (Réda), Mohamed Majd (El padre), Jacky Nercessian (Mustapha), Ghina Ognianova (Mujer anciana), Kamel Belghazi (Khalid), Atik Mohamed (Viajero Ahmad), Malika Mesrar El Hadaoui (La madre), François Baroni (Aduanero italiano), Krassi Kpacu (Aduanero serbio), Kiril Kavadarkov (Camarero yugoslavo), Nihat Nikebel (Jefe policía).
Música: Fowzi Guerdjou. Fotografía Katell Djian. Montaje: Tina Baz.
Vestuario:Christine Brottes.

Pocas semanas antes de iniciar sus exámenes para entrar a la universidad, Réda (Nicolas Cazalé), un joven que vive en el sur de Francia, se ve forzado a llevar a su padre a La Meca. Desde el comienzo el viaje parece difícil. Réda y su padre (Mohamed Majd) no tienen nada en común. Las conversaciones se reducen al mínimo. Réda quiere experimentar este viaje a su manera. Su padre exige respeto hacia él y hacia el peregrinaje. A medida que cruzan países y conocen diferentes tipos de gente, Réda y su padre se observan de forma cuidadosa. ¿Cómo pueden tener una relación si la comunicación es imposible? Desde el sur de Francia, a través de Italia, Serbia, Turquía, Siria, Jordania, hasta Arabia Saudí, la travesía alcanza los 4.800 kilómetros.

Road movie al estilo musulmán con moraleja de fondo, dirigida por el cineasta marroquí Ismaël Ferroukhi, que se inspiró en un viaje semejante realizado por su padre. El viaje cobra significación también para el joven, al que los valores occidentales más materialistas han hecho mella. A Réda le impresiona la fe de la gente en el tramo final del film -impresionantes imágenes de La Meca-, y también la sabiduría inesperada de su analfabeto padre.

El film está lleno de toques de humor, especialmente en los encuentros con los extranjeros, quienes hablan sin parar durante un largo tiempo, y de quienes ni los protagonistas ni los espectadores comprenden una sola palabra. Pero incluso los encuentros con la muerte (personificada por una anciana vestida de negro, que se les mete en el auto sin su consentimiento) están tratados desde la comedia.

Es muy interesante el modo en que este director marroquí logra crear diferentes climas para el planteamiento de la relación entre padre e hijo; climas que se construyen desde los diálogos y los silencios, desde los lugares por los que transitan, o desde las maravillosas actuaciones de los protagonistas.

La película estuvo nominada al premio Bafta en 2006 y Mohamed Madj consiguió el premio Mar de Plata al mejor actor en 2005. También obtuvo el premio al mejor trabajo de un director novel en el Festival de Venecia en 2005.

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BIG FISH (Tim Burton) EUA, 2003

Direción: Tim Burton
Guión: John August
Reparto: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Bonham Carter, Robert Guillaume, Marion Cotillard, Matthew McGrory, Danny DeVito, Ada Tai, Arlene Tai, Steve Buscemi
Productores: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck

SINOPSIS:
Tras regresar a casa para estar al lado de su padre moribundo, y sentarse al lado de su cama, William Bloom se ve forzado a escuchar las interminables historias de la juventud de su padre. Asi, el joven Will tratará de saber más de su padre moribundo, separando los hechos de la ficción, a través de los mitos e historias que su padre le narraba... en un intento por desvelar la verdadera realidad.

Estrenamos el año con una obra mayor en la filmografía de este personalísimo director americano, una original y exquisita mezcla de drama, comedia y fantasía que obtuvo muy buena acogida entre el público. Sin olvidar su toque gótico, Burton adereza de nostalgia, sonrisas y melancolía su mundo "ficticiamente real" para conmover más que nunca en un final maravilloso que apunta directo al corazón. La mejor y más genial crítica de "Big Fish" la dió un crítico americano: "Es un película preciosa... y discúlpenme, que tengo que llamar a mi padre." (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Pinchndo aquí puedes ver el trailer de la película (en inglés).

Pinchando aquí puedes visitar la página oficial de la película (también en inglés)