CineClub Imaginario

LA CLASE (ENTRE LES MURS) Laurent Cantet (Francia, 2008). Viernes 7 de enero de 2011

2011-01-02T20:54:00.005+01:00

Dirección: Laurent Cantet

Guión: L. Cantet, François Bégaudeau, Robin Campillo.

Basada en la novela Entre los muros, de François Bégaudeau. Intérpretes: François Bégaudeau y alumnos del Instituto Françoise Dolto

Cualquier cinéfilo adulto que haya sufrido el castigo de una educación desastrosa, de un sádico, legitimado e impune abuso de poder, siempre va a guardar en su retina las venganzas libertarias y poéticas de los que sufrieron el yugo como las que describían la maravillosa Cero en conducta, del irreemplazable Jean Vigo, y la incendiaria If, de Lindsay Anderson. Truffaut le devolvió la dignidad al casi siempre mosqueante profesorado narrando la épica labor del humanista Jean Itard para que un niño salvaje aprenda a comunicarse, acepte reglas, afiance su sentido de la justicia, descubra el placer, la utilidad o la necesidad del conocimiento.

Hollywood, con menos afanes didácticos pero sabiendo lo que exige la taquilla, también ha frecuentado con más trampas que verdad, con tesis convenientemente edulcoradas, con la convicción de que finalmente todo el mundo es bueno, las inicialmente conflictivas relaciones entre profesores y alumnos. Y afortunadamente, en los últimos años, directores más preocupados por la cruda verdad que por la tranquilizadora ficción, como Bertrand Tavernier en Hoy empieza todo, Zhang Yimou en Ni uno menos y David Simon y Ed Burns en la cuarta temporada de la serie de televisión The wire, se han propuesto extraer realidad y conclusiones duras de lo que ocurre o puede ocurrir en las aulas, de las relaciones entre profesores y alumnos, de la simbiosis entre las tensiones del mundo exterior y lo que sucede en el colegio, de la sufrida y frecuente imagen del educador que se toma en serio su trabajo, que a pesar de los pesares no se resigna a la derrota, a lanzar la toalla.

Laurent Cantet se suma con la excelente e inaplazable La clase (el título original Entre las paredes es más adecuado) a los que se han propuesto con éxito retratar el muy duro aquí y ahora en la problemática labor de enseñar y de aprender. Nada huele a impostura en esta película. Cantet adapta un libro del profesor Francis Bégaudeau, que interpreta a su propio personaje, en el que cuenta su experiencia a lo largo de un año en un instituto de la periferia de París, habitado por la multirracialidad, por los hijos de la inmigración o por nativos de clase baja lumpen, por alumnos negros que ejercen el racismo con los magrebíes y viceversa, por gente con recelo o desidia ante la autoridad que encarna ese tenaz profesor que se ha propuesto enseñar la asignatura de lengua a sus impuestos, indiferentes o agresivos parroquianos. No le amenazan con pistolas pero los estallidos de violencia entre ellos o contra él pueden ser muy fuertes, tienen sus días mejores y peores, hay listos, normales, tontos, retorcidos, limpios, traumados, osados, dóciles. Hay de todo, como en la vida, pero las posibilidades de que el verdadero profesional de la enseñanza sienta que ha logrado los frutos que se proponía y que los alumnos asuman que estar entre las paredes es gratificante o decisivo para su futuro, pertenecen al reino de la utopía.

Cantet narra esta historia sin solución y claustrofóbica con espíritu documentalista, plasmando la autenticidad de personajes y situaciones, haciendo que alumnos y profesores se interpreten a sí mismos, huyendo del efectismo, el discurso y la moralina. Y lo hace admirablemente, logrando que el espectador se sienta incómodo, testigo de algo que se parece excesivamente a la vida cotidiana.

Carlos Boyero

Enlace a la web oficial de la película.

Tráiler de la película

El año que mis padres se fueron de vacaciones (Cao Hamburger) Brasil, 2007. Viernes 2 de octubre de 2010

2010-10-03T18:17:00.004+02:00

Cuando uno es introducido, pongamos por caso, en el núcleo familiar de su pareja, para no levantar resquemores que puedan manchar la primera impresión, es aconsejable no hablar de fútbol, religión o política.

Cao Hamburger se olvida de este consejo y habla de todo ello pero en voz baja. Lo vehicula a través de un drama intimista y sentimental en São Paulo, en 1970, fecha en la que la selección de Brasil ganó la copa mundial. Para ello, con un atisbo de añoranza pero con un sentimiento agridulce, nos cuenta la historia de Mauro, un niño de doce años que debe pasar todo ese año lejos de sus padres y en compañía de su abuelo. La situación política y dictatorial obliga a sus padres a apartar a su hijo de ellos temporalmente, mientras que el azar funesto, provocará que nunca llegue a encontrarse con su abuelo. Ello deja a Mauro en manos de la comunidad judía a la que pertenece el abuelo, donde será cuidado principalmente por el vecino, un señor de avanzada edad, reticente a ello, pero inducido por el rabino de la comunidad, ya que ven en la situación en la que se encuentra Mauro, paralelismos con la azarosa biografía de Moisés.

Si el fútbol está omnipresente a través de la afición de Mauro y la religión se nos muestra con un costumbrismo que se convierte en el pincel que nos pinta el lienzo paisajístico, la política es ese fuera de campo que es imaginable y evocado ante ciertos comportamientos extraños de los adultos o de fugaces situaciones de represión que son presenciadas por Mauro. La dictadura que sufría Brasil desde 1964 empuja los bordes de la representación ficcional y agrieta dichos muros para establecer a través de la alusión, de índices y de metáforas su presencia en el relato.

La postura adoptada es la de bajar unos centímetros el punto de vista, y establecerlo desde la mirada cognitiva y perceptual de Mauro, un niño de doce años. Si unos títulos introductorios nos sitúan al principio del film en la situación que a continuación se nos va a presentar, el espectador estará destinado a ver las cosas como si fuese Mauro. Una opción que puede recordarnos la serie Aquellos maravillosos años. Podemos pensar que cae en una nostalgia sentimental semejante, aunque aquí, el duro contexto social y personal que vive nuestro protagonista minimiza los efectos de los mecanismos de la morriña que hacen creer que cualquier tiempo pasado fue siempre mejor. El fútbol y la victoria de Brasil en la Copa actúan de catalizador dulcificador de un año clave y decisivamente doloroso para Mauro. No obstante, esta pátina entrañable sí que guarda estrechas conexiones con el film Kamchatka (2002) donde Marcelo Piñeyro nos mostró la dictadura argentina de forma indirecta y desde el punto de vista de Harry, un niño de diez años.

Esta opción no esquiva caer en los territorios comunes de películas de la infancia: el primer amor (Hanna), el despertar al sexo aunque sin el onirismo un tanto bizarro del Federico Fellini de Amarcord (1973) o Léolo (Jean Claude Lauzon, 1992). Todo en este film es suave, de líneas amables. Y como si quisiese establecer una sinécdoque al centrase en un barrio judío de São Paulo acostumbra a utilizar abundantes primeros planos y planos detalle entendiendo que la visualización de cada parte contribuye a la percepción global. De la misma manera, el retrato de una comunidad determinada le permite alcanzar la estampa general de toda una ciudad o un país.

También hay un esfuerzo por realizar un trabajo compositivo en el que las figuras aparecen visualizadas desde ángulos inesperados, ya sea desde el reflejo de un armario, o desde el mismo auricular del teléfono, estableciendo la presencia de la otra persona en el espacio en una esforzada labor de puesta en escena. Precisamente con la intención de simbolizar esos fantasmas de la dictadura, esa figura que atenaza de forma espectral.

Y aunque el deporte y el cine no acostumbran a ser buenos amigos, aquí el fútbol nos aparece como signo identitario cultural de un país. Son reiterativas las escenas alternadas que celebran la victoria de Brasil: el rabino y sus allegados, las mujeres o la gente en el bar para enfatizar cómo el deporte rey en aquel año era un signo de cohesión y a la vez una válvula de escape donde la gente alcanzaba momentos de felicidad en un entorno áspero provocado por la represión y la falta de libertad de expresión de un gobierno dictatorial.

Mauro en su infancia está como en una burbuja y aunque siente sensación de abandono y denota comportamientos extraños no es capaz de conceptualizar con exactitud lo que está pasando. No es capaz de discernir la magnitud de la gravedad de la situación. Se siente desamparado, pero a pesar de ello, vive soñando con el fútbol y se aferra a su entorno más inmediato, las familias que le cuidan, Hanna, los amigos de ella, etc. Es, en cierta manera, lo que sucedía en La vida es bella (Roberto Begnini, 1998), en la que el padre trata de hacer creer al niño, mientras están en el campo de concentración, que aquello es un juego, para así, preservar la inocencia de la infancia. Precisamente esa ingenuidad es lo que salvaguarda a Mauro de ser consciente del grave peligro que corren sus padres.

Mauro recordará lo que comentaba su padre de la figura del portero en la alineación y será con dicha figura con la que se identificará. Ni con Pelé ni con Tostao, las estrellas de la selección. Y es que el portero es un jugador diferente, porque mientras que los demás pueden cometer fallos, el portero no. Está allí solo en la portería esperando lo peor. Y si su padre siempre llegaba tarde a todos los sitios, entenderá cual es la figura del exiliado, aquel que de tardar tanto, nunca llegó.

Manu Argüelles (El espectador imaginario)
Trailer de la película:

Séraphine (Martin Provost) Francia - Bélgica, 2008. Viernes 17 de septiembre de 2010

2010-09-17T01:34:00.004+02:00

Dirección: Martin Provost.

Países: Francia y Bélgica.
Año: 2008.
Duración: 125 min.
Género: Biopic, drama.
Interpretación: Yolande Moreau (Séraphine), Ulrich Tukur (Wilhem Uhde), Anne Bennent (Anne Marie),

SINOPSIS

En 1912, el coleccionista alemán Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur), uno de los primeros compradores de Picasso y descubridor de Henri Rousseau "El aduanero", alquila un piso en Senlis para dedicarse a escribir y descansar de la vida parisina. La casera le manda una mujer de la limpieza, Séraphine (Yolande Moreau). Algún tiempo después, cenando en casa de la dueña del piso, Wilhelm ve un pequeño cuadro pintado sobre madera. Se sorprende al enterarse de que la autora es la mujer que limpia su casa. Así nace una relación conmovedora e inesperada entre un marchante de vanguardia y una mujer visionaria.

Comentario

El filme de Provost bucea en un espíritu único en una época de vanguardias en que la subjetividad del artista cobraba mayor importancia que la misma realidad. Por esta razón, intenta plasmar en sus imágenes la misma inocencia e intensidad dra-mática con que la pintora lo hacía en sus lienzos. En la primera parte de la cinta se respira el aire y el viento de la Naturaleza, la frescura de sus aguas y la paz de sus días, en la mejor tradición del cine impresionista francés. La fotografía es luminosa, la planificación cuidada y el ritmo parsimonioso, mientras que los diálogos son parcos y sencillos, con la misma ingenuidad de las pinturas de Séraphine.

La llegada de la 1ª Guerra Mundial y más tarde de la Gran Depresión pasan de puntillas porque al director no le interesa entretenerse con el entorno político-económico, pero sí dejar un rastro de oscuridad y drama en el alma del artista, sumida en la noche de las tinieblas y la locura del espíritu. Sus cuadros se cargan entonces de dinamismo y tensión, las sombras y los interiores ganan terreno a la luz y a los paisajes naturales, su existencia se aleja de la realidad y con esa enajenación llega lo mejor de su obra, lo más íntimo y personal, como sucediera a tantos artistas visionarios e incomprendidos en su tiempo.

De manera paulatina y sin estridencias, con un tono comedido y casi imperceptible, el espectador asiste al deslumbramiento/caída de la pintora y percibe el abismo que se abre entre ella y el mundo. La mirada de Uhde sirve tanto para vislumbrar esa pureza del “arte primitivo” que la modernidad redescubre como para conmoverse con el desquiciamiento de su autora. Provost logra con todo una película artística, apoyada sobre una puesta en escena ajustada al tema, de tempo contemplativo y sin concesiones dramáticas gratuitas y fáciles. Intimista pero nada sensiblera, fotografía y música encuentran en la soberbia interpretación de Yolande Moreau el contrapunto perfecto para transmitir un estado del espíritu, capaz tanto de sentir el frescor de las aguas o la rugosidad del tronco de un árbol como de reflejar la agitación y el torbellino interior de unas voces angelicales que vienen a los desposorios de un alma inquieta. Su manera de mirar las pinturas, el carácter artesanal con que fabrica sus colores, su contacto con la Naturaleza, la evolución en su relación con Uhde… son momentos exquisitos de un cine plenamente artístico.

Recordamos a Esperanci

2010-06-30T11:54:00.002+02:00

Excelente persona, bondadosa, compañera, amiga y leal seguidora del CineClub Imaginario desde sus inicios, así como de todas las iniciativas culturales, sociales y solidarias.
Hemos tenido, sin quererlo, que despedirnos de ella, a destiempo, con dolor.
Esperamos que su recuerdo llene el vacío que nos ha dejado y deseamos ser capaces de acompañar a Pepe Carmona en una vida con su ausencia.

Clausura de la temporada 2009/2010: HÁBLAME DE LA LLUVIA (Parlez-moi de la pluie) Agnès Jaoui (Francia, 2008). Viernes 18 de junio de 2010

2010-06-14T01:24:00.007+02:00

Tras la película del viernes (proyección número 100 del CineClub Imaginario y última de la temporada 2009/2010) haremos una pequeña fiesta. Si piensas traer algo de comer o beber, puedes ponerlo como comentario a esta entrada (debajo del tráiler). Así no nos repetiremos. No vaya a ser que nos encontremos con 20 platos de caviar y no sepamos qué hacer con ellos.

Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri vuelven con ‘Háblame de la lluvia’ (‘Parlez-moi de la pluie’) a la crítica social y la presentación de personajes desubicados que ya hicieran en la genial ‘Para todos los gustos’.

La historia
Jaoui, que dirige la cinta, interpreta a Agathe Villanova, una feminista metida en política recientemente, que pasa unos días en su localidad natal, junto con su pareja, Guillaume (Laurent Jarroir). Karim (Jamel Debbouze) y Michel (Bacri), quieren entrevistar a la política para realizar un documental sobre mujeres de éxito. Villanova acepta la propuesta, sin saber que esto va a poner en peligro su carrera política y su relación amorosa. Karim es el hijo de Mimouna, la asistenta de los padres de Agathe, mientras Michel está relacionado con la familia por otro lado: mantiene una aventura con la hermana de Agathe, Florence (Pascale Arbillot), una mujer casada y opuesta en personalidad y físico a la protagonista.
La película comienza presentando a cada uno de estos personajes de manera independiente y sin que sepamos qué vínculos existen entre ellos o de qué forma la historia los va a unir. Durante un tiempo, la verdadera trama de ‘Háblame de la lluvia’ no arranca y el espectador desconoce los derroteros que podría tomar.
Sin embargo, este inicio algo lento da paso a una divertida trama de enredos y confusiones que analiza de forma muy ácida las relaciones de poder y los sentimientos de inferioridad, así como la sensación de no saber qué hacer con nuestra vida y la duda de si mantenernos fieles a nuestras decisiones, aunque se demuestren absurdas. Utilizando sutilmente el recurso del efecto bola de nieve, los guionistas consiguen desquiciar una iniciativa que en apariencia es inofensiva y situarnos en el extremo contrario al final del film sin que apenas nos hayamos percatado de los cambios.

Comentario
‘Háblame de la lluvia’ no se presenta como una comedia pura, sino que tiene tintes melancólicos y entrañables. Pero lo que es inconfundible de su tono, como en otros films de Jaoui-Bacri, es la placentera ausencia de excesiva gravedad o de exagerado dramatismo, sin que esto impida a los autores tratar temas serios con profundidad. Es admirable en esta pareja de creadores cómo son capaces de utilizar el subtexto y de lograr que ocurran cosas tremendas donde parecía que no pasaba nada.
El inmenso puzzle de relaciones personales que compone la trama tiene más piezas que las mencionadas en la sinopsis. A pesar de que son tantos, cada uno de esos vínculos se ve reforzado o cuestionado por lo que sucede en esos días. Esto es otra prueba más de que, aunque dé la impresión de que apenas pasa nada, la película está llena de hechos y consecuencias. Todas las acciones de la película, que podrían aparentar ser simplemente una escena jocosa (por ejemplo, la elección de la colina con ovejas para la grabación de la entrevista) tienen un significado que va mucho más allá. Lo que produce humor son situaciones algo tontas o pueriles que llevan más a la vergüenza ajena que a la risa abierta. Esta simplicidad intencionada tiene como propósito resaltar más aún el absurdo en el que se encuentran los personajes. Por lo tanto, ‘Háblame de la lluvia’ ofrece un primer nivel de lectura en el que encontramos mucho humor y con el que podemos pasar un buen rato, y otro donde percibimos la crítica social.
Bacri, como había hecho otras veces, interpreta a un hombre poco cultivado que ve cómo su prestigio como cineasta está desapareciendo. Sus costumbres son meter la pata y poner en situaciones embarazosas a quienes le rodean. Pero esto no sólo lo coloca a él bajo el microscopio, sino que sirve igualmente para analizar a los demás. Así se pone de manifiesto que uno de los puntos fuertes de estos dos guionistas está en la observación de los personajes. La directora se queda con el papel que más palos recibe y lo interpreta con tal convicción que nos creeríamos que ella es así si no la hubiésemos visto ya en otros films. Los tandems que crean Jaoui y Bacri suelen tener una tercera rueda, que en este caso le toca a Debbouze, personaje que provoca todos los desequilibrios probablemente por su propia indefinición.
‘Háblame de la lluvia’ es una interesante propuesta que nos permitirá pasar un rato muy agradable a la vez que reflexionamos sobre las relaciones familiares y sociales o sobre nuestra propia personalidad.

LA CIENCIA DEL SUEÑO (La science des rêves) Michel Gondry. Francia, 2006. Sábado 22 de mayo de 2010

2010-05-22T14:36:00.005+02:00

LA CIENCIA DEL SUEÑO (La science des rêves)

Dirección y guión: Michel Gondry
País: Francia
Año: 2006
Duración: 105'
Género: Comedia
Interpretación: Gael García Bernal (Stéphane Miroux), Charlotte Gainsbourg (Stéphanie), Alain Chabat (Guy), Miou Miou (Christine Miroux), Aurélia Petit (Martine), Sacha Bourdo (Serge), Pierre Vaneck (Sr. Pouchet), Emma de Caunes (Zoé), Stéphane Metzger (Sylvain), Alain de Moyencourt (Gerard)
Producción: Georges Bermann
Música: Jean-Michel Bernard
Fotografía: Jean-Louis Bompoint
Montaje: Juliette Welfling
Vestuario: Florence Fontaine

SINOPSIS
"La ciencia del sueño" narra las desventuras de Stéphane (Gael García Bernal), un joven artista gráfico en cuyo cerebro se emite un programa de televisión en continua pugna con la realidad. Aterrizado en París con la esperanza de un buen trabajo y tras entrar en contacto con una nueva vecina, Stéphanie (Charlotte Gainsbourg), la posibilidad de un romance se abrirá paso en su onírico universo de cartón.

Cuando la realidad y la ficción interfieren.
Cuando la tecnología digital ha cambiado la forma de hacer y hasta de ver cine, Michel Gondry ha tenido la osadía de beber en las fuentes más tradicionales de la ilusión cinematográfica; tanto es así, que en “La ciencia del sueño” no sólo podemos sentir el eco del extraordinario trabajo de los grandes animadores stop-motion (especialmente los checos), sino que su capacidad de fascinación artesanal nos llevaría, incluso, al mismísimo patriarca Méliès y su concepción del arte del cine como un continuo y subyugante truco de magia.
Porque, con esta cinta, Gondry ha confirmado que es, quizá, el más interesante de los directores “modernos” para hallar la entrada a un terreno propio en el que la obsesión por hacer algo diferente deja paso a la capacidad de ofrecer un mundo propio que esté verdaderamente vivo. Ocurrió ya en "¡Olvídate de mí!", y “La ciencia del sueño” lo confirma.
Desde luego, no se trata de una cinta para todos los públicos, pues exige la entrega del espectador a un juego en el que cualquier parecido con la realidad suele ser pura coincidencia. Pero, a cambio, obtendrá una historia que le devuelve al adjetivo “romántico” su verdadero y real significado, en el que la belleza aparece de repente en el fotograma menos pensado, y en el que la pregunta típica ante la nueva maravilla (“¿cómo lo habrán hecho?”) pierde toda importancia: no nos importa el “cómo” (porque muchas veces, su propia estética artesana lo muestra a las claras), sino que simplemente disfrutamos el maravilloso caballo de trapo que cabalga sobre el teclado, el agua hecha con celofán, los tubos de papel higiénico convertidos en edificios… No importa: esto ES CINE y siempre lo ha sido; lo que pasa es que, de tanto ver rutina adocenada, se nos había olvidado.
Como ocurrió en su anterior película, la historia de amor enrevesada, extrañamente complicada e imposible, logra ser convincente, en gran parte, porque tanto Gael García Bernal como Charlotte Gainsbourg llenan de vida a unos personajes de comportamiento imprevisible. La sonrisa de niña fascinada de ella cuando imagina cómo se puede fabricar una nube, o la mirada de desesperación de él cuando cree que está perdiendo a su vecina, su amor, son como una versión más “francesa” de los interpretados por Jim Carrey y Kate Winslet en "¡Olvídate de mí!". Los secundarios, sobre todo los compañeros de trabajo del personaje de García Bernal, son en este caso, y con la excepción de Alain Chabat, poco más que un coro que ofrece el contrapunto cómico, incluso ordinario, que es marca de la casa y funciona como potenciador del efecto romántico de la cinta.
Lo más curioso, en fin, es que, en su búsqueda insaciable de la modernidad, Gondry ha terminado cayendo en lo más esencial del cine, lo que estuvo ahí desde el principio, y con su mirada, ha conseguido traérnoslo de vuelta, lleno de vida. “La ciencia del sueño” es más juego que verdadera reflexión, pero ésta tampoco desaparece del todo: ahí está la conexión, las semejanzas, entre el mundo onírico y el cine, que no deja de ser una especie de sueño puesto en imágenes capaz de crear belleza.

Miguel A. Delgado

ALEXANDRA (Aleksander Sokurov) Rusia, 2007. Viernes 7 de mayo de 2010

2010-05-04T22:21:00.007+02:00

DIRECCIÓN Y GUIÓN Alexander Sokurov
MÚSICA Andrei Sigle
FOTOGRAFÍA Alexander Burov
REPARTO Galina Vishnevskaya, Vasily Shevtsov, Raisa Gichaeva, Andrei Bogdanov, Alexander Kladko, Aleksei Nejmyshev, Rustam Shahgireev, Evgeni Tkachuk
Cannes: Nominada a la Palma de Oro

En ALEXANDRA la cámara es su sombra, la de la protagonista Galina Vishnevskaya, cantante de ópera y, ahora actriz, esposa en la vida real del genial violonchelista ruso Mstislav Leopóldovich Rostropovich. La cámara persigue a esta anciana que decide trasladarse a Grozny, capital de Chechenia, para reencontrarse con un nieto al que no ve desde hace siete años, porque permanece allí destinado con las tropas instaladas en la zona por el ejército ruso para controlar y reprimir los movimientos insurgentes y violentos de la siempre combativa población chechena. Sokurov deposita en los ojos de esta incombustible mujer el posicionamiento de su propia mirada. El realizador hace un emocionante alarde de humildad y se encomienda al esfuerzo sabio, empecinado y limpio de esta longeva sin desaliento, que, mediante su deambular ajeno a todas las consignas oficiales, cuestionará, desenmascarará y hará patentes los mecanismos absurdos e insensatos que rigen todo el montaje bélico. Sokurov adhiere toda la ambientación dramática de su película a la honestidad inocente, perpleja y veterana que el rostro de la protagonista derrama en ella. La película es la actriz. A ella pliega el realizador el devenir aturdido, cansado, renqueante y transparente de la narración. ALEXANDRA nos desvela un Sokurov distinto, puesto que la naturaleza descubridora y mítica de este personaje inolvidable le exige adaptarse a los cánones de un mínimo clasicismo descriptivo que despliega una sencillez expositiva bastante alejada de la férrea impenetrabilidad, por él experimentada desde sus inicios. Ahora bien, en modo alguno, esta opción formal le lleva a renunciar a los postulados que han caracterizado un magnífico manifiesto autoral enunciado en obras tan dispares a ésta como “EL SOL”, “TAUNUS” o “MADRE E HIJO”. La mediación de la anciana le permite captar con agudo comedimiento la brutalidad de la devastación del espacio geográfico: las casas en ruinas, los vehículos desvencijados, las carreteras empedradas y polvorientas colman de quebranto el escenario que descubre el caminar parsimonioso y firme de la protagonista. Lo mismo habría que decir de la descripción tan descarnada, cercana y penetrante que se nos hace de los soldados. Sokurov los estrecha mediante planos muy cortos, en los que sus rostros son mostrados con un naturalismo no forzado, escrutador, indagador del ser humano antes que del hombre con uniforme. La impronta de Alexandra, personaje, consigue, como ha quedado dicho, desentumecer el rigor exhausto con el que el magnífico director ruso acostumbra a cercar a sus personajes. No hay opresión, sino reconocimiento comparado. “ALEXANDRA” acaba conmoviendo porque Sokurov, quizás, es el primer conmovido por esa utopía octogenaria que, carrito en mano, radicaliza humanitariamente el verdadero significado de esta hermosa película que os ofrecemos hoy en el CineClub Imaginario.

DESPEDIDAS (Okuribito) Yôjirô Takita. Japón, 2008. Viernes 30 de abril de 2010

2010-04-27T18:34:00.006+02:00

Dirección: Yôjirô Takita.

Título original: Okuribito (El que envía)
País: Japón.
Año: 2008.
Duración: 131 min.
Género: Drama.
Interpretación: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Ryoko Hirosue (Mika Kobayashi), Tsutomu Yamazaki (Shouei Sasaki), Tetta Sugimoto, Kimiko Yo (Yuriko), Takashi Sasano (Shokichi), Kazuko Yoshiyuki (Tsuyako).
Guión: Kundo Koyama.
Producción: Toshiaki Nakazawa y Toshihisa Watai.
Música: Joe Hisaishi.
Fotografía: Takeshi Hamada.
Montaje: Akimasa Kawashima.
Diseño de producción: Fumio Ogawa.
Estreno en España: 3 Julio 2009.

Sinopsis

Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki), acaba de alcanzar el sueño de su vida: entrar como chelista en una orquesta, para lo que compra un instrumento que esté a la altura. Desgraciadamente, tras el primer concierto la orquesta se disuelve y Daigo se queda con su chelo, su hipoteca y sin ingresos. Acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello, decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa (Ryoko Hirosue). Allí consigue un empleo que le va a hacer replantearse la vida que ha llevado hasta ahora y los valores y conceptos de la sociedad contemporánea.

Hay veces que vas al cine y te llevas una gratísima sorpresa. Eso es lo que pasa con Despedidas, una de las películas más sencilla, tierna y conmovedora de la pasada temporada. En Despedidas nos encontramos con un drama contenido, con toques de humor, donde el protagonista, Daigo, nos va conduciendo por un camino en el que nos va mostrando cómo se hace cargo de tareas que nadie quiere realizar en la sociedad actual (ni él mismo tampoco al principio) y cómo a través de ellas termina reencontrándose con un pasado doloroso, el suyo.

Despedidas nos habla del honor, del respeto, del deber moral de encargarse de los tuyos, de la admiración hacia los mayores, de la lealtad extrema... Pero por encima de todo, de la superación de un trauma o de un inconveniente en la vida; de la agilidad de cambio, del convencimiento de la valía de uno mismo... todo ello envuelto en un tema nada tópico del cine, la transición de la vida a la muerte. En definitiva, una rotunda defensa del disfrute de la vida, a través del análisis de lo que supone la muerte.

A destacar dos cosas: una banda sonora impecable, que combina la música occidental con los sonidos más tradicionales japoneses; y la interpretación de prácticamente todo el reparto, pero sobre todo de Tsutomu Yamazaki, que representa al jefe de Daigo: sobrio y desconcertante, consigue mostrar a un hombre a ratos misterioso, a ratos entrañable.

Un ejemplo más de la miseria en la que se mueve el cine en la actualidad: si hemos conseguido verla es porque ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2009. Así y todo su distribución ha sido mala, circunscribiéndose a las grandes ciudades españolas. Mientras un arte como el cinematográfico esté en manos de una industria, donde sólo los números es lo que cuenta, y la inmensa mayoría de las pantallas estén reservadas a los productos mediocres y muy rentables a corto plazo, cada vez tendremos más difícil asomarnos a las culturas más o menos exóticas que nos muestra la riqueza cultural y creativa que alimenta nuestra imaginación.

DESPUÉS DE LA BODA (Efter Brylluppet) (SUSANNE BIER) Dinamarca, 2007. Viernes 9 de abril de 2010

2010-04-08T00:45:00.013+02:00

Guión: Susanne Bier y Anders Thomas Jensen

Interpretación: Mona Malm, Ida Dwinger, Rolf Lassgârd, Frederik Gullits Ernst. Mads Mikkelsen, Sidse Babett Knudsen.

La historia

Jacob dedica toda su vida como voluntario humanitario a un orfanato ubicado en India La posibilidad de recibir una aportación económica por parte de un millonario danés hace que vuelva a Dinamarca después de muchos años para reunirse con él y presentarle su proyecto humanitario. Coincidiendo con la celebración del matrimonio de la hija de éste, Jorgen se verá inmerso dentro de la familia del acaudalado benefactor y las razones reales que incitaron el viaje de retorno a su tierra natal se irán revelando.

La realizadora

Después de la boda es el décimo largometraje de Susanne Bier (Copenhague, 1960), que ha producido Zentropa, la compañía de Lars von Trier. Bier, que formó parte del movimiento Dogma, ganó muchos premios con su anterior película de 2004, Hermanos (ya proyectada en el CineClub Imaginario). Su última película, Things we lost in the fire, cuenta con Halle Berry y Benicio del
Toro como protagonistas.

Comentarios...

Este drama sobre responsabilidades, familia y reecuentro con el pasado consigue ser una película muy humana, contenida y a la vez emotiva. Gracias al magnífico trabajo actoral y la sobria dirección de Susanne Bier, esta historia consigue no caer nunca en el sentimentalismo de lágrima fácil. Al contrario, los primeros planos muy presentes en todo el metraje (propios del movimiento DOGMA del que sigue siendo deudora) muestran al igual que el resto de la cinta una gran profundidad en las emociones, los personajes y su situación. El guión en sí no es complejo pero las situaciones emotivas y los retratos humanos que muestra sí son emocionalmente complejos y profundos. Después de la boda, que fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2007, es una película muy equilibrada, mesurada pero honestamente conmovedora.

Después de la boda es sobre todo una historia de reencuentros: entre personas, entre personas y aquellos lugares a los que pertenecieron, entre pasado y futuro. Aquello que creíamos haber dejado atrás, a veces reaparece con una fuerza insospechada. Cada secreto desvelado abre un nuevo mundo, un nuevo abanico de posibilidades. Y, siempre, al abrir una puerta se cierra otra. Jacob avanza, y nosotros con él, a través de su pasado para acercarse a una encrucijada que parece no dejarle opciones. Este conmovedor drama apoya su sólido guión en unos inteligentes diálogos, que dotan a la acción de un ritmo vivo y un interés siempre creciente. La ironía, el sarcasmo y el subtexto están siempre presentes. Pero si por algo destaca más allá del argumento y el tema, es por las soberbias interpretaciones de todos sus protagonistas. Especialmente brillantes se muestran Mads Mikkelsen (Jacob) y Rolf Lassgard (Jorgen) que hacen creíbles y emotivas las escenas más duras del largometraje.

Página oficial de la película

LA INGLESA Y EL DUQUE (Eric Rohmer) Francia, 2001. Sábado 20 de marzo de 2010

2010-03-19T11:33:00.004+01:00

Dirección: Eric Rohmer
País: Francia
Año: 2001
Duración: 125'
Interpretación: Lucy Russell (grace Elliott), Jean-Claude Dreyfus (Duque de Orleans), François Marthouret, Léonard Cobiant, Caroline Morin, Alain Libolt, Héléna Dubiel, Laurent Le Doyen, Serge Wolfsperger, Daniel Tarrare, Charlotte Véry.
Guión: Eric Rohmer. Basado en la novela "Ma vie sous la révolution" de Grace Elliot.
Producción: Françoise Etchegaray.
Música: Jean-Claude Valero.
Fotografía: Diane Baratier
Montaje: Mary Stephen.
Vestuario:Pierre-Jean Laroque.
Decorados: Antoine Fontaine.

Sinopsis

La inglesa y el duque está basada en la autobiografía de Grace Elliot (Lucy Russell), quien fuera amante del duque de Orleans (Jean-Claude Dreyfus) en los tiempos de la Revolución Francesa. Sospechosa de ser espía británica, Grace, a través de su óptica monárquica, retrató el devenir histórico de una ciudad de París convulsionada por el escenario de sangre y muerte que sucedieron al estallido revolucionario.

La realidad pintada

La Revolución Francesa globalizó la libertad y la igualdad, las inauguró como se "descubre" un continente y las fijó como pilares de esa estructura polimorfa y quebradiza que ha sido (que es) la modernidad. Pero desde el principio se sacrificó la tercera punta del ideal revolucionario. La fraternidad no se asimiló ni se ha asimilado por ahora nunca como aspiración política. Apenas unos pocos pasos tecnológicos separan la guillotina de la silla eléctrica.

Eric Rohmer arriesga su popularidad para denunciarlo en La inglesa y el duque, en la que revisa el mítico episodio revolucionario desde un punto de vista incómodo: el de sus víctimas aristocráticas. Sale así el veterano realizador francés (81 años, más de treinta películas) del genial y genuino universo de sus citas con el París contemporáneo casi un cuarto de siglo después de su última recreación histórica, Perceval le Gallois (1978). Y lo hace para traducir casi literalmente al cine las memorias de Grace Elliot, dama escocesa que vivió en el París de los años más sangrientos del gobierno jacobino de Robespierre, convencida monárquica y al mismo tiempo amante del Duque de Orleáns, un intrigante político revolucionario.

Más allá de la polémica que haya podido suscitar Rohmer al cuestionar el triunfalismo popular con el que se ha evocado siempre este hito del nacionalismo francés (y de toda la tradición liberal posterior), La inglesa y el duque tiene sobre todo un excepcional interés en su forma. Para recrear el París de finales del XVIII, Rohmer ha desechado cualquier alarde de fidelidad restauradora. Encargó a un pintor una serie de paisajes y sobre ese fondo, en el que reconocemos desde luego la iconografía romántica de la época, ha insertado a los actores en un proceso equivalente al rodaje "en vacío", tan utilizado por el cine en los años 30 y 40 y muy mejorado ahora por las posibilidades del tratamiento digital de la imagen.

KONTROLL (Nimród Antal) Hungría, 2003. Viernes, 5 de marzo de 2010.

2010-03-02T12:52:00.008+01:00

Dirigida por Nimród Antal
Escrita por Jim Adler y Nimród Antal
Editada por István Király
Sándor Csányi ...... Bulcsú Zoltán
Mucsi ....... Profesor
Csaba Pindroch .... Muki Sándor Badár ..... Lecsó
Zsolt Nagy ............ Tibi Bence Mátyási .... Bootsie
Gyözö
Szabó ........ Shadow Eszter Balla ........ Szofi

La historia
El argumento de la película es elegante en su simpleza, centrándose en un equipo de cinco "controladores" del metro de Budapest, cuya labor consiste en comprobar que los pasajeros tengan los billetes apropiados. Estos controladores no disfrutan del respeto del público, y por ello se ven constantemente en situaciones tensas o frustrantes. Y para empeorar la situación, sus jefes están preocupados por el elevado número de suicidios que recientemente han ocurrido en el metro, aunque Bulcsú (Sándor Csányi), un avispado controlador con un pasado misterioso, sospecha que quizás no sean realmente suicidios, sino crímenes de una misteriosa figura que empuja a los pasajeros sobre la vía...

Comentario
Aunque la sinopsis puede sonar como un deprimente drama sobre las clases bajas de la sociedad húngara, en realidad "Kontroll" tiene abundantes elementos de comedia, misterio y un onírico tono que recuerda en ciertos momentos la obra de David Lynch, aunque con un humor mucho más mordaz y entusiasta. De hecho, si hubiera que hacer comparaciones, diríamos que "Kontroll" se asemeja en tono y estilo con "After Hours", de Martin Scorsese. El argumento es totalmente distinto, pero ambas evocan ese particular estado mental que combina confusión y lucidez en iguales proporciones, mostrándonos el mundo de forma a la vez prosaica y compleja, con un tinte etéreo que puede rápidamente variar entre agradable sueño y horrible pesadilla. Pero, a fin de cuentas, lo mejor de "Kontroll" es el retrato que hace de una subcultura que, estando aislada de la sociedad "normal", empieza a transformar su particular realidad, adaptándose a las circunstancias y creando situaciones y costumbres que podrían resultar extrañas para el resto de la población, pero que de algún modo funcionan dentro de su particular universo."Kontroll" es una película de muchos niveles, y al mismo tiempo que podemos reír con sus excéntricos personajes y emocionarnos con sus escenas de acción (como una tensa carrera en las vías del tren), también podemos cavilar sobre las posibles interpretaciones que puede tener la película, realizada por completo en el subsuelo de Budapest. Y al ser partícipes por un momento de ese frío y oscuro mundo, quizás podamos apreciar más nuestra diaria existencia, o al menos entender las razones de quienes la repudian. Desde el punto de vista técnico, la cinta es sobresaliente. Quizás puede parecer víctima de sus escasos recursos, pero en realidad la fría cinematografía y las severas locaciones aportan un aire de realismo que contrasta y subraya el tono surreal de la película, que va acentuándose conforme avanza la trama, de tal forma que para cuando llega el final no estamos seguros si estamos viendo la "realidad", o un sueño del protagonista, o simplemente una hermosa metáfora visual que el director ha elegido para concluir la historia de forma triste pero optimista."Kontroll" es una rara y estimulante experiencia fílmica que camina con aplomo sobre esa delgada línea entre drama humano y mórbida comedia, teniendo éxito en ambos campos, pero sin comprometerse con ninguno. El trabajo de los actores es brillante, y la dirección de Nimród Antal es firme y llena de energía. Especialmente recomendable para audiencias, como la de este CineClub Imaginario, cansadas de las trilladas fórmulas del cine contemporáneo.
(Basado en una crítica de Pablo del Moral)

Tráiler de la película:

HERMANOS (Brødre) Susanne Bier (Dinamarca, 2004). Sábado 20 de febrero de 2010

2010-02-18T10:39:00.002+01:00

Dirección: Susanne Bier. País: Dinamarca. Año: 2004. Duración: 110 min. Género: Drama.
Interpretación: Connie Nielsen (Sarah), Ulrich Thomsen (Michael), Nikolaj Lie Kaas
(Jannik), Bent Mejding (Henning), Solbjørg Højfeldt (Else), Laura Bro (Ditte), Niels Olsen
(Allentoft), Sarah Juel Werner (Natalie), Rebecca Løgstrup Soltau (Camilla), Lars
Hjortshøj. Guión: Anders Thomas Jensen; basado en un argumento de Susanne Bier y
Anders Thomas Jensen. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Morten Søborg. Montaje:
Pernille Bech Christensen. Vestuario: Signe Sejlund.

La historia
Hermanos (Brødre) se presenta como una historia simple. Dos hermanos, el mayor Michael (Ulrich Thomsen, el chef de cocina atormentado por un terrible secreto de infancia en “Celebración”) un militar de carrera, casado, padre de dos niñas, responsable y maduro, comprometido con su mujer (Connie Nielsen, actriz danesa afincada en Hollywwod) y sus ideales y el hermano menor Jannik (Nikolaj Lie Kaas, el novio tetrapléjico de “Te querré para siempre”), la oveja negra de la familia, un poco inmaduro, un poco criminal, un poco irresponsable, en definitiva un poco, poco en todas las áreas de su vida. Jannik da por sentado que siempre alguien, que no sea él, se va a hacer cargo de las cosas mientras que Michael nunca
duda en asumir responsabilidades y en estar donde haya que estar para ayudar. Con ese espíritu es que se embarca en una misión a Afganistán para “pacificar” el país. Hasta ahí los personajes cumplen con lo que cada uno espera de ellos. Pero algo sale mal en la misión, una pincelada del destino se sale del cuadro y Michael es dado por muerto. Este giro del destino los obligará a enfrentarse con el peor de los enemigos: la otra cara de si mismos.

La realizadora
Susanne Bier es una de las cineastas salidas del Movimiento Dogma’95 impulsado por Lars Von Trier (“Dogville”, “Rompiendo las olas”...), y en esta película conserva algunas de las constantes del decálogo de aquel Movimiento, aunque metiendo banda sonora y otros detalles. Pero conserva el mismo estilo argumental de aquellas películas: argumentos duros, a veces recreándose demasiado en detalles sórdidos, tristes y trágicos, pero interesantes y profundizando mucho en lo oscuro del alma humana.
En Hermanos (Brødre, 2004), los conflictos internacionales que todos conocemos a través de la prensa, de repente, irrumpen en la vida real y provocan cambios.

Susanne Bier: “Me resulta fascinante la manera en la que el mundo cotidiano cambia de repente debido a sucesos más o menos aleatorios, y cómo reaccionamos ante tales cambios bruscos. La representación del ejército danés en Afganistán da a la película un componente político, pero principalmente es una historia de amor acerca de las condiciones necesarias para el amor en nuestro estilo de vida contemporáneo. La historia trata de las emociones asociadas a estos sucesos, puesto que para mí el cine consiste en describir emociones y en expresar sentimientos. Me gusta meterme debajo de la piel de mis personajes, y por eso ambos lados, el serio y el divertido, son esenciales en mis películas. Para mí era importante que la brutalidad que aparece en Hermanos contrastara con la ternura, la intimidad y el calor humanos. Ambos lados existen, y no podría haber descrito el uno sin el otro, no habría querido hacerlo. Mi meta es reconocer la realidad y encontrar allí la esperanza, porque a pesar de la brutalidad implícita en la realidad, el humor continua siendo una parte innegable de la vida y es lo que nos permite seguir siendo humanos”.
Susanne Bier (1960) ha dirigido las películas” Freud deja la casa” (Freud flytter hjemmefra, 1990), “Problemas de familia” (Det bli’r i familien, 1993), “No era como antes” (Pensionat Oscar, 1995), “Credo” (Sekten, 1997) y “El amor de mi vida” (Den eneste ene, 1999), que cosechó numerosos premios de la Academia de Cine Danesa y de la critica cinematográfica. Tras batir todas las marcas en las taquillas danesas. El amor de mi vida es uno de los cinco largometrajes daneses más populares de todos los tiempos. Posteriormente dirigió “Una vez en la vida” (hænden på hjertet, 2000) y el aclamado “Te quiero para siempre” (Elsker dig for evigt, 2002) que vendió más de medio millón de entradas y ganó nada menos que cinco premios de cine en Dinamarca, incluyendo el de mejor película danesa. Tras “Hermanos”, Susanne Bier ha dirigido “Después de la boda” (2006), nominada al Óscar a la mejor película extranjera y “Cosas que perdimos con el fuego” (2008). Además de dirigir largometrajes, Susanne Bier también hace cortometrajes, videos musicales y publicidad.
En definitiva, interesantísima película, que rehuye los excesos de las películas Dogma en que la directora no quiere recargar las tintas en lo sórdido y lo terrible. Naturalidad y credibilidad absoluta en los actores, tanto en los más jóvenes como en los más veteranos. Temas como la culpa, la redención, el miedo al compromiso y la imposibilidad de conseguir algo que anhelas están ejemplarmente mostrados, aunque la película tenga aparentemente un ritmo frío y algo distante.

Tráiler de la película:

QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Burn after reading) (Joel y Ethan Coen) EUA, 2008. Viernes 5 de febrero de 2010

2010-02-18T10:07:00.005+01:00

Dirección y guión: Joel Coen y Ethan Coen.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 96 min.
Género: Comedia.
Interpretación: George Clooney (Harry Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osborne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Richard Jenkins (Ted), Brad Pitt (Chad Feldheimer), Elizabeth Marvel (Sandy Pfarrer), J.K. Simmons (jefe CIA).
Producción: Joel Coen y Ethan Coen.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Roderick Jaynes.
Diseño de producción: Jess Gonchor.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en USA: 12 Septiembre 2008.
Estreno en España: 10 Octubre 2008

SINOPSIS
Tras ser despedido de la CIA, Osborne Cox se ha dedicado a beber convulsivamente y a escribir sus memorias, y eso que aún no sabe que su esposa tiene una aventura con el asesino Harry Pfarrer. Precisamente por culpa de ésta, un disco con material importante de Cox va a parar a un gimnasio, donde unos empleados sin escrúpulos, Linda y Chad, intentan chantajearle. La CIA envía, entonces, a Harry Pfarrer para que solucione el problema, pero los acontecimientos se precipitan de forma inesperada.
Tras su brutal No es país para viejos, Los hermanos Coen nos brindan un ejercicio de humor desenfrenado. Una prueba creativa más para unos directores, que a estas alturas del partido, han demostrado una y otra vez su solvencia en terrenos dispares, y con el plus añadido, de seguir aportando un estilo propio que los define como cineastas.
Quemar después de leer se construye como un thriller cómico con elementos del cine de espionaje. El dominio de los Coen en el medio es total, y ello se palpa en la cinta en cuestión. En ella se aprecia la habilidad de estos cineastas para adaptarse a los parámetros de géneros tan distintos como pueden ser el thriller, el drama, o el cine de espías. Hay secuencias que reproducen de una forma totalmente eficaz los esquemas genéricos anteriormente citados, pero siempre con una línea subyacente de humor cínico, crítico e inteligente. Un tono cómico que salta a la luz desde las primeras secuencas cuentan cómo Osborne Cox (John Malkovich), un ex agente de la CIA que está escribiendo sus memorias sobre su paso por la agencia, se mete de lleno en un espiral de desgracias.
Los Coen han escrito un guión sólido, coherente en todo momento e hilado a la perfección. De él se sustraen las mejores virtudes de la obra. Desde unos diálogos inspirados y situaciones brillantes, hasta una creación de personajes perdurables, exagerados en su medida y en la realización de sus acciones,pero tan bien llevados por los actores que los interpretan que la hipérbole queda diluida para el espectador. La película cuenta con un reparto estelar, donde cada actor ofrece lo mejor de sí mismo, en unos registros a los que no nos tienen acostumbrados.
Quemar después de leer es mucho más que una comedia repleta de buenos momentos cómicos, y algunos grandes diálogos o situaciones desenfrenadas, es un filme que bajo su apariencia de parodia lanza dardos envenados hacía varios estamentos de la cultura y la sociedad norteamericana. El filme saca a relucir la obsesión paranoica- conspirativa que afecta, en un momento u otro, la vida de muchos americanos de cualquier clase social. Es precisamente en esto último en donde los Coen también inciden al presentarnos una fauna de personajes de diferentes estamentos sociales, pero con una inutilidad e inteligencia práctica que los asemeja entre ellos. También carga contra el servicio de inteligencia norteamericano (CIA). Desnudando hasta llevar a la ridiculez su estructura, su modus operandi, y la frialdad ética de sus decisiones. Y por último sobre el “wellness”, y todo la cultura de la imagen y la obsesion por la salud que tanto preocupa a los norteamericanos (y ahora también a los españoles).
Quemar después de leer es un filme divertido, delicioso, repleto de situaciones memorables que se sustentan por un guión engrasado hasta la última página, y por unas actuaciones a la altura de los actores que las ejecutan. Todo acompañado por la excelente partitura de Carter Burwell y con un humor más punzante de lo que a simple vista aparenta. Una vez más, Ethan y Joel lo han vuelto a hacer, demostrando que son capaces de salir airosos ante cualquier terreno que se les ponga por delante.

Tráiler de la película:

VALS CON BASHIR (Ari Folman) Israel, 2008. Viernes 22 de enero de 2010.

2010-01-18T00:14:00.013+01:00

Dirección y guión: Ari Folman

Género: Documental - Animación – Drama

Producción: Ari Folman, Yael Nahlieli, Serge Lalou, Gerhard Meixner y Roman Paul

Música: Max Richter

Montaje: Nili Feller

Dirección artística: David Polonsky

Dibujos de la memoria

En 1982 tuvo lugar una terrible matanza en Sabra y Chatila, en la que miles de refugiados palestinos fueron ejecutados por parte de falangistas cristianos libaneses. Ari (Ari Folman), un maduro director de cine, cumplía el servicio militar en el ejército israelí en ese momento. Veinte años después de aquello, descubre que su cerebro ha bloqueado casi todas sus remembranzas de la tragedia, por lo que comenzará un viaje de autodescubrimiento que le llevará a recopilar alegatos de compañeros, periodistas y testigos del desastre, una experiencia en primera persona que pone al descubierto el papel de las fuerzas armadas hebreas como responsables indirectas de lo que sucedió. “Vals con Bashir” es una obra doblemente valiosa, en lo artístico y en lo humano. Por un lado, se trata del primer documental animado de la historia del séptimo arte, demostrando que la innovación sigue siendo posible, afortunadamente, y que las vías de expresión artísticas aún explotan nuevos caminos a seguir; por otra parte, demuestra la valentía del realizador, que se sitúa en el centro de una experiencia terrible, que lleva a los participantes ─y por extensión, al espectador─ a un escenario infernal recreado con crudeza y veracidad a lo largo de una retahíla de testimonios encaminados a una resolución tan terrible como ineludible, en un tono que abandona el aura de desenfado inicial a medida que lo pretérito se abre paso desde las profundidades de la memoria y lo tiñe todo progresivamente desvelando la verdadera naturaleza de esta propuesta tan descarnada como necesaria.

La utilización de las distintas técnicas de animación ─tridimensional, flash, tradicional─ sirve al cineasta como herramienta perfecta a la hora de recrear los abundantes pasajes oníricos que empapan la trama, instrumento fidedigno que refleja cómo los traumas de esta particular generación perdida ─otra de tantas─ emergen como daños psicológicos en forma de trastornos o sueños recurrentes que se repiten noche tras noche, haciendo imposible el olvido. Folman abre las puertas de recuerdos ─propios y ajenos─ sepultados en el tiempo, visiones subjetivas que aportan enfoques concretos de un mismo hecho, un montante de perspectivas que, sumadas y en conjunto, suponen una representación que no elude responsabilidades y considera directamente a todos los implicados. Una apuesta valiente, rematada con sabiduría y acierto por una secuencia final en la que imágenes de archivo sacan al palco de la inevitable ensoñación provocada por una sugestiva puesta en escena y lo devuelven a la realidad, grabando en su cerebro el culmen de una narración tan vigorosa como hipnótica y visualmente atractiva y fascinante. Devastadora, potente, surrealista y veraz, “Vals con Bashir” es un literal dibujo de los tramposos mecanismos de nuestra misma retentiva, infestada de claroscuros, logrando ser asimilada con facilidad por su forma pero que nos invade de manera irremediable por los cimientos en los que se sustenta.

(José Arce)

Contexto histórico. La guerra de El Líbano

En junio de 1982, el ejército israelí invadió el sur del Líbano como represalia por los continuos bombardeos infligidos a las poblaciones del norte de Israel desde aquel país. El gobierno israelí pensaba ocupar una franja de seguridad de 40 kilómetros, impidiendo así que los misiles palestinos alcanzasen Israel. Pero Ariel Sharon, el entonces ministro de Defensa israelí, desarrolló un plan tan imaginativo como fantástico: se trataba de ocupar Líbano hasta el mismo Beirut. Eso permitiría a su aliado cristiano Bashir Gemayel convertirse en presidente del Líbano, así como erradicar la amenaza al norte de Israel y consolidar sus posiciones contra Siria, país fronterizo con Líbano y que Israel siempre ha considerado como su peor enemigo. El gobierno aprobó una penetración de 40 km de profundidad, pero el ejército israelí se lanzó hacia Beirut.

A la semana habían tomado Líbano y estaban a las afueras de Beirut. Pero entonces surgieron varias preguntas: ¿Qué hace el ejército en una capital extranjera, lejos de su casa? ¿Por qué mueren soldados israelíes a diario en acciones bélicas que poco tienen que ver con la protección de la frontera norte de Israel? El paralelismo con la guerra de Vietnam era inevitable.

En agosto, a los dos meses de estallar la guerra y con el ejército israelí todavía a las puertas de Beirut esperando la orden de entrar en la ciudad, se firmó un tratado con los palestinos por el que todos los combatientes palestinos serían evacuados por barco a Túnez. A cambio, Israel retiraría sus tropas. Esa misma semana, Bashir Gemayel, comandante en jefe de la milicia cristiana falangista, fue elegido presidente del Líbano. Además de ser un hombre joven, elegante, apuesto, con mucho carisma, era muy admirado por las milicias cristianas y sus familias. También era apreciado por los líderes israelíes. El nombramiento de Gemayel debía asegurar una relativa tranquilidad en la tensa frontera entre los dos países.

Pero Bashir Gemayel fue asesinado mientras daba un discurso en la sede falangista de Beirut Este. Nadie reivindicó el atentado, pero se cree que fue obra de facciones sirias y palestinas.

Esa misma tarde, las tropas israelíes penetraron en una zona de Beirut Oeste, poblada mayormente por refugiados palestinos, y rodearon los campos de Sabra y Chatila. Al atardecer, un gran número de tropas falangistas, empujadas por el deseo de vengar la muerte de su amado líder, empezaron a llegar a la zona. Cuando cayó la noche, las tropas falangistas entraron en los campos de Sabra y Chatila, ayudadas por los soldados del ejército israelí. Supuestamente iban a limpiar los campos de combatientes. Sin embargo, apenas quedaban combatientes, ya que habían sido evacuados a Túnez dos semanas antes. Durante dos días seguidos se oyeron los tiros desde los puestos israelíes. Al tercer día, el 16 de septiembre, las mujeres palestinas consiguieron salir y se precipitaron hacia los soldados israelíes que les cerraban el paso. Hacía tres días que los falangistas masacraban a los habitantes de los campos. Mataron sin piedad a hombres, mujeres y niños. Se ha hablado de 3.000 víctimas aunque, hasta la fecha, se desconoce el número exacto.

Las protestas espontáneas de cientos de miles de israelíes obligaron al gobierno a crear un comité de investigación y a estudiar la responsabilidad de las autoridades políticas y militares. El comité culpó al ministro de Defensa, Ariel Sharon, por no haber parado el horror cuando se le puso al corriente de la masacre. Fue obligado a dimitir y se le prohibió volver a ocupar el cargo de ministro de Defensa. Sin embargo, fue elegido primer ministro veinte años después.

Web oficial de la película

Trailer de la película:

Cortometraje: CHOKOPULPITOS (Pablo Llorens) España, 2005

Se trata de una crítica intensa y desgarradora, en clave de humor, a la publicidad y a la cruda realidad que se esconde tras ella. Un cortometraje sin concesiones que hace sonreír y reflexionar.

Aquí puedes ver el cortometraje:

LA TETA ASUSTADA (Claudia Llosa) Perú, 2008. Viernes, 8 de enero de 2009

2010-01-05T01:53:00.006+01:00

Dirección y guión: Claudia Llosa.
Duración: 94 min.
Género: Drama.
Interpretación: Magaly Solier (Fausta), Susi Sánchez (Aída), Marino Ballón
(tío Lúcido), Efraín Solís (Noé), Bárbara Lazón (Perpetua), María del Pilar
Guerrero (Máxima), Delci Heredia (Carmela), Karla Heredia (Severina),
Fernando Caycho (Melvin), Edward Llungo (Marcos).
Producción: Antonio Chavarrías, José María Morales y Claudia Llosa.
Música: Selma Mutal.
Fotografía: Natasha Braier.
Montaje: Frank Gutiérrez.
Dirección artística: Patricia Bueno y Susana Torres.
Vestuario: Ana Villanueva.

Sinopsis
Fausta (Magaly Solier) padece de “La teta asustada”, una enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres maltratadas durante la época de la guerra civil en Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por completo.
Pero Fausta esconde algo más, guarda un secreto que no quiere revelar, hasta que la súbita muerte de su madre desencadenará hechos inesperados que transformarán su vida y la de otros.

Cine con mirada femenina
Claudia Llosa, en su segundo largometraje tras Madeinusa, regresa a su Perú natal para hacer una observación algo naïf de cómo el legado cultural subyace en las transmisión de padres e hijos en su forma más terrorífica: el traspaso de una madre a su hija del miedo provocado por un traumático suceso durante una guerra.
En La teta asustada encontramos herencias mal entendidas, herencias que se pierden y herencias que son reutilizadas por el consumismo atroz de nuestros tiempos. Las herencias se encargan no sólo de transmitir valores y principios sino también miedos, como el de la
madre de Fausta por las violaciones, que dejará huella en su hija y le impedirá relacionarse normalmente con los hombres durante buena parte de su vida. Como quien observa al microscopio, Llosa se acerca a través de esta madre e hija a la desolación y soledad de incontables mujeres peruanas que fueron violadas y maltratadas durante los veinte años de guerra terrorista en Perú, pero lo hace desde la distancia, sin crear mártires, sólo mostrando la realidad de una joven traumatizada por algo que no le pasó pero de lo que sufre las consecuencias.
Las herencias perdidas de las que hablaba quedan evidenciadas en La teta asustada por la aparición de una variante de las lengua quechua y por las canciones en esa lengua. La lucha de Fausta por mantener vivas esas tradiciones contrastan con los festejos (hasta cuatro bodas presenciamos en la película) adquiridos de un mundo que poco a poco se va imponiendo al original, del mismo modo que los fondos de paisajes exóticos son usados en las sesiones fotográficas para ocultar la realidad huyendo a lo idealizado por foráneo. Eso amplifica la soledad del personaje principal y magnifica su condición de último eslabón para la protección de la memoria histórica, cultural y emocional. Las otras herencias, las reutilizadas, sirven para nutrir como materias primas a los modismos contemporáneos que pretenden capturar la esencia de lo puro para mercantilizarla. Es el caso de la pianista para la que trabaja Fausta.
Claudia Llosa viste su pseudo-retrato de un lirismo cercano al realismo mágico haciendo que todo lo impensable de su propuesta resulte creíble, convirtiendo lo aparentemente inverosímil en auténticas situaciones pintorescas. El poder de sugestión de La teta asustada reside en esa capacidad de Llosa por tratar una realidad como si fuera un cuento, aunque al hacerlo se mantenga distante de lo que retrata. El costumbrismo de algunas escenas y ese realismo mágico del que hablábamos nos coloca de pleno en la tradición pero la distancia que marca Llosa impide que La teta asustada se convierta en un ejemplo de cine social panfletista. Al fin y al cabo, del mismo modo que nos habla de una realidad histórica a través de esa relación heredada de madre a hija, también nos habla de una joven que busca encontrar su identidad deshaciéndose de la tradición. Acercarse a la historia es una forma de ver lo que somos a
través de la evolución de la herencia que nos ha llegado.
Mónica Jordán (El séptimo vicio, Radio 3)

Trailer de la película

HONEYDRIPPER Blues Bar (JOHN SAYLES) EUA, 2007. Viernes 11 de diciembre de 2009.

2009-12-06T21:46:00.011+01:00

Reparto

Tyrone Purvis DANNY GLOVER
Delilah LISA GAY HAMILTON
China Doll YAYA DaCOSTA
Maceo CHARLES S. DUTTON

Slick VONDIE CURTIS HALL
Sonny Blake GARY CLARK JR.
Bertha Mae DRA. MABLE JOHN
Sheriff Pugh STACY KEACH
Amanda Winship MARY STEENBURGEN
Dex SEAN PATRICK THOMAS
Possum KEB’ MO’Junebug KEL MITCHELL
Time Trenier EDDIE SHAW

SINOPSIS
1950. Alabama rural. Temporada de cosecha del algodón. Es un fin de semana crucial para el bar Honeydripper y su dueño, el pianista Tyrone “Pinetop” Purvis. Debe mucho dinero al que le suministra las bebidas, otro tanto al pollero y al casero. Tyrone está dispuesto a cualquier cosa con tal de atraer a los jóvenes cosechadores y a los reclutas de la base cercana a su bar y hacerle la competencia a Touissant, dueño del local rival.

Después de despedir a Bertha Mae, su cantante habitual de blues, Tyrone anuncia a su compañero Maceo que ha contratado al famoso guitarrista Guitar Sam para una actuación especial única: la idea es llenar el club y, de paso, salvarlo.

Llega el gran día y Tyrone va a esperar el tren, pero Guitar Sam no está a bordo. Obligado a encontrar una solución, llega a un acuerdo con el sheriff para que suelte a Sonny, un chico que se había presentado en el club después de bajarse de un vagón de carga, diciendo que tocaba tan bien como Guitar Sam.

Tyrone limpia y viste a Sonny. Su plan es hacer pasar al joven guitarrista por Guitar Sam el tiempo suficiente para apagar las luces y salir pitando con la recaudación. Cuando Sonny suba al escenario y ataque con su primer solo de guitarra, Tyrone sabrá si las luces del Honeydripper se han apagado para siempre o si su suerte ha cambiado: puede que sea otro hombre salvado por el rock n’ roll.

El reparto estelar de HONEYDRIPPER blues bar está compuesto por Danny Glover, Charles S. Dutton, Lisa Gay Hamilton, Stacy Keach, Mary Steenburgen, Yaya DaCosta y Sean Patrick Thomas, además de músicos de la talla de Keb’ Mo’, Dra. Mable John y Gary Clark Jr., un nuevo talento que hace su debut cinematográfico en el papel de Sonny.

COMENTARIOS

Los críticos musicales han gastado mucha tinta intentando decidir qué canción debe considerarse como “el primer tema de rock and roll”. Siempre he pensado que el principio de cualquier corriente, sea deportiva, artística, religiosa o política, puede ser el punto de partida de una historia interesante. HONEYDRIPPER blues bar transcurre en Harmony, Alabama, una pequeña ciudad situada en una encrucijada de caminos, en 1950. Los cantantes de blues aún se sientan delante de las cafeterías y tocan por unos cuantos centavos; en la máquina de discos hay grandes bandas como la de Louis Jordan, estrellas country y precursores del rock como Hank Williams, o cantantes melódicos como Perry Como, y la música más escuchada en directo es el gospel. Pero la tecnología está a punto de hacer su aparición. El guitarrista, hasta entonces relegado a un segundo puesto en las bandas, está a punto de colocarse bajo los focos. Cuando la guitarra pueda llorar y aullar al mismo volumen que los vientos o el piano, todo cambiará.
En la película, Gary Clark Jr., un joven prodigio de Austin, Texas, encarna a Sonny Blake, evocando el espíritu de Ike Turner, T Bone Walker, Johnny Watson y muchos otros que apostaron por este tipo de música cuando aparecieron las primeras guitarras eléctricas. Danny Glover es Tyrone “Pinetop” Purvis, un pianista itinerante de boogie-woogie que se ha asentado y ha comprado el bar Honeydripper para ofrecer la música que ha sido su vida hasta ahora. Le persigue su pasado y cierra los ojos al futuro, pero de pronto aparece un chico apuesto con una guitarra que no tiene agujero en el centro...
Casi todas las canciones son un compendio de tensión y armonía. Se han librado muchas batallas con música sin pronunciar una sola palabra. Una de ellas tuvo lugar a principios de los cincuenta entre la guitarra y el piano. Fats Domino y Jerry Lee Lewis hicieron todo lo que pudieron para aguantar, pero cuando Chuck Berry empezó a tocar acordes de piano con su guitarra y a hacer el paso del pato en el escenario, el rumbo de la música popular cambió. Incluso el saxo, la desgarradora alma del rhythm and blues, pasó a un segundo plano y en el rock blanco, desapareció del todo.
Numerosos músicos de barrio y músicos de jazz usaron la misma frase para describir la regla de oro que permitía la entrada en su mundo: “Si sabes tocar, te puedes quedar”. Las bandas de blues eléctrico de Chicago se hicieron famosas por echar a sus competidores del escenario a base de música, haciéndose con los bolos. En HONEYDRIPPER blues bar, Tyrone “Pinetop” Purvis debe decidir si la nueva música es una amenaza o la oportunidad de su vida. Tensión, armonía, violencia potencial, si a eso se le añade ritmo, hay dramatismo. Y eso es rock and roll.
La película HONEYDRIPPER blues bar trata de transformaciones: una segunda oportunidad para un viejo músico de blues, el despegue fulgurante de un joven guitarrista, y el ascenso del mismo rock and roll. Para dar vida a la historia de esta metamorfosis musical, era clave capturar el espíritu de mediados del siglo pasado.
HONEYDRIPPER blues bar, la decimosexta película de John Sayles, y la decimotercera producida por Maggie Renzi, su eterna colaboradora, se rodó en Greenville, Georgiana, Anniston y Midway, cuatro localidades del sur de Alabama, en otoño de 2006.
HONEYDRIPPER blues bar nació gracias a la fascinación que John Sayles siente por la génesis del rock n’ roll. “No hubo un momento clave en que el rhythm and blues, el blues, el gospel, el jazz y el country se fusionaran para crear el rock n’ roll”, dice el realizador. “El gran cambio llegó con el nacimiento de la guitarra eléctrica. Antes, el piano era el rey. Sonaba mucho más que una guitarra acústica. Pero, de pronto, un chico pobre como Sonny podía viajar con una guitarra eléctrica barata y un amplificador portátil y hacer temblar las paredes de los bares con sus acordes. Había muchos ‘Guitar Sam’ y ‘Guitar Slim’ en aquella época. Los músicos se movían mucho y escuchaban lo que hacían los demás. Hank Williams era de Georgiana. Jimmy Swaggart y Jerry Lee Lewis se colaban en clubes para negros. Chuck Berry se hizo famoso por recrear el ritmo de percusión del piano con su guitarra. Soldados blancos y negros llenaban los bares con música en directo. Tener una base del ejército cerca podía significar la salvación para el propietario de un bar”.
Nada de playback Es difícil capturar la inmediatez de la música en directo cuando los actores cantan o tocan en playback. El realizador John Sayles quería que la música fuera libre y fresca. Aparte de Danny Glover, que no toca el piano, pero fue muy convincente “tocando” piezas de Sonny Leland (se ven las manos de Henderson Huggins en los primeros planos), todos los demás actores/músicos tocaron en directo, e incluso improvisaron.

Trailer de la película:

EL VIAJE DE SAID (Coke Rioboó) España, 2006 - 9'

...en una modesta casa situada en una playa marroquí vive el pequeño Said. Un día viaja mágicamente al paraíso de las opotunidades, en el que encuentra un parque de atracciones gigante lleno de luces y colores... Bienvenido a la feria

Aquí puedes ver el cortometraje:

ORDET (LA PALABRA) Carl Theodor Dreyer. Dinamarca, 1955. Viernes 27 de noviembre de 2009.

2009-11-26T21:52:00.008+01:00

Dirección: Carl Theodor Dreyer.

País: Dinamarca.
Año: 1955.
Duración: 131 min.
Género: Drama.
Interpretación: Henrik Malberg (Morten Borgen), Emil Hass Christensen (Mikkel), Birgitte Federspiel (Inger), Preben Lerdoff (Johannes), Cay Kristiansen (Anders), Ejner Federspiel (Peter Petersen), Gerda Nielsen (Anne Petersen), Ove Rud (Pastor), Henry Skjaer (Doctor), Edith Trane, Sylvia Eckhausen (Kirstin), Kirsten Andreasen, Ann Elisabeth Rud (Maren), Susanne Rud (Lilleinger).
Guión: Carl Theodor Dreyer; basado en la obra teatral de Kaj Munk.
Producción: Carl Theodor Dreyer, Erik Nielsen y Tage Nielsen. Música: Poul Schierbeck.
Fotografía: Henning Bendtsen.
Montaje: Edith Schlüssel.

SINOPSIS

Una pequeña comunidad de la Jutlandia occidental, hacia 1930. El viejo Morten Borgen (Henrik Malberg) dirige la granja de Borgensgaard. Tiene tres hijos: Mikkel (Emil Hass Chris-tensen), Johannes (Preben Lerdoff) y Anders (Cay Kristiansen). El primero está casado con Inger (Birgitte Federspiel) y tiene dos hijas pequeñas, aunque en estos momentos Inger está embarazada y esperan el tercero. Johannes es un antiguo estudiante de teología que, por haberse imbuido en sus estudios (sobre todo en Kierkegaard), e identificarse constantemente con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio. El parto de Inger desencadena todas las tensiones acumuladas en esta pequeña comunidad.

Dreyer, el gran místico de la historia del cine

Dreyer, calificado por muchos como “uno de los más grandes místicos de la historia del cine”, dota a todas sus obras de un “aura especial”. Viendo su cine, especialmente Ordet, resulta difícil imaginar un rodaje: con las típicas paradas para comer, el reparto de bocadillos entre los figurantes, las pausas entre toma y toma, el “clic-clac” de la claqueta, el equipo hablando de cosas mundanas... Ciertamente, el cine de Dreyer parece que no haya sido realizado por nadie, sino que directamente haya caído del cielo, nos sentimos como voyeurs mirando la vida de otros, sintiéndonos reflejados, por ello resulta tan interesante. El cine de Dreyer incorpora los recursos del cine y del teatro, para crear un realismo psicológico, más allá del realismo y del naturalismo. Los personajes y las situaciones traspasan la realidad para llevarnos a una esfera donde todo es posible. Para eso recurre a una puesta en escena en la que concibe cada fotograma como un cuadro. Sustituye los decorados por interiores reales, desprovistos de todo elemento ornamental, alargando cada secuencia para crear atmósferas únicas.

Dreyer plantea esta película como un torrente de espiritualidad, rodeándola de un ambiente místico en el que se interesa por tratar, por encima de todo, la inseguridad del individuo ante los caprichos de la fe y de la razón.

PERSÉPOLIS (Marjane Satrapi) Francia, 2007 (Animación). Sábado, 7 de noviembre de 2009

2009-11-06T11:09:00.003+01:00

Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
País: Francia.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Animación, drama.
Doblaje original: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en los comics de Marjane Satrapi.
Producción: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault.
Música: Olivier Bernet.
Montaje: Stéphane Roche.
Diseño de producción: Marisa Musy

SINOPSIS
Marjane es una joven de nueve años que crece en el Irán de la Revolución Islámica. A través de sus ojos, vemos cómo las esperanzas de su pueblo quedan rotas cuando los fundamentalistas toman el poder. Inteligente y sin miedo, Marjane engaña a los "guardianes sociales" y descubre el punk, Abba e Iron Maiden. Pero cuando su tío es ejecutado sin piedad y las bombas caen alrededor de Teherán en la guerra entre Irán e Irak, el miedo diario que rodea su vida es palpable. A medida que crece, la audacia de Marjane hace que sus padres se preocupen por su seguridad. Y así, a los catorce años, toman la difícil decisión de enviarla a una escuela en Austria. Vulnerable y sola en un país extraño, resiste los malos tragos típicos de un adolescente. Además, Marjane tiene que combatir el hecho de ser equiparada con el fundamentalismo religioso y el extremismo de los que tuvo que huir.

LA BÚSQUEDA (RIDING ALONE FOR THOUSANDS OF MILES) (Zhang Yimou) China-Japón, 2005. Viernes, 23 de octubre de 2009

2009-10-18T23:20:00.011+02:00

LA BÚSQUEDA(Zhang Yimou)
(RIDING ALONE FOR THOUSANDS OF MILES)
China-Japón, 2005
Viernes, 23 de octubre de 2009
Casa de la Cultura de Valencina – 20:30h.
Director: Zhang Yimou Duración: 104 minutos
Intérpretes: Ken Takakura (Gou-ichi Takata), Shinobu Terajima (Rie Takata), Kiichi Nakai (Ken-ichi Takata, voz), Jiamin Li (Li Jiamin), Lin Qiu (Lingo), Jiang Wen (Jasmine), Ken Nakamoto (Eléctrico), Li Bin Li (Director).

La historia: La del viaje más importante en la vida de un hombre por el corazón de China.
Cuando Takata Gou-ichi (Takakura Ken) descubre que su hijo Ken-ichi (Nakai Kiichi), del que está distanciado, está gravemente enfermo, se apresura a acudir a su lado. Pero Ken-ichi se niega a verle. Rie (Terajima Shinobu), la mujer de Ken-ichi, le da a Takata una cinta de video para ayudarle a que vuelva a conocer a su hijo. La mención de una promesa en la cinta envía a Takata a una odisea para saldar una deuda de amor con su hijo. Durante el viaje se encuentra con personas de todo tipo, descubre la amabilidad humana y una idea de la familia que creía haber perdido mucho tiempo atrás. A veces hay que viajar lejos (cabalgar solo miles de millas)para encontrar el camino a casa...

Comentario: Zhang Yimou se aleja por un momento del cine de espadas y leyendas chinas, de su cinematografía con tintes más épicos, pero no lo hace ni un centímetro de la emotividad de sus historias. Con ciertas reminiscencias a "Una historia verdadera" de David Lynch el realizador nos conduce por un largo camino de redención, esta vez entre padre e hijo. Vuelve por tanto Yimou por la senda del lirismo, de las historias pequeñas con una enorme carga emotiva. Estamos frente a un drama con muchos momentos y personajes que emanan ternura, humanidad. Vuelve a los terrenos de "El camino a casa" o "Ni uno menos" por citar dos ejemplos. El semblante serio de Takakura Ken invade el metraje del film hasta que Yimou encuentra el camino para derrotar esa frialdad. Escenas memorables hay unas cuantas: el banquete, la noche que pasa perdido con el niño, la representación en la carcel... Valores que hacen de Yimou uno de los cineastas más apreciables y recomendables para habituales y amantes del cine que habla de sentimientos y emociones.
Esta 85ª proyección del CineClub Imaginario tiene el valor añadido de poder disfrutar de una película que no ha sido estrenada en España en salas comerciales.

Cortometraje:

PORQUE HAY COSAS QUE NUNCA SE OLVIDAN
(Lucas Figueroa) España, 2008
Intérpretes: Fabio Cannavaro, Amadeo Carboni
12 minutos

AL OTRO LADO (Fatih Akin) Turquía-Alemania, 2007. Sábado 3 de octubre de 2009

2009-10-02T21:37:00.005+02:00

Dirección y guión: Fatih Akin.
Países: Alemania y Turquía.
Año: 2007.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Producción: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Música: Shantel.
Fotografía: Rainer Klausman.
Montaje: Andrew Bird.
Dirección artística: Tamo Kunz y Sirma Bradley.
Vestuario: Katrin Aschendof.
Estreno en Alemania: 27 Sept. 2007.
Estreno en España: 14 Marzo 2008

Sinopsis

A través de una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes, las frágiles vidas de seis personas conectan durante sus viajes emocionales hacia el perdón y la reconciliación en Alemania y Turquía. Nejat no mira con buenos ojos la relación que su padre Ali mantiene con la prostituta Yeter. Pero todo cambia cuando descubre que ella manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten, la hija de Yeter. Pero Ayten, una activista política que huye de la policía turca, se ha ido a Alemania. Allí conoce a Lotte, que le ofrece su casa, algo que no gusta a su madre Susanne, una mujer bastante conservadora. La policía detiene a Ayten. Su petición de asilo político es denegada y la deportan a Turquía, donde es encarcelada. Lotte se traslada a Turquía en un intento desesperado para liberarla.

Viajes de ida y vuelta cruzados

Tras el bombazo de Contra la pared y el documental Cruzando el puente: los sonidos de Estambul , Fatih Akin, director alemán de origen turco, vuelve con Al otro lado a este largo diálogo entre Oriente y Occidente, esta vez en una obra más plural, a seis voces, en la que eleva a un primer plano la sensibilidad que esbozaba bajo la contundencia de su anterior largometraje.

Premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes, significa un coherente paso adelante para Akin en el difícil momento de volver a ponerse detrás de las cámaras después de aquel impacto. Y lo hace, tal y como ha reconocido y queda plasmado en la cinta, tomando una mayor distancia, con un abanico de personajes que amplían y oxigenan las intenciones del relato, dejando atrás la visceralidad, la inmediatez de las connotaciones biográficas de su anterior obra. Rebaja ese perturbador nervio, pero bajo esta serenidad todavía fluye la violencia soterrada, la injusticia y el desarraigo, una narración polifónica que sigue la pista a unos personajes desplazados física y emocionalmente entre Alemania y Turquía, en pleno camino para encontrarse.

A veces viajamos buscando a alguien que a su vez también está buscando y acabamos encontrándonos a nosotros mismos. Necesitamos viajar para conocer a quien tenemos más cerca, en quien no nos habíamos fijado o quienes creíamos que nunca conoceríamos; y acabamos descubriendo que son como nosotros. Algo de esto les pasa a los personajes de la hasta ahora última película de uno de los jóvenes cineastas europeos más interesantes.

LOS LIMONEROS (Eran Riklis) Israel, 2007. Viernes, 25 de septiembre de 2009

2009-09-22T01:19:00.005+02:00

Ficha artística

Salma Zidane HIAM ABBASS Ziad Daud ALI SULIMAN Mira Navon RONA LIPAZ-MICHAEL Ministro Israel Navon DORON TAVORY Abu Hussam TARIK COPTY Capitán Jacob AMOS LAVIE Leibowitz AMNON WOLF

Ficha técnica

Director ERAN RIKLIS Guionistas SUHA ARRAF, ERAN RIKLIS Fotografía RAINER KLAUSMANN
Idiomas Árabe, hebreo e inglés (V.O.S.E.) Duración 106’

LA HISTORIA

Salma Zidane (HIAM ABBASS), una viuda de 45 años residente en un pequeño pueblo palestino de Cisjordania, declara la guerra al ministro de Defensa israelí (DORON TAVORY), que se ha hecho edificar una casa en la línea verde que divide Israel de los territorios ocupados, y que bordea el campo de limoneros de Salma. El ejército israelí no tarda en declarar que los árboles ponen en peligro la seguridad del ministro y ordena que sean arrancados. El hijo de Salma vive en Estados Unidos y sus hijas están lejos, pero ella decide luchar por sus árboles. Se embarca en una travesía legal que la llevará hasta el Tribunal Supremo de Israel. Contrata a un joven letrado palestino, Ziad Daud (ALI SULIMAN), que se enfrentará a un auténtico ejército de abogados militares que disfrutan del apoyo del Gobierno. Ziad, 34 años, divorciado de una rusa a la que conoció mientras estudiaba Derecho en Moscú, se enamora de Salma. Pero su relación es complicada y peligrosa porque las viudas palestinas no pueden hacer lo que les apetece, y menos enamorarse, y menos aún de un hombre más joven. Salma se da cuenta de que tiene la fuerza suficiente para seguir adelante a pesar de las presiones que soporta de ambos lados, el israelí y el palestino. Lucha por salvar los árboles que su padre plantó hace 50 años, árboles que se han nutrido de sangre, sudor y lágrimas, como toda la región. No permitirá que se corten para satisfacer un absurdo requisito de seguridad.

Del otro lado del campo de limoneros, Mira Navon (RONA LIPAZ-MICHAEL), la esposa del ministro, también vive un importante cambio. Después de ser la perfecta esposa durante muchos años, a pesar de tener una nueva casa y del nombramiento de su marido, no es feliz. Sabe que el tiempo pasa y empieza a estar convencida de que debe haber algo más en la vida. La lucha que lleva a cabo su nueva vecina, a la que no conoce, le obliga a ver a su marido bajo una nueva luz y, por primera vez, no reacciona como se espera.

Los Limoneros es una historia de luchas. La lucha por proteger lo que es de uno, la lucha por los principios, la humanidad, la tierra, la historia, los años de sangre, a través de la lucha de una mujer para salvar sus limoneros. Es una historia de soledad, la soledad de todas las personas en esta región y sus alrededores.

COMENTARIO

Los limoneros es una sólida, valiente peripecia que habla menos de un caso único que de todo un pueblo: en el fondo, lo que el film propone con delicadeza, pero también con un punto de vista crítico que no ahorra sus dardos sobre propios y ajenos, es una indisimulada reflexión sobre la ocupación israelí de los territorios palestinos.

Y lo hace con las formas de un poderoso retrato femenino, que en ocasiones se desdobla en dos (la esposa del ministro pronto entenderá los puntos de vista de su machacada vecina).

La película ilustra a la perfección el poco corriente talento de hacer cine inteligente y entretenido a partir de un tema de actualidad. Este drama, con el cisma palestino-israelí como telón de fondo, está salpicado de generosidad, ironía, ira y puro optimismo. El realizador Eran Riklis (La novia siria) escoge una historia cercana a la frontera y reduce sus componentes políticos hasta llegar al nivel humano, interpretado con una seguridad merecedora de premios por la palestina Hiam Abbass.

Pero la película es más aún. A partir del planteamiento del conflicto principal, surgen otros muchos temas: las crisis en las relaciones de pareja, la relevancia que tienen las raices en la construcción de un proyecto de vida, la importancia de la diferencia de edad en una relación, la perspectiva femenina de los conflictos,...

ASINA (Daniel Lagares, María José Romero y Goyo Rubio) España, 2008

2009-06-10T16:47:00.002+02:00

Una película de Daniel Lagares, María José Romero y Goyo Rubi
País: España 2008
Género: Documental
Ayudantes de dirección: Goyo Rubio y María José Romero
Coproducción: Stefano Brandolese
Duración: 42’

SINOPSIS
Al ritmo que marcan sus vidas, Asina, documenta la cotidianidad de las familias majoreras, inmersas en actividades ganaderas en la isla de Fuerteventura. Una forma de vida basada en el profundo conocimiento de un territorio especialmente árido. Estas sabidurías adaptativas perviven en un escenario de fragilidad, donde los modos tradicionales de vida van derivando hacia los campos del folklore o hacia nuevas formas de economía, como la construcción o el turismo.
Envueltas en un viento constante, personas, paisajes y animales se presentan cono una única realidad.

COMENTARIO
Tras las anteriores producciones Guirre, rodada también en Fuerteventura, y Berrocal, sobre las consecuencias del pavoroso
incendio que asoló buena parte de la provincia de Huelva, Daniel Lagares y sus colaboradores vuelven con un documental cargado de humanidad, donde no se puede entender al ser humano sin su interconexión con el medio natural. Un protagonismo compartido por hombres, mujeres y animales que cohabitan en un espacio abiertamente hostil.
Lagares mete la cámara (y el micrófono) en medio de las vidas de unos y otros, para ofrecernos, con una magnífica fotografía, un retrato antropológico de unas formas de vida que pueden resultarnos casi incomprensibles. Con un realismo aparentemente aséptico, va dibujando pinceladas de vida que van conformando un collage al ritmo que marcan los tiempos y los procesos de la vida animal.

ONCE (John Carney) Irlanda, 2006. Sábado, 6 de junio de 2009. Despedida de la temporada.

2009-06-03T14:50:00.005+02:00

País: Irlanda.
Año: 2006.
Duración: 85 min.
Género: Drama, musical.
Dirección: John Carney
Guión: John Carney.
Producción: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Fotografía: Tim Fleming.
Montaje: Paul Mullen
Reparto: Glen Hansard (chico), Markéta Irglová (chica), Alaistair Foley, Catherine Hansard, Kate Haugh, Senan Haugh, Darren Healy, Gerard Hendrick, Bill Hodnett, Danuse Ktrestova, Pat McGrath, Sean Miller

SINOPSIS
El (Glen Hansard,) es músico, durante el día ayuda a su padre en la tienda, y al salir del trabajo se lanza, con la guitarra al hombro, a las calles de Dublín a cantar sus temas. Ella (Marketa Irglova) acaba de llegar a la ciudad y, para salir adelante, vende rosas entre los transeúntes que pasean por el bullicioso centro; su pasión, el piano. Sus historias se cruzarán una noche, y del encuentro surgirán nuevas composiciones y una pasión creciente y silenciosa.

COMENTARIO
Esta no es una película de grandes planteamientos estéticos o intelectuales. Al contrario, para disfrutar de ella, para degustar su verdadera esencia hay sólo que dejarse llevar por la propuesta sentimental que nos hace su director y guionista, John Carney. Y es aquí donde radica su acierto, pues no es fácil contar una historia tan simple y que a la vez te atrape y resulte convincente. Esto lo consigue imprimiendo a la cinta un marcado tono realista, donde las calles de Dublín se convierten en el decorado perfecto que alberga las idas y venidas de estos dos personajes, de estas dos personas solitarias, que encuentran en la música la forma de expresar sus sentimientos.
Carney se sirve de una serie de recursos para hacer creíble esta simple historia: rodada en formato digital, lo que le aporta frescura y proximidad, cuenta con actores semi profesionales (ambos provienen del mundo de la música); las canciones están perfectamente incrustadas en el discurso cinematográfico, dotando a la película de una magnífica banda sonora.
Once es, por encima de todo y sin ocultarlo en ningún momento, una historia de amor tan universal como el mismo pop, un pequeño mosaico de sentimientos velados que surgen entre dos personas a la sombra (o el recuerdo) de sendos amantes, como en Deseando Amar de Wong Kar-wai, narrada con tacto, contención dramática y un cariño infinito hacia los personajes.
Prueba de la buena acogida de la película han sido los premios del público en los festivales de Sundance y Dublín (2007).

LIMBO (John Sayles) EUA, 2000. Viernes, 22 de mayo de 2009

2009-05-18T12:14:00.004+02:00

Director: John Sayles. Intérpretes: David Strathairn, Mary Elizabeth Mastrantonio, Vanessa Martínez, Herminio Ramos y Kris Kristofferson. País: Estados Unidos. Año: 1999. Producción: Green/Renzi. Distribución: Columbia TriStar. Guión: John Sayles. Fotografía: Haskell Wexler. Música: Mason Daring. Duración: 126 minutos. Género: Drama. Público apropiado: Adultos

Imágenes de la película

Decía Carlos Boyero, tras la proyección de la LIMBO en el festival de Cannes:
"La distribución y la exhibición convencionales nunca podrán aceptar, y menos promocionar, a Sayles, un director inetiquetable, errante, perpetuo fuguista de cualquier compromiso comercial y mezquino, artista que se pasa la vida cruzando fronteras a la desesperada búsqueda de ozono, inventor de personajes a la deriva que buscan un hueco respirable en los pantanos de Florida, en el Oeste más perdido, en la isla de las Focas, en los bosques de Latinoamérica, en Groenlandia o en Alaska.

Inmortal

En la que fue tentadora, arriesgada y mítica Tierra del oro, donde el hambriento y enamorado Chaplin se comía unas botas con cuchillo y tenedor y soñaba con un amor inalcanzable en la inmortal La quimera del oro, se desarrolla Limbo, poblada por gente con un pasado que deja cicatrices profundas pero que no se ha permitido encanallarse o volverse ruin a pesar de tanto fracaso, gente que habla poco con la boca pero sugiere todo con su mirada y con su actitud, que sigue sin tirar la toalla, aunque su escepticismo vital les haga decir en una reveladora conversación o desolada autoconfesión: «Las mujeres son extrañas, los hombres son estúpidos, las noches y los inviernos son muy largos». Cuenta el encuentro entre una cantante adulta, hastiada y espléndida a la que ya no le queda tiempo para triunfar pero que sigue cantando por el estado de gracia que alguna vez halla al expresar sus sentimientos más íntimos mediante algunas canciones a los solitarios y escasos oyentes de los tugurios, y la comunicación que establece con ellos, su hija, una adolescente tan imaginativa como sensible y sufriente, y un viejo marino y gran promesa juvenil del baloncesto al que todo se le torció en la jodida vida, al que un accidente le privó de ser una estrella del deporte y otro más trágico, de su amado barco, con la consecuencia de que el segundo le hace arrastrar un imborrable sentimiento de culpa ya que en él murieron dos de sus mejores amigos.

Este insólito trío, al que rodean un digno e indigno zoológico de perdedores, llegará en las circunstancias más peligrosas, en medio de una indeseada aventura que acabará en una isla solitaria huyendo de los traficantes de drogas que pretenden cargárselos, a formar una especie de cálida e indestructible familia, lo que siempre buscaron en vano. John Sayles, que sabe tanto de la vida como del cine (por eso le amo, por eso me identifico con su obra), describe admirablemente la complicada relación de estas tres personas y nos deja con un final abierto, en el que es tan probable la salvación como la muerte, pero después de haber vivido intensamente lo que merece la pena ser explorado, de haber conocido una fugaz plenitud.

Equipo habitual

Para completar la fiesta, me encuentro con el habitual núcleo profesional de Sayles, que incluye a esos tíos con dos cojones llamados David Strathairn y Kris Kristofferson (nunca olvidaré, Billy The Kid, tu protector y épico abrazo en medio de la indiferencia de Dylan y de sus colegas a la blasfema calva, a la acorralada y a punto de linchamiento Sinnead O'Connor) y de la hermosísima Mary Elizabeth Mastrantonio, perteneciente a ese enamorable grupo de mujeres que incluye a Genevieve Bujold o a la difunta Rommy Schneider, que si de jóvenes eran guapas a secas, a medida que envejecen alcanzan el aura de las diosas."

UNDERGROUND (Emir Kusturica) Yugoslavia, Francia, Alemania, Hungría, 1995. Sábado 9 de mayo de 2009. 20:30h.

2009-05-04T01:07:00.006+02:00

GENERO: Drama bélico

AUDIO: Serbocroata SUBTITULOS: Español

DIRECCION: Emir Kusturica

GUION: Dusan Kovacevic y Emir Kusturica

MUSICA: Goran Bregovic FOTOGRAFIA: Vilko Filac (Color) MONTAJE: Branka Ceperac PRODUCCION: Pierre Spengler

SONIDO: Marko Rodic DURACION: 165 minutos

Secuencia de la película

Enlace a encadenados.org con un magnífico trabajo de documentación y crítica por parte de Lucía Solaz

“Una guerra no es una guerra hasta que el hermano mata al hermano”.

Tras la Primera Guerra Mundial, Francia e Italia estaban interesadísimas en que no se reconstruyera el Imperio Austro-Húngaro (tan grato para Luis G. Berlanga), y al mismo tiempo toda Europa sentía miedo de que, de pervivir el mapa político de los Balcanes que, en buena medida, había sido el causante de la conflagración mundial, la historia no tardara mucho tiempo en repetirse (como así fue de todos modos, y agravada, aunque por otras causas). Georges Clemenceau, el ‘Tigre’, Presidente de la República Francesa, apoyado por Orlando, el Presidente italiano, tuvo la ‘genial’ idea de crear un nuevo Estado donde tuvieran cabida todas esas naciones liberadas del hundimiento del Imperio Otomano que conservaban a duras penas su independencia ante la avaricia de Austria o Rusia, pensando en que un Estado fuerte y unido podría hacer frente mejor a esas amenazas, e incluso servir como un potente aliado a occidente en la zona. Así nació Yugoslavia en 1918, como la casa de todos los eslavos (a los cientos de miles que no lo eran, nadie les preguntó), y se puso la semilla de uno de los conflictos más enquistados y crueles de los últimos años.

“Una guerra no es una guerra hasta que el hermano mata al hermano”. Esta escalofriante frase la pronuncia Marko, antiguo poeta y político advenedizo, indefenso en su silla de ruedas, una vez que su hermano le ha molido a palos enmedio de un combate en la antigua Yugoslavia y durante la guerra que supuso la liquidación del país.

Underground, película absolutamente imprescindible para entender la narrativa cinematográfica de ese genio del panorama europeo que es Kusturica, relata, mientras hace un repaso por la historia de Yugoslavia en los cincuenta años que van del final de la Segunda Guerra Mundial al estallido del conflicto de los Balcanes en los noventa, la historia de Marko y Petar, inspirados en personajes reales de la historia yugoslava de la era de Tito, ladrones y guerrilleros durante la ocupación nazi del país iniciada en 1941, y Natalija, actriz en ciernes en esa misma época y amante de Petar, y el devenir de esta relación a tres bandas a lo largo del tiempo, todo ello pasado por continuas y deliciosas escenas de bailes y música de viento propios del cine de Kusturica (Mesecina, pedazo de canción), de bodas celebradas con música, alcohol y comida sin límites, abundantes toques de humor, surrealismo y absurdo, y los habituales guiños cinéfilos del director.

Marko, a causa del amor que siente por Natalija, se aprovecha de las circunstancias para ocultar a Petar y a muchos otros, incluyendo a su propio hermano, Jovan, en el enorme, gigantesco sótano de la casa de su abuelo (cabe hasta un blindado), y se las arregla para mantenerlos ahí una vez terminada la guerra mintiéndoles acerca del curso final de la misma y logrando que se dediquen a la fabricación de armas, con las cuales él comercia y llega a alcanzar una cuantiosa fortuna.
Durante décadas permanecerán todos ellos encerrados en el sótano mientras Marko se lleva la gloria de la victoria contra los alemanes y asciende rápidamente en el escalafón de la Yugoslavia comunista del mariscal Tito.

El azar, el alcohol y un chimpancé se aliarán para que años más tarde por fin Petar pueda salir a la calle y comprobar que las cosas no han cambiado desde su encierro (la casualidad quiere que nada más salir vaya a parar a un set de rodaje donde se filma una película precisamente sobre su vida y supuesta muerte en la Segunda Guerra Mundial, con actores y figurantes vestidos de soldados alemanes, auspiciada por Marko, que ha creado un aura de heroísmo en torno a Petar, que para el resto del país está muerto, todo lo cual proporciona unos momentos de comedia de muchos kilates), y así será para él incluso hasta el momento en el que estalla la guerra que sellará el certificado de defunción para Yugoslavia, pues él sigue creyendo que combate contra los fascistas (confusión aparentemente intencionada por parte del autor, estableciendo un símil entre los nazis y los combatientes de aquella guerra reciente, muy dados ellos a las limpiezas étnicas).

La película es tan rica que cualquier intento de sinopsis se convierte en un ejercicio bastante torpe, porque el hilo argumental aquí expuesto se ve enriquecido con la maravillosa música de Goran Bregovic, las poderosas imágenes, los intentos de Marko por manipular la realidad de los que se esconden en el sótano, simulando alarmas y bombardeos, la simbología apenas disimulada de muchos pasajes (el Cristo invertido del final de la película o los animales que aparecen, gansos, caballos o gatos, recurrentes en toda la filmografía del director), la crudeza de otros (el bombardeo del zoológico) y la absorbente magia de los más (los recorridos por las alcantarillas, los bailes, la música de los trombones y las trompetas), pero sobre todo, con las imágenes de archivo que Kusturica utiliza para ilustrar las diversas partes que establece en la narración (1ª - La guerra, 2ª - La Guerra Fría y 3ª - La Guerra, que subrayan la triste historia del país desde su invención), a veces introduciendo a sus propios actores con tecnología digital en los propios documentos históricos: imágenes de ciudades ocupadas por los nazis en 1941 y con el pueblo en las calles celebrándolo brazo en alto, ciudades derruidas, muertos y destrucción por doquier, imágenes también de la época de Tito, con los desfiles, los uniformes, el pueblo feliz y contento, y por último, los documentos visuales sobre la muerte del mariscal, los líderes mundiales que acudieron a las honras fúnebres (Ceaucescu, Breznev, Hussein de Jordania, Arafat, Helmut Schmitt, el Duque de Edimburgo, etc.), y toda una serie de imágenes precursoras del desastre que se avecinaba en un futuro no muy lejano, todo ello acompañado por los inmortales acordes de Lili Marleen, la canción ‘oficiosa’ de la Segunda Guerra Mundial, cantada por todos los ejércitos en todos los idiomas, y que llevó a la gloria Marlene Dietrich.

Pero la película es tan rica y compleja que resulta imposible catalogarla en ninguna de las categorías establecidas: es un drama con partes de comedia, de acción, pero también un musical, una película política, y sobre todo, una historia que desprende nostalgia y amargura. Lo que se desprende de ella es una reflexión en la que pueden verse dos cuestiones principales. En primer lugar, la crítica de la guerra como medio para la resolución de conflictos, pero también su aceptación como último medio cuando todos los demás han fracasado (el propio Kusturica se retrata como operador de fuego en una de las baterías de artillería que disparan al final de la película), lamentando, no obstante, las consecuencias de la misma: muertos, familias rotas, destrucción, países arrasados y ausencia de felicidad y bienestar durante generaciones. En segundo lugar, la película destila nostalgia por la patria desaparecida, por Yugoslavia tal como fue entre 1918 y los años noventa, ruptura de la que responsabiliza a las díscolas repúblicas de Eslovenia, Croacia y Bosnia. (39 escalones)

EL ÚLTIMO VIAJE DEL JUEZ FENG (Liu Jie) China, 2006. Sábado 25 de abril de 2009.

2009-04-21T00:44:00.009+02:00

Dirección: Liu Jie.
País: China.
Año: 2006.
Duración: 101 min.
Género: Drama.
Interpretación: Li Baotian (juez Feng), Yang Yaning (Yang), Lu Yulai (Ah-Luo).
Guión: Wang Lifu.
Producción: Liu Jie y Hsu Hsiao-Ming.
Fotografía: Harrison Zhang.
Montaje: Liao Ching-Song.
Dirección artística: Cao Jiaan.
Estreno en España: 23 Mayo 2008.
Página oficial de la película
Película completa (en 7 partes)

SINOPSIS

Provincia de Yunnan, al sudoeste de China. Un tribunal ambulante recorre los sinuosos caminos en su gira anual. El viejo Feng es el juez. Su secretaria, Yang, está a punto de jubilarse. Les acompaña el joven juez Ah-Luo, que se estrena en esto de las giras. Un caballo viejo transporta la insignia nacional, los expedientes y todas sus pertenencias. Un viaje fuera de lo común por la China rural y sus minorías étnicas, en donde, a través de los conflictos, se nos muestran tradiciones y leyes ancestrales y cómo la justicia del Estado choca con la sabiduría campesina.

Siempre resulta atrayente que una cinta de China llegue a nuestra cartelera, y más aún si conserva la sencillez de una mirada pura e inocente que se acerca a la realidad más tradicional y profunda de ese gran país. El viaje que emprende el juez Feng a la provincia de Yunnan es el último de su dilatada carrera. En su gira anual a ese cantón del sudoeste de China va acompañado de su secretaria Yang y del joven Ah-Luo, que acaba de salir de la universidad y planea casarse en uno de los pueblos. Los tres se ponen en camino con la intención de impartir justicia en lugares de culturas y tradiciones ancestrales, donde la superstición convive con la humanidad, y donde los conflictos se dirimen por leyes no escritas bajo la autoridad de ese tribunal ambulante.
Con un tempo lento y una actitud contemplativa, el debutante Liu Jie nos lleva por peligrosos senderos hasta rincones apenas explorados de una China rural, por hermosos desfiladeros y altas montañas que son todo un reto para el individuo, minúsculo en tan extenso territorio pero grande cuando la cámara se acerca a cada una de esas minorías étnicas. Porque las localizaciones son ciertamente de gran belleza, pero el director sabe no perderse en ellas y evitar que se conviertan en estampas de promoción turística. En cambio, Liu Jie sí pone todo el interés en recoger la sencillez de unos modos de vida que atienden más al sentido de supervivencia y a los buenos sentimientos que a cualquier normativa legal o a la fría burocracia. No sólo se entretiene en mostrarnos algunos de los casos con un sentido del humor tan esperpéntico como desconcertante, sino que también se acerca a los personajes con una enorme delicadeza y sensibilidad.

A través del trío protagonista queda reflejado un mundo en transición desde la tradición a la modernidad. El juez Feng encarna la sabiduría y astucia de la experiencia a la hora de resolver los conflictos, y un conocimiento profundo de las personas y de las particularidad locales; Ah-Luo se nos muestra con un ímpetu juvenil que busca resolverlo todo con la aplicación frontal e intransigente de la ley; y Yang es el mejor modelo de fiel compañera que compensa la energía de su jefe con paciencia y mansedumbre, y que lleva veinte años queriendo mostrar sus sentimientos al juez. Una callada y delicada historia de amor apenas insinuada, dos personas que hacen su último viaje poniendo orden en los pueblos pero que no saben hacerlo en sus vidas, y otra que anuncia nuevos e inciertos tiempos para la China del siglo XXI. El largometraje comienza como una concatenación casi cómica de situaciones de lo más disparatadas, como la del cerdo "acusado" de remover los restos de los antepasados de un campesino o el robo del escudo del Estado, pero va cogiendo cuerpo dramático conforme avanza y logra algunas escenas llenas de ternura y aire cargado de nostalgia, hasta desembocar en un trágico final con sabor metafórico al aludir al penoso sistema judicial chino (simbolizado en el escudo que porta el juez).

Una realidad tan primigenia no podía ser filmada con artificio formal ni con un elaborado montaje, que le hubieran quitado su frescura natural. Por eso, la sencillez de sus personajes encuentra su correlato en una planificación transparente que no quita protagonismo al tema, con preferencia por los planos fijos y por una cámara que se sitúa discretamente donde pueda recoger los encuentros sin interferir. La fotografía y la ausencia de música incorporada desde fuera aportan el naturalismo que la historia encierra, con momentos de contenida y soterrada emoción, en especial entre Feng y Yang.

Está claro que no nos encontramos ante una película que busque de frente el entretenimiento ni que ceda ante las exigencias de la taquilla, sino más bien ante una mirada un tanto crítica y aparentemente ingenua a una de las realidades que vive la China actual. Una mirada pura y sin contaminar de occidentalismo para una cinta que camina a ritmo lento y con algún altibajo narrativo, bien interpretada por la pareja protagonista, y magníficamente fotografiada por Harrison Zhang. Una cinta cómica al principio y poética al final, bien contada pero que tarda en alcanzar su sentido pleno, ardua, tediosa e incluso aburrida para quien no esté acostumbrado al cine oriental sin adulterar (nada que ver con Wong Kar Wai, Zhang Yimou o Ang Lee), meritoria y auténtica en su original historia y en su costumbrista puesta en escena. (Comentario deJulio Rodríguez Chico).

DERSU UZALA (Akira Kurosawa) Japón, 1975

2009-04-03T09:55:00.005+02:00

Nacionalidad: URSS-Japón
Año: 1975
Dirección: Akira Kurosawa
Guión: Akira Kurosawa, Yuri Nagibin
(basado en los relatos de Vladimir Arseniev)
Producción: Yoichi Matsue, Nikolai Sizov
Dirección de Fotografía: Asakazu Nakai, Fyodor
Dobronavov, Yuri Gantman
Montaje: Fyodor Dobronavov, Yuri Gantman,
Asakazu Nakai
Música: Isaac Schwalz
Reparto: Maxim Munzuk (Dersu Uzala), Yuri Solomine
(Capitán Vladimir Arseniev), Schemeikl
Chokmorov (Jan Bao), Vladimir Klemena (Turtwigin),
Svetlana Danielchanka (Sra. Arseniev)
Duración: 137 min. (Color)
SINOPSIS
La acción nos remite a 1902, durante la investigación topográfica de la zona de Usuri, que Arseniev realiza para el gobierno ruso. Será en el transcurso de esta expedición que Arseniev conoce a Dersu, cazador nativo (" gold " o "neneyet"), que no sólo le ayudará a avanzar en la intrincada orografía sino que le facilitará un aprendizaje de la Naturaleza. Dersu es un solitario, patizambo, cazador que vive en comunión con su entorno. El pelotón militar no tarda en adoptarlo puesto que es trabajador y se integra en el grupo colaborando con sus dotes de tirador y rastreador. No obstante, la enseñanza que Dersu puede aportar (para quien quiera prestarle atención, algo que los infantiles soldados rusos no parecen hacer) es básicamente un aprendizaje de la Naturaleza. Dersu habla con el fuego, con el agua, arroja comida para que sus familiares fallecidos no padezcan y utiliza de la Naturaleza aquello que la naturaleza le permite utilizar, como las cortezas de los árboles o los tallos de unos juncos. Dersu deja claro que el mundo, la taiga, está llena de "personas": el Sol es la más importante, sin él no viviría nadie. Pero también son gente el agua, el fuego, el viento. El hombre debe estar en armonía con estas otras personas para sobrevivir en la taiga. El hombre es demasiado pequeño al lado de la gran Naturaleza, dicen los
personajes. Y en este sentido incide una de las escenas culminantes de la cinta, la tormenta de nieve que sorprende a Arseniev y Dersu durante su observación del lago helado y en la que el segundo salva la vida a ambos gracias a su ingenio y su conocimiento de la Naturaleza.

COMENTARIO
Más allá de su espíritu ecológico, Dersu Uzala es la crónica de una amistad que Kurosawa traza en base a pequeñas anécdotas. En su formato de película de aventuras, la cinta acoge la progresiva calidez de la relación entre el explorador y el cazador. Arseniev, ruso, científico, intelectual, queda fascinado por el hombrecillo nómada no tanto por sus habilidades como por su "alma". Dersu es
desprendido, responsable y solidario. Significativamente, mientras los rusos desprecian la cabaña que encuentran en el bosque, Dersu la repara y se asegura de que queden en ella provisiones para cualquier otro viajero que llegue hasta allí. Más tarde, al ofrecérsele un pago por sus servicios, Dersu lo rechaza en primera instancia; luego, avergonzado, dice ser mala persona y solicita unos cartuchos. Arseniev, por su parte, es solidario con los otros viajeros. Dersu no ve en él tanto un sabio, como una persona también
respetuosa y ansiosa de aprender.
Posiblemente los mejores momentos de la cinta están vinculados a este aspecto. Kurosawa es uno de los cineastas que mima a sus personajes, que sabe recoger en pantalla sus sentimientos y trata que el espectador los comprenda. Su puesta en escena, simple en apariencia, favorece la emotividad.
En definitiva, Dersu Uzala es la crónica dolida de la pérdida de un mundo arcádico. De la irreversible pérdida, habría que decir, siendo un símbolo de este mundo quien acoge a los mismos que lo destruirán.
Trailer de la película en inglés:

A continuación te ofrecemos la posibilidad de ver la película completa fragmentada en español, con subtítulos en inglés.

IT'S A FREE WORLD (En un mundo libre) (Ken Loach) RU, 2007. Viernes 20 de marzo de 2009. 20:30h. Casa de la Cultura de Valencina. Entrada libre.

2009-03-13T21:04:00.013+01:00

Título: En un mundo libre...

Título original: It's a Free World

Productora: BIM Distribuzioni

Año: 2007

País: Reino Unido, Italia, Alemania, España

Duración: 96'

Dirección: Ken Loach

Producción: Ken Loach, Rebecca O'Brien

Guión: Paul Laverty

Música: George Fenton Fotografía: Nigel Willoughby Montaje: Jonathan Morris

Intérpretes: Kierston Wareing ANGIE, Juliet Ellis ROSE, Leslaw Zurek KAROL, Joe Siffleet JAMIE, Colin Caughlin GEOFF, Maggie Russell CATHY, Raymond Mearns ANDY, Davoud Rastagou MAHMOUD, Mahin Aminnia LA MUJER DE MAHMOUD

Premios: Festival del Sahara, mejor película. Venecia, mejor guión.

Sinopsis

Angie no ha recibido una educación demasiado esmerada, pero está llena de energía, ingenio y ambición. No es la primera vez que se queda sin trabajo, pero ahora intenta rehacerse y demostrar lo que vale. Angie y su compañera de piso, Rose, deciden ser sus propias jefas, y abren una agencia de trabajo temporal para trabajadores inmigrantes que actúa en un mundo inestable en el que el trabajo es barato y las leyes sólo sirven para ser ignoradas.

Comentario

El prolífico director de cine social Ken Loach vuelve a formar parte de la cartelera española gracias al estreno de En un mundo libre, la enésima colaboración con su inseparable compañero creativo, el guionista Paul Laverty, con el que, aunque parezca más tiempo, lleva trabajando sólo desde 1996. Su nuevo trabajo –que sucede a El viento que agita la cebada, ganadora de la Palma de Oro de Cannes- fue presentado en el pasado Festival de Venecia, donde de hecho consiguió la Osella de Plata al Mejor Guión. El guionista Laverty, que reside con frecuencia en España, ha denunciado, en referencia a la obra, la actitud de los conservadores británicos y la derecha europea en general ante la inmigración ilegal. Por un lado, ha señalado que la alientan para aprovecharse de “una mano de obra cada vez más barata” pero niegan a estos inmigrantes los derechos más básicos y les achacan los males de la sociedad. La inmigración es un tema recurrente en el cine del británico Loach, pues lo ha abordado en varias películas en esta misma década (Pan y rosas, Sólo un beso y La cuadrilla). En el aspecto interpretativo, todos los actores están estupendos, de nuevo en la línea del cine del director británico, destacando la protagonista Kierston Wareing, quien ha recibido alabanzas como actriz revelación, como demuestran sus dos nominaciones a los Premios del Cine de Independiente Británico y que interpreta un personaje lleno de matices. También destaca la labor de Juliet Ellis, su amiga, que intenta poner orden en la vida cada vez más acelerada de Angie.

Loach acierta de pleno con el enfoque de la película. En lugar de ir a lo fácil, de poner a grandes empresarios aprovechándose del sudor y la sangre de los empleados, pone a una mujer que parece que lucha por el bien del trabajador, por el fin de los jefes, por la ruptura del sistema. Pero no. Ella es el sistema. Desde el momento en el que se aprovecha de las reglas del juego, se convierte en parte del sistema. Sin darse cuenta, Angie pasa de insultar a sus jefes a comportarse como ellos. Utilizará todo lo que esté en su mano para enriquecerse y salir adelante, cueste lo cueste, pisoteando a las personas que haga falta. En un momento de la película, Angie llega a decir algo así como “es un mundo libre y a todo el mundo le importa una mierda”. Es lo que parece promover el sistema. Que todos seamos lobos y sólo miremos por nuestro propio interés. Así, los más poderosos seguirán en su sitio, con su culo bien protegido.

Loach nos acerca a la realidad y lo hace con una película sobria, de estilo austero, como le caracteriza. Huye del estilo “realista” que significa mucho mareo de cámara y montaje acelerado, va a lo sencillo y a lo que funciona.

En un mundo libre es una película necesaria, de las que invitan a la reflexión al salir del cine y que denuncia algo que está ahí y que preferimos no ver. Un nuevo acierto de Ken Loach, una buena película.

Aquí puedes leer interesantes críticas de Federico Volpini y Dr. Etxea
Trailer en V.O.S.

Trailer doblado en español

EL BOSQUE DEL LUTO "Mogari no mori" (Naomi Kawase) Japón, 2007. Viernes, 6 de marzo de 2009. 8:30 de la tarde en la Casa de la Cultura de Valencina

2009-03-03T01:48:00.008+01:00

Página oficial de la película (Trailer, sinopsis, ficha técnica, ...)
Página de la distribuidora

SINOPSIS

Shigeki vive en una pequeña residencia para jubilados. Machiko, una de las empleadas de la residencia, le presta una atención especial. Sin embargo, ella está secretamente conmocionada por la perdida de su hijo. Después de celebrar el cumpleaños de Shigeki, Machiko decide llevarle a un paseo por el campo. Conducen a lo largo de pintorescas carreteras secundarias, pero el coche se queda averiado en una cuneta y deciden abandonarlo y emprender juntos un viaje de descubrimiento.

El comienzo del largometraje es ilustrativo para lo que el público se va a encontrar. Asistimos a un largo plano sostenido del viento moviendo los árboles, para a continuación enfocar un cortejo fúnebre que atraviesa el bosque, y después de varios minutos escuchar las primeras palabras de la cinta, pronunciadas por un monje budista a un grupo de jubilados a los que explica la diferencia entre "estar vivo" y "sentirse vivo". Estéticamente quedan ya definidas las pautas de un cine contemplativo y muy poético, de enorme belleza visual y potente sentido simbólico, pero también muy intimista y parsimonioso, que exigirá sosiego y tranquilidad en quien se disponga a verlo. La atención se centra en cada gesto y mirada de los personajes (magníficas las interpretaciones de Shigeki Uda y de Machiko Ono), en una palabra dicha a media voz entre el temor y la duda, en el contraluz y el cielo que tan pronto deja pasar los rayos de luz del sol como los oculta entre la negrura de nubes de lluvia. Es la tensión entre la muerte y la vida, entre el remordimiento y la necesidad de encontrar la paz de conciencia, entre la presencia de los seres queridos y su ausencia, entre la materialidad de lo terreno y lo etéreo de lo espiritual, entre la oscuridad y la luz.

La directora japonesa nos muestra un cine de exquisita sensibilidad y de profunda piedad, moroso y sin prisa para contar sucesos extraordinarios o exteriores durante el viaje, sin interés en desvelar el pasado de los protagonistas. Es un relato interior, un viaje emocional de ritmo lento, que se entretiene en recoger parajes de una gran belleza pero con una fuerte carga simbólica: no son simplemente estampas hermosas sino más bien estados sensoriales y emocionales de fuerte dramatismo. Le interesa acompañar a esas dos almas en pena que deberán sufrir vientos y lluvias intempestivas, rápidos fluviales que están a punto de costarles la vida, para después llegar a disfrutar de la tranquilidad y sosiego de haber cumplido con un deber de conciencia. El paisaje es el auténtico protagonista porque es trasunto del alma de los dos individuos atormentados por su pasado, y la película se convierte en una suerte de "ascensión" o "balada" a la montaña de Narayama, una constante del cine japonés. Con una cámara nerviosa que habla de la dificultad para atravesar la vida, el espectador asiste a momentos críticos seguidos de otros conmovedores, como la escena en la que, tras el aguacero torrencial, Machiko se quita la ropa para dar el calor de su cuerpo al anciano que tiembla con síntomas de muerte.

Crítica de Beatriz Maldivia

La directora proviene del documental, y ése es un enfoque que se nota en toda su filmografía, desde decisiones más evidentes como contar con operadores de cámara que también provienen del documental y el empleo de actores no profesionales, hasta otras mucho más sutiles que tienen que ver con la puesta en escena o el fuera de campo.

‘El bosque de luto’ es una espléndida forma de adentrarse en el más que interesante cine de Naomi Kawase. La película nos narra, con toda la parsimonia que eso requiere, la historia de Machiko, una joven enfermera en un asilo, y la de Shigeki, uno de los ancianos que allí son atendidos. Ambos personajes viven sumidos en una profunda tristeza por la pérdida de un ser querido: su hijo, en el caso de Machiko, y su mujer en el caso de Shigeki.

En vez de cargar las tintas dramáticas, Naomi Kawase apuesta por la sutileza y la sobriedad: la angustia de estos dos personajes es muy contenida y se manifiesta de forma ejemplar en la frase que Shigeki le hace al monje budista que visita al asilo: “¿Cómo sé si estoy vivo?”. El monje le responde con una doble pregunta: para saber si estás vivo hay que saber dos cosas. La primera, y muy fácil, es si comes arroz y condimentos. La segunda, más difícil, es saber si experimentas sensaciones.

A partir de ahí, el destino de Machiko quedará unido al de Shigeki: un día, durante un viaje en coche, el anciano escapará hacia el bosque en busca de la tumba de su mujer, y Machiko lo perseguirá. Comienza un viaje de dos días en el que los personajes tendrán que sentir, que recuperar sus vidas anuladas por el dolor.

La sutileza con la que Kawase filma su relación es magnífica: todo son actos cotidianos que esconden un poderoso subtexto. Todo son elegantes metáforas, como la del río que se desborda mientras el anciano intenta cruzarlo. Machiko le implora, llorando, que no cruce, que el peligro es muy grande. Una vez Shikegi desiste, abraza a una desconsolada Machiko mientras le dice “el río nunca volverá a su fuente”. Una metáfora tan sencilla como eficaz sobre la aceptación de la muerte.

El estilo visual de Kawase es, asimismo, muy acertado. Una peculiaridad de esta directora es su trabajo con el fuera de campo: todos los sonidos comienzan antes de que podamos descifrar cuál es su fuente; los personajes reaccionan ante cosas que no hemos visto. Es la cámara en mano, con su inquietud de documental (aunque para nada mareante) la que nos va descubriendo la realidad que nos rodea. Y me parece la mejor opción para una película que nos quiere contar el redescubrir la vida, y que alcanza la excelencia en su emotiva – e igualmente sutil – escena final.

Si Imamura, en ‘La balada de Narayama’, nos contaba el estoico peregrinar de unas gentes hacia el aceptar su propia muerte, Naomi Kawase, en ‘El bosque de luto’ nos cuenta el peregrinaje hacia volver a descubrir la vida. Una sobria, elegante y emotiva película que incluso dentro de sus lentitud transmite tantas sensaciones que merece la pena.

Aquí podéis ver la película completa

LA EDAD DE LA IGNORANCIA (Denys Arcand) Canadá, 2007. Sábado, 21 de febrero de 2009

2009-02-19T21:52:00.007+01:00

Dirección y guión: Denys Arcand.
País: Canadá.
Año: 2007.
Duración: 104 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Marc Labrèche (Jean-Marc Leblanc), Diane Kruger
(Véronica Star), Emma de Caunes (Karine Tendance), Rufus Wainwright
(el príncipe cantante), Sylvie Léonard (Sylvie Cormier-Leblanc), Caroline
Néron (Carole Bigras-Bourque), Didier Lucien (William Chérubin), Macha
Grenon (Béatrice), Rosalie Julien (Laurence Métivier).
Producción: Denise Robert y Daniel Louis.
Música: Philippe Miller.
Fotografía: Guy Dufaux.
Montaje: Isabelle Dedieu.
Diseño de producción: François Séguin.
Vestuario: Judy Jonker.

SINOPSIS
En sus sueños, Jean-Marc (Marc Labrèche) es un caballero con una brillante
armadura, una estrella del escenario y de la pantalla, y un novelista de éxito que tiene a las mujeres rendidas a sus pies. En la realidad, es un don nadie, un chupatintas, un marido insignificante, un padre fracasado que fuma a escondidas. Pero Jean-Marc consigue resistir sin caer en la tentación de su mundo de sueños y decide darse otra oportunidad en el mundo real.

ENTRE LA REALIDAD Y EL DESEO
En su última película tras Las invasiones bárbaras, Denis Arcand prosigue con su retrato crítico de la sociedad postindustrial (y post Mayo del 68), siguiendo la saga de la anterior película y de su predecesora, El declive del imperio
americano. Su discurso, como las anteriores, versa sobre una sociedad en descomposición, en similitud con el imperio romano al comienzo de la Edad Media. La única salida es la evasión hacia la que se precipita el personaje, March Labrèche, como un trasunto de todos nosotros, como arquetipo de una sociedad desideologizada, sin metas y sin rumbo. Es una reflexión sobre la vaciedad espiritual y ética de la vida contemporánea en la sociedad desarrollada, símbolo del resto de las sociedades del bienestar que configura occidente, y que son hoy la materialización palpable del fracaso de los sueños revolucionarios y sesentayochistas, en gran medida, de toda nuestra civilización como espacio real para la vida plena.
El título original francés refleja mucho mejor la tesis de Arcand: La edad de las
tinieblas, entendido como la etapa dominada por el oscurantismo, el triunfo de lo sobrenatural sobre la razón.
El resultado es una comedia ácida, muy del estilo de su realizador, en un ambiente surrealista tanto por los personajes y las situaciones oníricas, como por el escenario donde se desarrolla. Es de destacar la actuación del actor protagonista, Jean-Marc Leblanc.

PROMISES (J. Shapiro, B.Z. Goldberg y C.Bolado) Palestina, Israel, EUA, 2002. Viernes, 6 de febrero de 2009. 8,30h. Casa de la Cultura de Valencina

2009-02-04T00:42:00.016+01:00

Aquí podéis ver la película completa de nuevo

Título original: PROMISES

Género: DOCUMENTAL

Escritor/a, Productor/a, Director/a: JUSTINE SHAPIRO y B.Z. GOLDBERG

Codirector y montaje: CARLOS BOLADO

Nominada al Oscar al Mejor Documental 2002
Rotterdam International Film Festival. Premio de la Audiencia, Mejor Película
Munich Film Festival. Premio Libertad de Expresión.
Jerusalem Film Festival. Premio Especial del Festival.
Locarno Internacional Film Festival. Premio especial del jurado.
San Francisco International Film Festival. Premio de la Audiencia. Mejor Documental.
Vancouver International Film Festiva. Premio de la Audiencia.
Hamptons International Film Festival. Mejor Documental.
Sao Paulo International Film Festival. Premio de la Audiencia. Mejor Documental.
Valladolid International Film Festival. Mejor Documental.
Paris International Film Festival (Rencontres). Premio de la Audiencia a Mejor Película.

El conflicto Palestino-Israelí visto por los niños. Documental rodado en Israel y Palestina. Hablan niños y niñas de ambas partes con tal sinceridad que parece que las cámaras estén ausentes, esta sinceridad propia de los niños nos acerca a comprender, sin tapujos políticamente correctos, la realidad que viven y la tensión que entre ellos existe sin siquiera conocerse.
Muy recomendable para quienes quieran trascender la versión mediática de este conflicto.

Sinopsis

Siete testimonios infantiles sobre lo que significa crecer en Jerusalén. Yarko y Daniel son dos mellizos israelíes interesados en el ejército, la religión y el voleibol. Mahmoud es rubio, de ojos ozules y partidario de Hamas. Le enseñan el Corán en el colegio como un manifiesto por la causa palestina. Su familia es dueña de una tienda de café y especias en el barrio musulmán de la ciudad vieja desde hace 3 generaciones; Shlomo, un niño judío ultra-ortodoxo reza ante el muro occidental. Shlomo estudia el Torá 12 horas al día; Sanabel, una refugiada palestina, proviene de una familia de árabes secularizados. Es bailarina y cuenta la historia de su pueblo a través de la danza tradicional palestina. Su padre, periodista, permaneció encarcelado en una prisión israelí durante dos años sin juicio; Faraj es un refugiado palestino que vive en el campo de refugiados de Deheishe. A los cinco años vio cómo un soldado israelí mataba a un amigo suyo; Moishe, un colono israelí de extrema derecha resume la esencia del conflicto: "Dios dio a Abraham la tierra pero los árabes llegaron y se apoderaron de ella". Los niños se conocen: Cuando Yarko y Daniel ven una foto Polaroid de Faraj surge su curiosidad. Preguntan: "¿Por qué no le visitamos?". Faraj no quiere saber nada de los niños israelíes hasta que Sanabel le reta: "No conozco a ningún niño palestino que haya intentado explicar nuestra situación a un israelí". Dando un paso que coge por sorpresa a los cineastas (y al público), Faraj inicia un encuentro con Yarko y Daniel. Los mellizos viajan al campo. Es la primera vez que han conocido a alguien del "otro lado". Comparten una comida y empiezan a intimar. Pero la promesa de amistad tiene corta duración dado que los obstáculos culturales y físicos frustran sus esperanzas de intimar. Dos años más tarde en un reflexivo y honesto epílogo, los niños, ahora de trece y quince años, comparten sus puntos de vista sobre "el otro", sus pensamientos sobre la posibilidad de conocerse y sus sueños para el futuro.

La hierba que sufre

Yarko, Daniel, Mahmoud, Shlomo, Sanabel, Faraj, Moishe. Siete niños -judios unos, palestinos los otros- que viven a escasos minutos. Siete niños separados, sin embargo, por la vertiginosa distancia creada por la historia de sus respectivos pueblos. Por años de violencia, terror y desarraigo. Por una cotidianidad marcada por el adoctrinamiento, el prejuicio, el fanatismo. Siete niños convertidos, en el magnífico documental Promises, en portavoces de un sector de población especialmente vulnerable al que nadie pide opinión, y en protagonistas de una experiencia reveladora: vivir, aún durante un breve espacio de tiempo, el descubrimiento del “otro”.
La nominación de este trabajo al Oscar de 2002 como Mejor Documental no es sino el justo reconocimiento a la decencia, valentía y habilidad narrativa demostradas por sus tres codirectores : la californiana Justine Shapiro, el bostoniano B.Z. Goldberg (interlocutor de los chavales ante la cámara) y el mejicano Carlos Bolado (responsable también del montaje, cuyo dominio ha demostrado en Como agua para chocolate o en Amores perros.
Rodado entre 1997 y 2000 -esto es, en un periodo de relativa calma, antes del inicio de la Segunda Intifada-, incluye algunas secuencias añadidas dos años después, cuando la reactivación del odio y su cosecha de dolor abren fisuras en la esperanza de los tempranos adolescentes.
El trío realizador nos sumerge en la vida de la abigarrada Jerusalén y en la de los campos de refugiados situados en su entorno con una notable inteligencia; esto es, descubriéndonos la pavorosa complejidad del conflicto palestino-israelí sin obviar ninguno de sus matices, sin construir un discurso unidireccional, abandonándose con toda sabiduría a la espontaneidad de sus personajes. Su recorrido por ese universo en el que son omnipresentes las armas, la amenaza latente o el recuerdo de las víctimas de uno y otro lado, desborda de esa manera emoción y sinceridad. Derrocha también un cálido humor y hallazgos narrativos tan brillantes como un improvisado duelo de eructos o la cómica declaración de principios de una princesilla atrapada por dos sillas apilables.
Hijos de judíos liberales descendientes de víctimas del nazismo o de rabinos integristas, hijas de militantes presos o de colonos sionistas, habitantes de los barrios árabe o judío de Jerusalén, de campos o de asentamientos... los niños ofrecen el reflejo nítido del laberinto iniciado aquel ya lejano 29 de noviembre de 1947, cuando la ONU aprobó partir el territorio recién abandonado por Gran Bretaña en dos zonas, una israelí y otra palestina.
El deseo de un futuro mejor, representado en la imagen de un recién nacido envuelto en una manta de voluntarista estampado, no oculta una realidad que tiempo atrás apuntaba el filósofo George Murrel: “cuando dos elefantes se pelean, es la hierba la que sufre”

PARA TODOS LOS GUSTOS (LE GOÛT DES AUTRES) Agnès Jaoui (Francia, 2000). Sábado, 24 de enero de 2009

2009-01-21T01:30:00.014+01:00

Sinopsis
Un empresario conoce a una actriz, que es amiga de una camarera, que, a su vez, conoce a un guardia de seguridad, que trabaja con un chófer, al servicio de una decoradora, mujer de un empresario, que querría trabar amistad con artistas que... Es la historia de los gustos de unos y de los colores de otros. Es la historia de personajes y entornos que no tendrían nunca que haberse conocido al resultar imposible alterar los marcos de referencia y las barreras culturales sin que se planteen problemas.

La directora
Agnès Jaoui (París, 1964) es sobre todo conocida como actriz, guionista y directora de dos joyas del cine europeo reciente: Para todos los gustos (Le Goût des autres) y Como una imagen (Comme une image). Dos comedias de costumbres, basadas en la observación de personajes, que refuerzan una tradición del mejor cine francés compuesta por buen humor, historias cercanas y exquisitos diálogos. En ambas comparte la escritura del guión con su pareja desde 1987, el actor de origen argelino Jean-Pierre Bacri, con quien forma un tándem desde hace años que ha dado obras de teatro, guiones para Alain Resnais, Cedric Klapisch o Alain Corneau y un nuevo proyecto que se estrenará en España en febrero y que se titulará Háblame de la lluvia, como la canción de Brassens. ‘Háblame de la lluvia y no del buen tiempo, el buen tiempo me da asco’… Habla de la pareja, pero también del cambio climático.” (David Trueba)

La película
Una comedia coral inteligente, llena de matices, que en ocasiones recuerda los planteamientos narrativos y estéticos de Woody Allen y que es digna heredera del mejor cine francés.
Cada detalle está cuidado, cada palabra está dicha con el sentido justo. El guión es notable, cada línea está escrita con una sencillez envidiable. En esta película todo es correcto y funcional, incluso el uso de los planos-secuencia que sirven a esa buscada naturalidad en la que Woody Allen es un maestro.

PROMESAS DEL ESTE (David Cronenberg) RU, 2007. Viernes, 9 de enero de 2009

2009-01-21T01:23:00.004+01:00

SINOPSIS

El misterioso y carismático Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), nacido en Rusia, es el chófer de una de las familias más importantes del crimen organizado de Europa Oriental asentada en Londres. La familia pertenece a la hermandad mafiosa Vory V Zakone. Encabezada por Semyon (Armin Mueller-Stahl), el encantador dueño de un caro restaurante ruso, la suerte de la familia se tambalea por culpa de Kirill (Vincent Cassel), su alocado hijo, que hace más caso a Nikolai que a su propio padre. Pero la cautelosa vida de Nikolai cambia de golpe cuando conoce a Anna Khitrova (Naomi Watts), una comadrona que trabaja en un hospital en el norte de Londres y que queda muy afectada por la muerte de una adolescente al dar a luz. El diario escrito en ruso de ésta pone en contacto dos mundos que nunca deberían encontrarse, desarrollándose una trama donde nadie es lo que parece.

EL REALISMO COMO FORMA DE PRESENTAR LA VIOLENCIA
Desde los tiempos del arte clásico, los creadores nos han mostrado su visión del mundo recurriendo a las dos concepciones filosóficas que se han atrevido a intentar explicarlo: el idealismo y el materialismo. Los artistas idealistas explican el mundo desde la trascendencia y utilizan una estética naturalista, simbólica, que recurre a la metáfora o a la representación sobrenatural. Sin embargo los materialistas lo explican desde la inmanencia y apelan al realismo, mostrándonos una realidad desnuda, exagerada, que puede desembocar casi en lo grotesco. Muchísimos son los ejemplos, tanto profanos como religiosos, que nos ofrece la Historia del Arte y que aquí no podemos pararnos a analizar. El cine no es una excepción, y lo que Cronenberg hace en esta película no es otra cosa que retratar la realidad de la manera más cruda posible. Para ello no duda en utilizar la violencia como un recurso expresivo más, mostrándonosla en toda su dureza. Una violencia que sirve para sacudirnos, para que no permanezcamos impasibles ante lo que está pasando a nuestro lado, ese Cuarto Mundo de explotación y de esclavitud que tenemos instalado dentro del nuestro, redes en las que se ven atrapadas personas del Este (o del Sur) merced a unas promesas de mejorar su situación en el paraíso occidental.
Cronenberg parte de un magnífico guión de Steve Knight, con una estructura narrativa sobria pero lleno de sorpresas, con personajes poliédricos que nos muestran su lado más perverso, pero también el más tierno, interpretado por un magnífico elenco de actores, del que destaca Viggo Mortensen, que nos ofrece una interpretación soberbia, que por sí sola podría justificar la visión de esta extraordinaria película.

RECURSOS HUMANOS (Laurent Cantet) Francia, 2000. Sábado 13 de diciembre de 2008.

2008-12-13T13:57:00.020+01:00

Dirección: Laurent Cantet
Guión: Laurent Cantet, Gilles Marchand
Fotografía: Matthieu Poirot Delpech, Claire Caroff
Montaje: Robin Campillo
Sonido: Phillipe Richard, Antoine Ouvrfier
Elenco: Jalil-Lespert, Jean Claude Vallod, Chantal Barré, Véronique de Pandelaére, Michel Begnez, Lucien Longueville, Danielle Mélador, Pascasl Sémard

Terminamos el trimestre y el año 2008 con esta película del realizador francés Laurent Cantet. Inscrita dentro de la vertiente realista de esa tendencia que se conoce como "nuevo cine social francés", la ópera prima de este cineasta , recientemente premiado en Cannes con la Palma de Oro por "Entre les murs", posa su mirada sobre unos cuantos temas candentes de la actualidad mundial: la humillación laboral, la degradación social y la desocupación, esa amenaza que pende sobre cada vez más gente de todas las clases. También aborda el asunto de las relaciones paterno-filiales.

"Recursos humanos” se inscribió en su momento en el debate europeo sobre la reducción de la jornada laboral a 35 horas semanales. Y ahora sigue plenamente vigente con el debate del pretendido aumento a 60 horas de la jornada semanal, con la crisis del Sistema Capitalista a nivel global y con una de sus concreciones a nivel local, las regulaciones de empleo, que muestran de qué manera las consecuencias de la crisis siempre las padecen en primer lugar los más débiles.

Sinopsis

La historia de Recursos Humanos es la de un joven universitario, Franck, que vuelve a su pueblo como becario en la planta donde su padre es operario de toda la vida. Tendrá un puesto en el área de recursos humanos, en plena disputa entre patrones y obreros por la reducción de la jornada laboral. Para Franck es un aprendizaje en todo sentido. Primer contacto con la vida laboral real, como trabajador, fuera de los claustros universitarios. Primer contacto con el mundo como hombre responsable por sus actos, ya no como hijo arropado por sus padres.

A raíz de las discusiones por la jornada, Franck y su padre se enfrentarán duramente. Pero esa confrontación funciona también como metáfora porque no es sólo política, también servirá para construir el nuevo lugar del padre y del hijo independizado.

Para Franck, esta experiencia laboral es iniciática y le servirá para encontrar su lugar en el mundo. Para el cine, la imprescindible opera prima de Laurent Cantet es prometedora.

Se trata de una película perfecta para tener una buena discusión sobre temas de plena vigencia: La crisis del sistema capitalista, las consecuencias para los más desfavorecidos, las regulaciones de empleo, el papel de los sindicatos,... No en vano el mismo Sarkozy que hablaba de enterrar el mayo del 68, le echa ahora toda la culpa a la reivindicación de las 35 horas, un caballo de batalla abandonado por los sindicatos mayoritarios antes de montar en él.

Aquí tenéis un trailer en español de la última película de Laurent Cantet, "La clase", galardonada con la Palma de Oro en Cannes este año y otro de la película de hoy en versión original:

2046 (Wong Kar-Wai) China, 2004. Sábado, 8 de noviembre de 2008

2008-11-06T21:41:00.001+01:00

En la habitación 2.046 de un viejo hotel concluye “Deseando amar”, una de las películas que más gustó la pasada temporada del CineClub Imaginario. Sin solución de continuidad, Won Kar-Wai nos deleita con otra joya cinematográfica sobre el amor, que queriendo apuntar al futuro se resuelve en una serie de recuerdos. En realidad –dice Wong Kar-wai–, es la historia de un hombre que se inventa a diferentes mujeres para no olvidar a la única que amó y que fue a la única que traicionó. La realidad y el deseo, el futuro (año 2046) imaginado desde los recuerdos de un escritor en la habitación 2.046 de un viejo hotel...

Viernes 31 de octubre. SILVER CITY (John Sayles) EUA, 2004

2008-10-31T01:56:00.003+01:00

SINOPSIS

Ambientada en Colorado, el corazón del “Nuevo Oeste”, durante la campaña electoral para las elecciones a gobernador del Estado, "Silver City" es una sátira política con tintes de cine negro. El nuevo candidato, siempre enfrentado con la gramática, es el heredero de una formidable dinastía de políticos de derechas. Mientras intenta abrirse camino hasta el despacho del gobernador, aparece un misterioso cadáver que amenaza su campaña, su imperio familiar, y el apoyo de los grupos de presión que mueven los hilos. El astuto jefe de campaña del candidato contrata los servicios de un periodista experto en destapar la corrupción, convertido ahora en detective privado para investigar posibles relaciones entre el cadáver anónimo y los prominentes enemigos de la familia del aspirante, silenciándolos. Siguiendo la tradición de la novela detectivesca, la investigación empieza pareciendo rutinaria, pero las pistas acabarán conduciendo a un submundo de coloristas pero sospechosos personajes cuyos motivos son bastante cuestionables. El investigador se topa con el estremecedor e interconectado mundo de las tertulias radiofónicas extremistas, grupos de presión, inmigración indocumentada, conglomerados mediáticos, y contaminadores del medio ambiente. Habiéndose acostumbrado con el paso de los años a aceptar pasivamente la corrupción como algo endémico, el sentido de la moralidad del detective renacerá a medida que la cadena de responsabilidades que va siguiendo, se acerca más y más a aquellos que lo contrataron.

El guión es del propio director quien se puso a escribir la historia tras las polémicas elecciones de 2000 y quería tenerla lista para antes de las elecciones de 2004. El CineClub Imaginario ha elegido este viernes anterior a las elecciones en Estados Unidos del próximo martes 4 de noviembre de 2008, para proyectar esta película que surgió de la necesidad de John Sayles de emitir un grito de alarma ante lo que podía suceder y sucedió. "Silver city" narra la investigación que un ex-periodista convertido en torpe detective realiza sobre la aparición de un cadáver desconocido en el lugar donde un senador republicano está rodando un spot electoral. Rápidamente la trama se va enredando hasta sacar a la luz toda una red de intereses económicos y miserias no por cotidianas menos escandalosas, que configuran el día a día de la realidad de la clase política norteamericana ligada a la administración Bush. Con un reparto infinito y fulgurante, entre los que cabe destacar a Danny Huston, hijo del mítico director John Huston, “Silver city” promete carcajadas pero con un mensaje de preocupación y urgencia.

UN CORAZÓN INVENCIBLE (Michael Winterbottom) RU-EUA, 2007

2008-10-16T00:14:00.004+02:00

SINOPSIS

El 23 de enero de 2002 el mundo de Mariane Pearl (Angelina Jolie) cambió para siempre. Su marido Danny (Dan Futterman), jefe de la oficina del sur de Asia del Wall Street Journal, investigaba para un artículo acerca del terrorista Richard Reid. Se desplazaron a Karachi, donde un intermediario había concertado una entrevista con una fuente muy esquiva. Al irse para la reunión, le dijo a Mariane que quizá se retrasaría. Nunca regresó.

Winterbottom en la caja de Pandora

Es la segunda vez que el director se adentra en el conflicto que Estados Unidos abrió contra parte del Mundo Árabe tras el 11-S. En el anterior film, En este mundo, describe el horror de dos refugiados del Afganistán posterior a los bombardeos norteamericanos, que huyen a Europa en busca del paraíso. En esta ocasión el objetivo de Winterbottom se fija en una pareja de periodistas occidentales: él es secuestrado por combatientes (terroristas) afganos en Karachi, próximos a los talibán y Al-Qaeda y ella sufre con impotencia la angustia de su desaparición.

Muchos son los elementos de esta película que nos remiten al Missing de Costa Gavras, tanto argumentales como narrativos: el secuestro del protagonista en un escenario bélico decorado por los EE.UU., el sufrimiento de su pareja que se erige en auténtica protagonista de la narración, el frecuente recurso al flash back, e incluso la secuencia antes de la desaparición, con un halo de despedida. Sin embargo la gran diferencia es la tensión que Winterbottom imprime desde el principio; una tensión conseguida mediante un montaje y una narración trepidante, sin concesiones, en la que sin duda influye la ausencia deliberada del secuestrado (desde que desaparece no sabemos qué está pasando con él); una tensión que va instalándose en el espectador y que sólo se resuelve con el desenlace narrativo de la cinta.

Con un tono casi documental, como hizo con En este mundo, Winterbottom consigue una película emocionante, que nos hace reflexionar sobre los conflictos internacionales, sus víctimas y verdugos, y la miseria que los alimenta.

LA VIDA ES UN MILAGRO (Emir Kusturika) Serbia-Montenegro, 2004

2008-09-24T11:14:00.008+02:00

Estrenamos esta nueva temporada del CineClub Imaginario con esta vitalista comedia del cineasta bosnio Emir Kusturika que, como es habitual en él, nos ofrece una mezcla desenfrenada de imágenes sugerentes y surrealistas, emociones, ternura, música y contrastes en una película que plantea la paradoja de tener un tono de comedia y optimista en un escenario bélico como el de la última terribles guerras que han asolado europa, la de los Balcanes.

Os adjuntamos a continuación la sinopsis y una crítica de Ruth Bautista

SINOPSIS

Bosnia, 1992. Luka (Slavko Stimac), un ingeniero serbio de Belgrado, se ha instalado en un pueblo en medio de ninguna parte con su mujer cantante de ópera, Jadranka (Vesna Trivalic), y el hijo de ambos, Milos (Vuk Kostic). Luka está preparando la construcción del ferrocarril que va a transformar la región en un pa-raíso turístico. Completamente absorto en su trabajo y cegado por su optimismo natural, está sordo al cada vez más persistente rumor de la guerra. Cuando el conflicto estalla, la vida de Luka se ve alterada: su mujer, Jadranka, desaparece del brazo de un músico mientras que su hijo, Milos, es llamado al frente. Siempre optimista, Luka aguarda el regreso de su familia, pero Jadranka no vuelve. Milos es hecho prisio-nero y el ejército serbio nombra a Luka guardián de Sabaha (Natasa Solak), una joven musulmana que ha sido tomada como rehén. Al po-co tiempo, Luka se ha enamorado de Sabaha, pero la joven está desti-nada a ser intercambiada por un prisionero serbio: su hijo Milos.

Con su última película, Emir Kusturica, nos presenta un soplo de vida, una inyección de energía de mas de dos horas y media que pasan tan rápido como la vida misma. La Vida Es Un Milagro, retrata muchas cosas, entre ellas y como trasfondo de una historia cualquiera, la última gran guerra de Europa, que todos hemos vivido, la de los Balcanes. Y lo cuenta desde fuera, sin tomar partido, lo cual le ha hecho recibir unas cuantas críticas, que él simplemente despeja bajo el paraguas del optimismo. Y este es uno de los puntos fuertes de la película, ya que muestra como la vida sigue incluso en las peores condiciones.

La historia de La Vida Es Un Milagro es tan local, que es universal. Y lo que la hace especial es ese toque tan esencialmente ‘Kusturica’ que logra imprimir una energía desproporcionada a aquello en lo que fija su mirada. En el film se come, se bebe, se ama y se odia, se canta y se baila tan desproporcionadamente, que el retrato final, enmarcado en una maravillosa banda sonora, es simplemente magnífico.

Es destacable también, la más que curiosa relación que el director mantiene con los animales, hasta el punto de personificarlos en muchos momentos proporcionándonos una pizca de absurdo.

El punto de humor negro, lo dedica Kusturica al papel que cumplieron los grandes medios televisivos, ejemplificados en una suelta reportera americana, en la guerra, a quienes les dedica un rotundo eructo.

Las actuaciones, junto con el paisaje balcánico, son los dos pilares en los que se apoya Kusturica para crear toda la explosión de vida; partiendo de la serena Julieta eslava (Natasa Solak), el optimista hasta la ceguera Romeo (Slavko Stimac), quien personifica la mirada de Kusturica, la histérica e histriónica pirada (Vesna Trivalic) y el resto del reparto, incluyendo al propio hijo de Emir, Stribor Kusturica, en el papel de un capitán serbio.

Como no es posible de otro modo, la música en este film recrea el personal mundo del director y sirve de enlace general para todas las piezas del rompecabezas, guiadas metafóricamente por esas vías del tren vacías en las que todos los que sufren mal de amores, burra incluida, se quieren suicidar, aunque para ello tengan que esperar al tren que nunca pasa por ellas.

CONVERSACIONES CON MI JARDINERO (Jean Becker) Francia, 2007

2008-06-03T13:07:00.004+02:00

El sábado 7 de junio a las
20:30 en la Casa de la Cultura de Valencina (Sevilla)

Titulo Original: Dialogue Avec Mon Jardinier
Género: Drama
Nacionalidad: Francia
Año: 2007
Director: Jean Becker
Guion: Jean Becker, Jean Cosmos
Reparto: Daniel Auteuil, Jean-Pierre Darroussin, Fanny Cottençon, Élodie Navarre, Alexia Barlier, Hiam Abbass
Basada en una novela de Henri Cueco.

Cerramos la temporada del CineClub Imaginario con esta sencilla y emocionante película de Jean Becker (La fortuna de vivir).
Después de haberse dado a conocer en París, un pintor quincuagenario regresa a su pueblo natal en la Francia profunda para instalarse en la casa donde pasó su infancia. Un jardín de buenas proporciones rodea el edificio, pero no sabe ni le apetece cuidarlo. Prefiere poner un anuncio en el periódico local. El primer candidato, y el definitivo, es un antiguo compañero de colegio milagrosamente reencontrado después de tantos años. Será el jardinero.
En su contacto diario con el jardinero, el pintor descubre, mediante toques impresionistas, a un hombre que primero le intriga y que acaba por asombrarle gracias a su franqueza y a la simplicidad de la mirada con la que ve el mundo. Su vida está marcada por referencias sencillas. Una felicidad sin aspavientos. El jardinero no conoce la amargura ni la envidia. Sus héroes siempre son gente modesta.
Su sistema de valores tiene un criterio único que, de forma consciente o no, le sirve para juzgar las cosas y las personas: el sentido común. El arte del que vive su amigo no goza de su aprobación hasta que puede observarlo discretamente durante horas.
Prosiguen una especie de adolescencia tardía y fraternal en la que se mezclan sus familias, sus conocimientos, las zanahorias, las calabazas, la vida, la muerte, viajar en avión, las grosellas, los gustos y los colores. Lo redescubren todo a través de la mirada del otro y renuevan el espectáculo del mundo.
Sin grandes alborotos, nos invitan a compartir su descubrimiento del día a día.
El jardinero planta para ofrecer y el pintor pinta para mostrar.
Haciendo clic aquí puedes acceder a la web de la película
En esta página puedes contemplar trailers en francés de la película
Trailers en español:

PI (FE EN EL CAOS) Darren Aronofsky EUA, 1998

2008-05-15T21:23:00.009+02:00

Dirigida por Darren Aronofsky
Historia escrita por Darren Aronofsky, Sean Guillete y Eric Watson
Banda sonora de Orbital, Massive Attack

Sinopsis:
Con "Pi (fe en el caos)", el CineClub Imaginario propone uno de los títulos más complejos en sus más de tres años de andadura. La película empieza en un cúmulo de complejidades para llevar al protagonista a la más absoluta simplicidad al final de la cinta.
Max Cohen es un brillante Matemático (especialista en la rama computacional) paranoico e inseguro que sufre continuos dolores de cabeza fruto de su vida encerrada y silenciosa. A causa de sus miedos y dudas existenciales, vive en un piso con seis cerraduras y un súper ordenador de cálculos. Además no soporta el contacto humano salvo con un anciano profesor con el que juega al go (ajedrez chino). La vida de Max se hace todavía más dura cuando descubre y relaciona el número que mueve la existencia de todo ser vivo. Evidentemente es el número Pi. Tras hacer este descubrimiento (al que le falta la sucesión de números que lleve al porque de ese valor constante), Max comienza a ser perseguido por varios grupos que desean los servicios del matemático y la revelación de su secreto. Por una parte tenemos a una gran corporación de Wall Street que son los primeros en buscar a Max. Le ofrecen grandes sumas de dinero, pero el no lo quiere y le comienzan a perseguir. En una de estas persecuciones se encuentra con un grupo judío Hasidic, en un principio amables con el protagonista (incluso le llegan a redescubrir los secretos de las matemáticas de la Torah). Pero al final también interesados en las formulas de la existencia. Esta situación produce en Max un aumento de paranoias y dolores de cabeza que le lleva a tomar una decisión para simplificar su vida.

La espiral de Arquímedes
En una parte de la película se muestra a Max intentando establecer relación entre la espiral de Arquímedes y el hombre de Vitrubio por Leonardo Da Vinci (que nos lleva a considerar al número aureo como símbolo de la simetría perfecta).
La espiral de Arquímedes viene definida por una forma helicoidal y por llevarlo de algún modo a la vida cotidiana podemos decir que las brocas de las taladradoras están formadas por una espiral de Arquímedes.
La espiral fue inicialmente estudiada por Conon, pero más tarde (225 A. de C.) fue Arquímedes quien pudo determinarla y establecer tangentes a la espiral.
Aquí unas palabras del propio Arquímedes:
"Imaginaos una línea que gira con velocidad constante alrededor de un extremo, manteniéndose siempre en un mismo plano, y un punto que se mueve a lo largo de la línea con velocidad lineal constante: ese punto describirá una espiral"

El final de Pi
La película esta sujeta a muchas interpretaciones. Quizá el final sea un alegato a favor de una simplificación de la vida. Después de estar deliberando, sufriendo por hallar la verdad, el matemático llega a la conclusión de que debe simplificar su vida, no puede continuar con los intensos dolores de cabeza, los pinchazos y la persecución. Por ello, deja que la formula se quede en el olvido, y eso sólo se puede hacer borrándola de su memoria. La conclusión podría ser contraria a la frase del filosofo John Stuart Mill:
"Mas vale ser un Sócrates insatisfecho, que un cerdo satisfecho"
El genio renuncia a su saber por una mejor calidad de vida.

(Revisión de un texto de Ricardo Colmenero)

Trailer de la película:

Enlaces de interés:

Interesantísima página oficial de la película creada por su protagonista

Enlace sobre el uso de la película para enseñar matemáticas en el ESO y Bachillerato

Magnífico enlace de "microsiervos
Crítica de Alejo Cuervo

EL SECRETO DE LA ISLA DE LAS FOCAS (John Sayles) Irlanda-EUA, 1994

2008-05-07T02:09:00.005+02:00

Director: John Sayles / Productor: Sarah Green y Maggie Renzi / Guión: John Sayles, según la novela "Secret of the Ron Mor Skerry" de Rosalie K. Fry / Fotografía: Haskell Wexler / Música: Mason Daring / Montaje: John Sayles / Intérpretes: Jeni Courtney (Fiona), Pat Slowey (sacerdote), Dave Duffy (Jim), Declan Hannigan (hermano mayor), Mairead Ni Ghallchoir (tabernera), Eugene McHugh (primer dueño de la taberna), Tony Rubini (segundo dueño de la taberna), Eileen Colgan (Tess), Mick Lally (Hugh), Richard Sheridan (Eamon), Micheal MacCarthaigh (maestro de escuela), John Lynch (Tadgh) / Año y nacionalidad: USA 1993. Duración y datos técnicos: 103' C scope

La película narra, a partir de una novela de Rosalie K. Fry, inédita en España, la llegada de una niña a una isla para convivir con sus abuelos y cómo va tomando contacto con una realidad anclada en viejas leyendas irlandesas, donde emergen mujeres-foca y un niño que vive en las olas mantenido por las focas y que coexisten paralelamente con la sociedad rural isleña. Esa cotidianeidad de lo fantástico, planteada por Sayles con una sencillez conmovedora, va erigiéndose paulatinamente en el centro de la historia y una vez toma posesión de la narración, todos los personajes lo aceptan con una naturalidad asombrosa. La hermosa música, inspirada en composiciones populares irlandesas, la impresionante fotografía, sus naturalistas intérpretes, la plácida mirada, al fin, de realismo mágico que le otorga Sayles en calidad de guionista, director y montador, confirman a El secreto de la isla de las focas como una de las más importantes manifestaciones de cine fantástico de los últimos años.

Enlaces de interés relacionados con la película:
Pinchando aquí, se puede leer una interesante crítica de Javier Castro

Trailer en español de la película:

Trailer en V.O.:

PEQUEÑA MISS SUNSHINE (Jonathan Dayton - Valerie Faris) EUA, 2006

2008-04-20T21:13:00.007+02:00

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 101 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).
Guión: Michael Arndt.
Producción: Marc Turtletaub, David T. Friendly, Peter Saraf, Albert Berger y Ron Yerxa.
Música: Mychael Danna.
Fotografía: Tim Suhrstedt.
Montaje: Pamela Martin.
Vestuario: Nancy Steiner.
Estreno en USA: 26 Julio 2006.
Estreno en España: 20 Octubre 2006.

El CineClub Imaginario hace una nueva incursión en el interesantísimo cine independiente norteamericano con esta comedia vitalista y nada convencional. Una “road movie” con todos los ingredientes de este subgénero, que nos cuenta una historia de perdedores, pero en la que lo importante, más que la historia en sí es cómo se cuenta esa historia.
Excelente el tratamiento que se da en Pequeña Miss Sunshine a las rarezas humanas, a esos personajes inadaptados que tratan sin posibilidad alguna, consciente o inconscientemente, de ser como los demás.
Pequeña Miss Sunshine es una “road movie” antológica, alegremente ácida, corrosiva en su forma sencilla de mostrar las enfermedades de una sociedad, la americana, demasiado entregada a satisfacer placeres de forma inmediata y convertirlo todo en fast-food, en producto de consumo rápido, sea una hamburguesa, sea un libro, sea una película.
La familia protagonista (Los Hoover) son el paradigma de la familia rota: nadie tiene la cabeza donde debe. Hay un adolescente que no habla para imponerse una disciplina, un abuelo pornógrafo que esnifa heroína en los ratos libres y aconseja el amor libre y el fornicio como hobby, un padre enganchado a la sociología light, un cuñado gay recién salido de una intento de suicidio, una niña regordeta que quiere ser miss y una madre abnegada, auténtico pulmón de una familia destinada a reventar en cualquier minuto del día.
Amable, ácida, perversa, íntima, coloquial: hay muchos adjetivos. La cualidad, sin embargo, más dominante es el optimismo, el hecho crucial de que una carretera marque el norte, el futuro. O que una furgoneta desmantelable en pura chatarra no ceje en su destino final: el hotel de Redondo Beach ( California ) en el que va a tener lugar un concurso singular, la elección de Miss Sunshine, el aberrante concurso de niñas en donde, al final, se produce el desenlace fabuloso, una especie de clímax metafísico en el que uno se reconcilia con la bondad del cine, con su bendita catarsis.
El viernes 25 de abril, en el CineClubn Imaginario, no veréis la mejor película del año, pero sí una de las más frescas, irónicas, mordaces y, sobre todo, agradables.

Enlace a la página oficial de la película (se puede ver un trailer)

Crítica y trailer de la película en español:

Trailer en inglés de la película:

LA DIGNIDAD DE LOS NADIES (Fernando Pino Solanas) Argentina, 2005

2008-04-15T00:10:00.009+02:00

Durante los años 90 reiteraron la idea de que la realidad no podía ser cambiada, que debíamos resignarnos al camino único neoliberal. Una cultura de la derrota, amnésica e hipócrita, caló hondo en los sentimientos de millones de personas. Pero otra realidad venía demostrando lo contrario a través de miles de actos individuales y colectivos. Con “La Dignidad de los Nadies” he querido revelar las pequeñas victorias y hazañas cotidianas de “los nadies”, alternativas y propuestas solidarias que demuestran cómo este mundo puede ser cambiado.

Con esta “nota de intención” del autor, os presentamos esta magnífica película documental que reflexiona, a partir de la historia reciente argentina, acerca de las alternativas posibles para enfrentarse, de forma organizada y pacífica, a un Sistema injusto y contradictorio.

La Génesis de la película según su autor

“La Dignidad de los Nadies” se concibió a partir de la catástrofe social que la Argentina vivió a comienzos del siglo XXI: 25% de desocupados y 60% de pobres e indigentes. Éramos capaces de alimentar 300 millones de personas y se morían de hambre o enfermedades curables cien personas al día. Más muertos por año que todos los desaparecidos del terrorismo de Estado. La tragedia me empujó a hacer memoria contra el olvido. Los más jóvenes preguntaban qué había sucedido y aunque lo habíamos denunciado muchas veces durante los 90, era necesario traer las imágenes de esa historia y colocarlas en su contexto. Así nacieron “Memoria del Saqueo” (2002/2004), un análisis de las políticas del poder, y “La Dignidad de los Nadies”, construida con relatos e historias de algunos protagonistas de la resistencia social. Una epopeya anónima y cotidiana de los traicionados de siempre: clases medias empobrecidas desocupados o piqueteros que salen a cortar rutas.
En los años 90 se impuso, a través de los medios, el discurso del único camino. Una cultura de la derrota que aun perdura en millones de personas, a pesar de cientos de movilizaciones que demostraron la posibilidad de vencer la impunidad. La insurrección espontánea del 19 y 20 de diciembre del 2001 será una de las primeras victorias contra el modelo global. En “La Dignidad de los Nadies” se recogen experiencias a través del relato de sus protagonistas. Difícil imaginarse que las chacareras, ajenas a los asuntos bancarios o políticos, iban a ser capaces de organizar un vigoroso y original movimiento de resistencia enfrentando a los bancos e impidiendo más de mil remates judiciales. Los comedores barriales y comunitarios, los dispensarios, panaderías y otras iniciativas sociales creados por los vecinos para dar respuesta a la pobreza y al hambre. Las decenas de marchas del silencio de familiares de las víctimas de las mafias policiales que lograron desenmascarar a los asesinos y llevarlos a juicio. Las fábricas recuperadas por sus ex trabajadores demostrando que con la autogestión y sin estructuras jerárquicas de gerentes y capataces, podían producir con eficiencia y calidad.

Enlaces con más información acerca de la película:
Página oficial de "La dignidad de los nadies"
Crítica en "Clarín"
Trailer de la película:

LONE STAR (John Sayles) EUA, 1996

2008-03-24T00:31:00.009+01:00

Ficha Artística:
Director: John Sayles
Actores: Stephen Mendillo, Frances McDormand, Kris Kristofferson, Matthew McConaughey, Elizabeth Pena, Stephen J. Lang, Chris Cooper
Duración: 130 min

Terminamos el trimestre compartiendo una nueva obra de John Sayles (“Casa de los babys”,”La tierra prometida”) que, como siempre, él mismo escribe, monta y dirige de un modo que roza la perfección. Dota a su historia de un magnífico hilo conductor (la investigación policial), y alrededor de él trenza los avatares de un puñado de personajes de raíces anglosajonas, hispanas y africanas, llenos de matices y humanidad. Las preocupaciones humanas y sociales habituales de Sayles se manifiestan aquí en la mezcla de razas y su difícil convivencia, los inmigrantes ilegales del otro lado del río Grande, la habitual ley del más fuerte. Todo ello con personas de carne y hueso, vulnerables, de cuyas relaciones (padres-hijos, hombre-mujer, patrón-empleado, amigos) emergen, con naturalidad y sin simplificaciones maniqueas, multitud de lúcidas preguntas y enriquecedoras reflexiones.
El magnífico guión, nominado al oscar como mejor guión original, consigue contar una serie de historias entrelazadas y complejas, de forma clara, usando recursos formales sorprendentes.

Crítica
Con un pie en el western contemporáneo y otro en el thriller más innovador, John Sayles consiguió con "Lone Star" crear una película altamente metafórica en la que más allá de la tensa historia que se narra se propone una interpretación de la historia de Estados Unidos.
En "Lone Star", la aparición del cadáver descompuesto del sheriff local, desparecido 40 años atrás, obra como detonador de una cadena de situaciones gracias a las cuales se demuestra que el pasado regresa siempre, en tanto que territorio y refugio de la mentira.
"Lone Star" es una película llena de pliegues y de ecuaciones por resolver, en la que todos los personajes, incluso aquellos que menos lo parecen, tienen algo que ocultar. Y es también una arriesgada apuesta crítica con la historia oficial, la que se construye a golpe de hazañas de héroes que aquí, como casi siempre, se presentan con pies de barro.
En la que probablemente sea su mejor película hasta la fecha, John Sayles se reveló como un excelente guionista que crea situaciones y diálogos de profundidad y trascendencia, mientras que como director se muestra aplicado, conciso y nada barroco, rasgos de estilo que se antojan estrictamente necesarios para sacar adelante y con éxito esta historia que, en un nivel de lectura más detallado, no hace sino girar una vez más en torno al eterno mito de Edipo al que con tanta frecuencia vuelve el cine una y otra vez.

Enlaces de interés a propósito de la película:
Trailer de Lone Star por gentileza de The New York Times.
Estracto del libro "Huevos de serpiente" de Chema Castiello
Acerca de la filmografía de John Sayles.
Sobre Sayles en general.
Qué dicen en Bloggermanía.
Un interesante enlace.
Y otro más.

DESEANDO AMAR (IN THE MOOD FOR LOVE) (Wong Kar-Wai) Hong-Kong, 2001

2008-03-03T00:49:00.006+01:00

"Es la película de tema amoroso más sobresaliente del nuevo milenio. Es toda una experiencia, el experimento más logrado de llevar un amor tangible, palpable, a la pantalla, gracias a un torbellino de hermosas imágenes, una música insinuante y unas interpretaciones excepcionales.”

Esta es una muestra reveladora de la opinión de la crítica acerca de esta realización de Wong Kar-Wai, un realizador taiwanés que os presentamos con esta proyección.

Ambientada en Hong Kong, años 60. Con una estética innovadora y tremendamente sugerente. Es una oportunidad de disfrutar dejándose envolver con esta propuesta artística.

Sinopsis:

Hong Kong, 1962.
Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai.
Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo.
Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. Un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos
cónyuges están teniendo una relación amorosa.

Más críticas y comentarios en los siguientes enlaces:

Una interesante crítica de Adolfo Bellido en http://www.encadenados.org/n20/deseando_amar.htm
La entrada de la Wikipedia en
http://es.wikipedia.org/wiki/Deseando_amar
Los comentarios de "Blog de cine" en
http://www.blogdecine.com/2007/09/18-deseando-amar-deseando-sufrir
Y Miguel Ángel Torres en Aloha Criticón
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article607.html

A continuación os mostramos algunos trailers de la película:

LAS HORAS (Stephen Daldry) EUA-RU, 2002 (114') Viernes, 15 de febrero de 2008

2008-02-06T19:51:00.003+01:00

El director de “Billy Elliot” narra magistralmente en “Las horas" la historia de tres mujeres en la búsqueda del sentido de sus vidas. Cada una vive en una época y lugar diferentes, pero están vinculadas entre sí por sus anhelos y sus miedos. Virginia Wolf (Nicole Kidman), en los suburbios de Londres en 1920, cuando comienza a escribir su primera novela “Mrs. Dalloway”. Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre en Los Angeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, está leyendo “Mrs. Dalloway”, novela que encuentra tan reveladora que decide hacer un cambio abrupto en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de la Sra. Dalloway de Wolf, vive en la ciudad de Nueva York en la actualidad y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta que está muriendo de SIDA. Las historias de ellas tres interactúan, y finalmente se encuentran en un sorprendente y trascendente momento de compartido reconocimiento.

Enlaces de interés a propósito de "Las horas":

En este enlace se puede leer la opinión acerca de la película de un colectivo de mujeres latinoamericanas.
Reseña sobre el libro de Michael Cunningham en el que se basa el guión de la película.
Qué datos aporta la Wikipedia sobre la película
Críticas en "La butaca"
Datos acerca de la película en "Portalmix"
Las horas en "cinengaños"
La opinión de "Filmaffinity"

Trailer de la película

CACHÉ (Michael Haneke) Francia, Austria, Alemania e Italia, 2005

2008-01-29T00:36:00.000+01:00

Dirección y guión: Michael Haneke.
Países: Francia, Austria, Alemania e Italia.
Año: 2005.
Duración: 115 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Daniel Auteuil (Georges), Juliette Binoche (Anne), Maurice Bénichou (Majid), Annie Girardot (Madre de Georges), Lester Makedonsky (Pierrot), Bernard Le Coq (Editor), Walid Afkir (Hijo de Majid), Daniel Duval (Pierre), Nathalie Richard (Mathilde), Denis Podalydès (Yvon), Aissa Maiga (Chantal).
Producción: Margaret Menegoz y Veit Heiduschka.
Fotografía: Christian Berger.
Montaje: Michael Hudecek y Nadine Muse.
Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny y Christoph Kanter.
Vestuario: Lisy Christl.

“Haríamos cualquier cosa por no perder nada”

SINOPSIS

Georges (Daniel Auteuil), de profesión periodista, empieza a recibir vídeos, rodados a escondidas en la calle en los que se le ve con su familia, acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto.

UNA MIRADA INQUIETANTE

Europa ha conquistado unas cimas de democracia, libertad y bienestar para sus ciudadanos –nosotros-, impensables en cualquier otra parte del mundo. Pero el camino recorrido está en muchas ocasiones jalonado de situaciones de crueldad, injusticia y discriminación, que son escondidas debajo de la alfombra. La tarea de Michael Haneke consiste en ir levantándola en cada una de sus películas. En ésta su última entrega hasta el momento, nos muestra la mala conciencia de la sociedad francesa frente a los sucesos que llevaron a la independencia de Argelia y de cómo sus secuelas aún perduran. Y lo hace de forma alegórica, acusando con el dedo a Georges, que es obligado a rememorar su pasado, lo que hará tambalearse su cómodo estatus social actual. No se trata de la culpabilidad de un niño que se portó mal cuando tenía 6 años. Se trata más bien de la culpabilidad del hombre en el que se ha convertido cuando vuelve a encontrar al que ofendió entonces, a pesar de tener una elección moral. Pero prefiere huir. Esto hará que el problema siga a lo largo del tiempo.

Formalmente Haneke nos muestra una obra hiperrealista, densa, con largos silencios en planos-secuencia con cámara fija que contribuyen a crear ese ambiente de intriga que se mantiene durante toda la película, apoyado en un montaje preciso que marca un ritmo aparentemente sosegado. La secuencia final con los títulos de crédito, gemela de la secuencia inicial, lejos de proponernos una historia estructuralmente cerrada, como podríamos percibir, abre la puerta a la continuación de una historia que se mantiene inconclusa. Esto es quizás lo más inquietante del planteamiento del film.

Le grand voyage (Ismaël Ferroukhi) Marruecos, 2004

2008-01-20T21:40:00.000+01:00

Paises: Marruecos y Francia.
Dirección y guión: Ismäel Ferroukhi.
Año: 2004.
Duración: 108 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nicolas Cazalé (Réda), Mohamed Majd (El padre), Jacky Nercessian (Mustapha), Ghina Ognianova (Mujer anciana), Kamel Belghazi (Khalid), Atik Mohamed (Viajero Ahmad), Malika Mesrar El Hadaoui (La madre), François Baroni (Aduanero italiano), Krassi Kpacu (Aduanero serbio), Kiril Kavadarkov (Camarero yugoslavo), Nihat Nikebel (Jefe policía).
Música: Fowzi Guerdjou. Fotografía Katell Djian. Montaje: Tina Baz.
Vestuario:Christine Brottes.

Pocas semanas antes de iniciar sus exámenes para entrar a la universidad, Réda (Nicolas Cazalé), un joven que vive en el sur de Francia, se ve forzado a llevar a su padre a La Meca. Desde el comienzo el viaje parece difícil. Réda y su padre (Mohamed Majd) no tienen nada en común. Las conversaciones se reducen al mínimo. Réda quiere experimentar este viaje a su manera. Su padre exige respeto hacia él y hacia el peregrinaje. A medida que cruzan países y conocen diferentes tipos de gente, Réda y su padre se observan de forma cuidadosa. ¿Cómo pueden tener una relación si la comunicación es imposible? Desde el sur de Francia, a través de Italia, Serbia, Turquía, Siria, Jordania, hasta Arabia Saudí, la travesía alcanza los 4.800 kilómetros.

Road movie al estilo musulmán con moraleja de fondo, dirigida por el cineasta marroquí Ismaël Ferroukhi, que se inspiró en un viaje semejante realizado por su padre. El viaje cobra significación también para el joven, al que los valores occidentales más materialistas han hecho mella. A Réda le impresiona la fe de la gente en el tramo final del film -impresionantes imágenes de La Meca-, y también la sabiduría inesperada de su analfabeto padre.

El film está lleno de toques de humor, especialmente en los encuentros con los extranjeros, quienes hablan sin parar durante un largo tiempo, y de quienes ni los protagonistas ni los espectadores comprenden una sola palabra. Pero incluso los encuentros con la muerte (personificada por una anciana vestida de negro, que se les mete en el auto sin su consentimiento) están tratados desde la comedia.

Es muy interesante el modo en que este director marroquí logra crear diferentes climas para el planteamiento de la relación entre padre e hijo; climas que se construyen desde los diálogos y los silencios, desde los lugares por los que transitan, o desde las maravillosas actuaciones de los protagonistas.

La película estuvo nominada al premio Bafta en 2006 y Mohamed Madj consiguió el premio Mar de Plata al mejor actor en 2005. También obtuvo el premio al mejor trabajo de un director novel en el Festival de Venecia en 2005.

Trailer 1 Trailer 2 Trailer 3

BIG FISH (Tim Burton) EUA, 2003

2008-01-04T21:03:00.000+01:00

Direción: Tim Burton
Guión: John August
Reparto: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Bonham Carter, Robert Guillaume, Marion Cotillard, Matthew McGrory, Danny DeVito, Ada Tai, Arlene Tai, Steve Buscemi
Productores: Bruce Cohen, Dan Jinks, Richard D. Zanuck

SINOPSIS:
Tras regresar a casa para estar al lado de su padre moribundo, y sentarse al lado de su cama, William Bloom se ve forzado a escuchar las interminables historias de la juventud de su padre. Asi, el joven Will tratará de saber más de su padre moribundo, separando los hechos de la ficción, a través de los mitos e historias que su padre le narraba... en un intento por desvelar la verdadera realidad.

Estrenamos el año con una obra mayor en la filmografía de este personalísimo director americano, una original y exquisita mezcla de drama, comedia y fantasía que obtuvo muy buena acogida entre el público. Sin olvidar su toque gótico, Burton adereza de nostalgia, sonrisas y melancolía su mundo "ficticiamente real" para conmover más que nunca en un final maravilloso que apunta directo al corazón. La mejor y más genial crítica de "Big Fish" la dió un crítico americano: "Es un película preciosa... y discúlpenme, que tengo que llamar a mi padre." (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Pinchndo aquí puedes ver el trailer de la película (en inglés).

Pinchando aquí puedes visitar la página oficial de la película (también en inglés)

MATCH POINT (Woody Allen) RU, 2005

2007-12-10T01:36:00.000+01:00

Dirección y guión: Woody Allen
País: Reino Unido.
Año: 2005.
Duración: 123 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (Chris Wilton), Matthew Goode (Tom Hewett), Emily Mortimer (Chloe Hewett Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Brian Cox (Alec Hewett), Penelope Wilton (Eleanor Hewett), James Nesbitt (Detective Banner), Alexander Armstrong (Sr. Townsend), John Fortune (John), Ewen Bremner (Inspector Dowd).

Producción: Letty Aronson, Gareth Wiley y Lucy Darwin.
Fotografía: Remi Adefarasin.
Montaje: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Jim Clay.
Vestuario: Jill Taylor.
Estreno en España: 4 Noviembre 2005.

Sinopsis

Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) es un tenista profesional irlandés retirado, que busca trabajo (y lo encuentra) como profesor de tenis para personas de la alta sociedad londinense. Este trabajo le lleva a conocer a Tom Hewett (Matthew Godde), un joven miembro de la clase alta, que al conocer su afición por la ópera lo invita al palco familiar, en donde entrará en contacto con la élite londinense. La hermana de Tom, Chloe (Emily Mortimer), que relevó a la inicialmente prevista (Kate Winslet), se enamora de Chris, lo introduce en la empresa familiar y acabará casándose con él. El ascenso social de Chris le lleva a alcanzar casi todo aquello que puede desear, aunque se siente atraído por la novia de su cuñado, Nola (Scarlett Johansson), con la que mantendrá una relación.

Comentario

Se trata de una de las películas más sólidas del director neoyorquino Woody Allen, y probablemente la mejor de su última época. Cabe destacar que Allen no filmó esta película en su Nueva York natal, sino que rodó en Inglaterra. Su anterior película filmada en Europa, Love and Death, data de 1975.

Con una evidente influencia de Un lugar en el sol de George Stevens, Allen reflexiona la identificación fraterna, el deseo y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso social, mostrando su amor por los temas de Dostoievski, con alusiones explícitas a Crimen y Castigo.

El azar como motor de la existencia, el papel que debe de jugar la ética cuando ya no existe Dios, como Nietzsche defendió en su filosofía. Ya no hay pagador, las buenas acciones no van seguidas de recompensa ni las malas de castigo. Un crimen puede salir impune si el azar juega en su favor, del mismo modo que el protagonista de la película no tendrá que dar cuenta de sus actos.

Woody Allen da una nueva vuelta de tuerca a la reflexión filosófica que acompaña a todo su cine, en una película que es excelente en el más clásico sentido de la palabra. Una película donde los hombres ya no responden ante los dioses de sus actos, sino que se limitan a esperar a que la suerte les sea favorable.

Pinchando aquí puedes encontrar más a propósito de la película.

Programación diciembre 2007

2007-11-26T00:48:00.001+01:00

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

2007-11-26T00:33:00.000+01:00

Dirección: Theo Angelopoulos. Intérpretes: Harvey Keitel (A), Maïa Morgenstern (Las mujeres de Ulises), Erland Josephson (Conservador de la cinemateca), Yorgos Michalakopoulos (Nikos, el amigo periodista), Thanassis Vengos (El taxista), Dora Volanaki (la señora mayor). País: Francia-Italia-Grecia. Año: 1995. Argumento: Libremente inspirado en La Odisea, de Homero. Guión: Tonino Guerra, Theo Angelopoulos, Petros Markaris y Giorgio Silvagni. Música: Eleni Karaindrou. B.S.O.: ECM New Series. Fotografía: Yorgos Arvanitis. Dirección artística: Yorgos Patsas y Miodrag Mile Nicolic. Montaje: Yannis Tsitsopoulos. Estreno en Madrid: 31-VIII-96 (Princesa, Renoir). Distribuidora cine: Cine Company. Distribuidora vídeo: Columbia TriStar / Cine Company. Duración: 176 minutos. Género: Road-movie dramática. Premios principales: Gran Premio del Jurado y Premio Fipresci de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1995. Nasti d’Argento de la crítica italiana al mejor director extranjero. Premio Sant Jordi 1996 a la mejor película extranjera. Nominación al Premio Goya 1996 a la mejor película europea. Público apropiado: Adultos.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 1995. Obtuvo también el Premio Fipresci de la Crítica Internacional y es, con justicia, una película valorada por la crítica, cinéfilos y amantes del arte en general, pero de difícil asimilación para un público mayoritario, tan abotargado hoy por ciertos productos norteamericanos de consumo.

Estructurada en lo básico como La Odisea, cuenta la vuelta de A. (Harvey Keitel), cineasta exiliado en EE.UU., a su ciudad natal de Grecia, para asistir a la proyección de una de sus películas políticamente más conflictivas; pero su principal interés está en encontrar la primera película de los hermanos Manakis, documental e historia de los últimos 50 años de los Balcanes. En su búsqueda, en su odisea, su mirada recogerá la vida —actual y el recuerdo— de diversas ciudades, de Grecia, Albania, Macedonia, Bulgaria, la frontera entre Serbia y Rumania: el Danubio, el Drina... hasta llegar a Sarajevo, donde alcanza su deseo, y encuentra en sí mismo tal vez, cerrando la mirada, un mundo ya perdido, su autobiografía y la de muchos otros... Ante tanta muerte y destrucción, odio entre razas, parece perderse la capacidad de ver, y se quedan los ojos de A. —del hombre— como ciegos, confundidos: «Nuestro siglo comienza y acaba en Sarajevo», dice Angelopoulos, y cita a T.S. Eliot como conclusión: «Cuando el principio y el final se confunden, la historia no nos ha enseñado nada». Tal vez no sea cierto.

Así, La mirada de Ulises es un lento y largo viaje, ensimismado, en el que la mirada interior parece ponderar, cada vez más abrumada, el porqué de tanta ruina. En este viaje de A. hay lugar para la amistad, nunca perdida, y para el amor nunca alcanzado: Una mujer distinta (siempre interpretada por la actriz Maïa Morgenstern) aparece fugazmente junto a A. en todas las ciudades por las que pasa. Paisajes desolados, ciudades desiertas, escombros, fuegos, lejano sonar de bombas, lento fluir de ríos... como si no desearan nunca llegar. Perfiles y sombras, contrastes trágicos, tanto, que parece estar viéndose todo en blanco y negro. Apenas hay palabras. Todos los lenguajes y técnicas narrativas están presentes en esta magna realización.

Angelopoulos —autor desde 1965 de una docena de obras— ha llevado a cabo una obra perdurable, no condicionada a este tiempo de guerra, aunque de él tome su vívida experiencia. Memorables secuencias, largamente sostenidas, quedarán sin duda como perfectas muestras de narrativa cinematográfica. La destrucción humana, que el espectador ve junto al sobrio protagonista, no es tanto una desesperanzada definición del hombre, sino comprensible tristeza tras la muerte de esta amplia patria, que habrá de ser restaurada, sobre todo expulsando de ella el odio. Más adelante, cuando la mirada de Angelopoulos se ilumine con la fe, habrá de componer un canto de esperanza.

Acerca de PARADISE NOW

2007-11-24T02:14:00.000+01:00

Hayas podido ver la película o no, si deseas volver a ver alguna secuencia o la película entera, puedes hacerlo. eso sí en versión doblada. pinchando aquí

PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

2007-11-18T12:26:00.000+01:00

Nacionalidad: Palestina, 2005
Género: Drama
Duración: 90 m.
Dirección: Hany Abu-Assad
Intérpretes:
Kais Nashef (Said)
Ali Suliman (Khaled)
Lubna Azabal (Suha)
Amer Hlehel (Jamal)
Hiam Abbass (Madre de Said)
Guión: Hany Abu-Assad
Bero Beyer
Pierre Hodgson
Fotografía: Antoine Héberlé
Música: Jina Sumedi

Hany Abu-Assad recupera sus raíces palestinas y se traslada a la Cisjordania de la segunda intifada para contarnos “Paradise now”, la historia de dos jóvenes palestinos amigos desde pequeños que deciden actuar ante la agobiante ocupación de su ciudad (Nablus) de la única manera que comprenden como posible, por lo que recubren su cuerpo de explosivos y se lanzan al ataque secundados por una organización de artificieros caseros, ideólogos que no se inmolan y leyendas de mártires. Para ello, y para recuperar el realismo perdido en los documentales alejados de la raíz del problema, el director rueda el film en 35 milímetros y en la zona de Cisjordania, lo que le supuso un verdadero calvario (cada día tenían que parar de filmar al estar en zona de fuego cruzado y seis técnicos alemanes abandonaron el rodaje, entre otras dificultades). Pero esta circunstancia también dio como resultado una imagen lejos del movimiento, la rapidez, o la mala calidad justificable para ciertos géneros. Abu-Assad ha compuesto una verdadera historia con principio y fin, con personajes, con localizaciones reales, tanto interiores como exteriores e indagando en la vida de dos suicidas, en su día a día, en sus motivaciones o en la falta de éstas. El resultado final resulta estimulante para el espectador y le hace pensar en la otra cara de la moneda, en la ambigüedad que suponen los términos de víctima y opresor.

Más críticas:

En esta película el paraíso es una declaración política ambigua justo por estar tramada en un ejemplo de cine excelente, difícil y comprometido que consigue su propósito.

Lo impresionante de Paradise now es que no es un panfleto político pese a narrar las últimas 72 horas de dos amigos que llevan toda la vida preparándose en secreto para morir por su ley y su patria. A veces hay demasiado autoanálisis psicológico, y la película tal vez tenga uno de sus puntos flojos en la historia de amor de último momento.

La película traspasa y supera la política para hablar de la humanidad en presente, directamente, provocando muchas dudas profundas en un espectador que si no se emociona será porque se resiste, solventando las pequeñas fallas del guión con una propuesta valiente y una dirección impresionante de principio a fin.

Estamos ante un film situado lejos de la grandilocuencia, que cuida tanto la historia como la estética y que no intenta buscar justificaciones a los hechos pero sí causas de los mismos.

PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005

2007-11-06T21:23:00.000+01:00

Dirección y guión: Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu.
País: Francia.
Año: 2005.
Duración: 98 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Sabine Azéma (Madeleine), Daniel Auteuil (William), Amira Casar (Eva), Sergi López (Adán), Philippe Katerine (Mathieu), Hélène de Saint-Père (Julie), Sabine Haudepin (Suzanne), Roger Miremont (Roger), Jacques Nolot (Michel), Marie-Pierre Chaix (Annick), Florence Loiret-Caille (Élise), Thiago Telès (Joao).
Producción: Philippe Martin y Geraldine Michelot.
Música: Philippe Katerine.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Montaje: Annette Dutertre.
Dirección artística: Brigitte Brassart.
Vestuario: Laurence Struz.
Estreno en Francia: 24 Agosto 2005.
Estreno en España: 7 Julio 2006.

Sinopsis
William y Madeleine viven en una ciudad al pie de las montañas. Hace mucho que se casaron, siguen siéndose fieles, están enamorados y llevan una vida tranquila. Él acaba de prejubilarse y su única hija se va a estudiar a Italia. Les sobra tiempo.

Durante un paseo por las colinas cercanas, Madeleine coloca el caballete en un prado para pintar una puesta de sol. Allí conoce a Adán, el alcalde del pueblo, un hombre culto. Es ciego. Hay una casa en un extremo del prado. Está en venta, y Adán se la enseña. Es un auténtico flechazo, William y Madeleine la compran inmediatamente.

Durante las semanas siguientes a la compra, la pareja vive un periodo de mucha felicidad.

Se ven a menudo con Adán y su joven compañera Eva que viven a unos cientos de metros más allá. Cuando arde la casa de sus nuevos amigos, William y Madeleine les abren la suya...

Para más información pincha AQUÍ

LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

2007-10-23T00:24:00.000+02:00

Dirección y guión: Isabel Coixet.
País: España.
Año: 2005.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Sarah Polley (Hanna), Tim Robbins (Josef), Javier Cámara (Simon), Sverre Anker Ousdal (Dimitri), Eddie Marsan (Víctor), Steven Mackintosch (Dr. Sulitzer), Eddie Marsan (Victor), Julie Christie (Inge), Daniel Mays (Martin), Dean Lennox Kelly (Liam), Danny Cunningham (Scott).
Producción: Esther García.
Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar y Jaume Roures.
Fotografía: Jean Claude Larrieu.
Montaje: Irene Blecua.
Dirección artística: Pierre-François Limbosch.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 21 Octubre 2005.

En aquella estupenda película de Ricardo Franco titulada ‘La Buena Estrella’, Maribél Verdú decía: ‘Las cosas que no se dicen son como si no fueran’. Hay palabras que nuca deben ser pronunciadas, hay secretos que siempre deben estar guardados. Pero a veces, cuando las palabras son dichas y los secretos revelados, se encuentra el alivio, la comprensión y la libertad. De esto podría decirse que va la última película de Isabel Coixet, una absoluta obra maestra, que prácticamente deja a uno sin palabras, aunque eso suene a chiste.

Rodando de nuevo en inglés, Coixet ha cogido a un par de actores inmensos y nos cuenta la historia de una mujer que llega a una plataforma petrolífera para cuidar a un hombre que ha sufrido un accidente de trabajo. Entre ambos, no sin dificultad, surgirá una relación especial que les llevará a conocerse mucho más allá de lo que ellos, y el espectador, piensan. Los dos personajes están interpretados por la ya habitual Sarah Polley, absolutamente encantadora y magnífica en el papel de una mujer silenciosa, misteriosa y cautivadora, con un gran dolor a sus espaldas. Y Tim Robbins, realmente soberbio, interpreta al accidentado, un hombre sincero, que encuentra en su enfermera una nueva razón para vivir. Él ciego, ella sorda, y las palabras que les acompañan, darán lugar a una de las películas más maduramente emotivas que el cine español recuerde.

Porque Coixet se ha lucido como nunca con un guión que podría haber caído en la sensiblería más bochornosa, si no fuera por su enorme capacidad para mostrar y narrar uno hechos de forma totalmente sincera y sin argucias ni manipulaciones. La película que empieza con un montón de actos por parte de la protagonista que no entendemos, va cobrando forma según avanza y terminando con un encaje total de todas las piezas, perfectamente engranadas como un mecanismo de relojería. Todo nos es mostrado a su debido tiempo, sin prisas, ofreciéndonos momentos de una fuerte emotividad, hasta que al final ya no hay secretos ni palabras no dichas. Todo cobra sentido, y es el espectador el que se queda callado, pensativo, emocionado…

Por el camino vemos a unos personajes perdidos, no sólo los principales, seres que por un razón u otra quieren estar apartados de todo, y no quieren ser molestados bajo ningún concepto. El dolor es demasiado grande como para arriesgarse. Afortunadamente las palabras cobran vida para sacar todo el dolor y sufrimiento que se lleva dentro, para intentar curar las heridas, las visibles y las que no se ven. Todo esto, con una enorme fuerza poética, nos es mostrado en una película grande en sí misma, única, valiente, y que ya es, sin dudarlo, una de las mejores del año. Lo dicho, una obra maestra.

Pinchando aquí puedes obtener más información sobre la película.

Programación Septiembre-Diciembre 2007

2007-10-01T00:26:00.000+02:00

Viernes, 14 de septiembre
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

Viernes, 5 de octubre
OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

Sábado, 27 de octubre
LA VIDA SECRETA DE LAS PALABRAS (Isabel Coixet) España, 2005

Viernes, 9 de noviembre
PINTAR O HACER EL AMOR (Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu) Francia, 2005

Viernes, 23 de noviembre
PARADISE NOW (Hany Abu-Assad) Palestina, 2005

Sábado, 1 de diciembre
LA MIRADA DE ULISES (Theo Angelopoulos) Grecia, 1995

Viernes, 14 de diciembre
MATCH POINT (Woody Allen) Reino Unido, 2005

OFFSIDE (Jafar Panahi) Irán, 2005

2007-10-01T00:11:00.000+02:00

Título Original: "Offside".(Fuera de juego)

Género: Comedia.
Dirección: Jafar Panahi Guión: Jafar Panahi. Shadmehr Rastin. .
Reparto: Shayesteh Irani Golnaz Farmani Nazanin Sediqzadeh Fotografía: Rami Agami Música: Yuval Barazani Producción: Jafar Panahi Duración: 93 minutos. País y Año: Irán - 2006.
Estreno España: 26 de enero de 2007.Estreno EE.UU.: 23 de marzo de 2007

¿Quién es aquel chico silencioso sentado al fondo del autobús lleno de forofos camino de un partido de fútbol? El chico de aspecto tímido es en realidad una chica disfrazada. Pero no es ella sola. Hay muchas mujeres a las que les gusta el fútbol en Irán. Las detienen a las puertas del estadio antes de que empiece el partido y las encierran en un lugar cercano con otras mujeres disfrazadas de hombre. Al final del partido, todas serán entregadas a la brigada antivicio. Pero antes las torturan oyendo los rugidos, los gritos, los aplausos de un partido que no ven. Peor aún, deben escuchar a un soldado que no sabe nada de fútbol contarles lo que está pasando. Pero estas chicas no están dispuestas a rendirse y seguirán inventando nuevos métodos para colarse en los partidos.

Irán, derechos de la mujer y fútbol: Todos esos elementos confluyen en la película de Panahi, una historia sencilla de unas chicas que se disfrazan de muchacho para lograr entrar en el estadio donde se disputa el partido Irán-Bahrein, decisivo para la clasificación para el Mundial.

En lugar de infiltrarse, acaban acorraladas entre las vallas de seguridad y custodiadas por soldados iraníes. En lugar de fútbol en directo desde el graderío y con 100.000 aficionados, deben conformarse con la locución improvisada de un soldado, desde cuyo ángulo apenas se ve un saque de esquina.

Exponente de la represión y censura en Irán

Limitaciones, insultos, miedo a las consecuencias de la travesura de cinco muchachas que aman tanto el fútbol como a su país, exponente de la represión impuesta por el régimen de Teherán a su población, de la que la censura al cine es sólo una parte.

"Hasta cinco días antes del rodaje, las autoridades no sabían que estaba yo detrás del guión, porque lo registré con otro nombre. Cuando se enteraron, ya no pudieron frenarlo", explicó Panahi, quien a estas alturas no sabe aún si su película llegará a estrenarse en su país.

"Hacer la película era como un sueño, como lo era que Irán esté en el Mundial de Alemania, y espero que mis compatriotas puedan ver la película. Pero no dejaré que le corten ni una escena", dijo.

Sus actores son "muchachos y muchachas que no saben nada de cine", explicó, rodaron mayoritariamente en directo, en paralelo a lo que ocurría en el estadio y sin saber qué harían con su film si Irán no se clasificaba, y llegaron a Berlín con el compromiso de seguir trabajando por la supervivencia del cine iraní.

"Volveré a mi país y seguiré trabajando ahí", afirmó Panahi, quien pese al contenido de su film y la denuncia de la opresión de la mujer, no hace un retrato agrio de Irán, sino que trata el tema en clave de comedia, sin tiranos "visibles".

"Los iraníes somos una gran familia. El servicio militar es obligatorio y los soldados no pueden saltarse las reglas, pero son parte de esa familia", dijo respecto a la complicidad que se establece entre éstos y las muchachas que tienen "acorraladas".

LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

2007-09-25T00:32:00.000+02:00

TITULO ORIGINAL Das Leben der Anderen
Año 2006 DURACIÓN 137´ PAÍS Alemania
DIRECTOR Florian Henckel-Donnersmarck GUIÓN Florian Henckel-Donnersmarck MÚSICA Gabriel Yared, Stéphane Moucha FOTOGRAFÍA Hagen Bogdanski REPARTO Ulrich Mühe, Martina Gedeck, Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Thomas Thieme, Hans-Uwe Bauer, Volkmar Kleinert, Matthias Brenner, Charly Hübner PRODUCTORA Wiedemann & Berg Filmproduktion / Bayerischer Rundfunk / Arte / Creado Film WEB OFICIAL http://www.movie.de/filme/dlda/

Un hombre con mirada al vacío entra en un ascensor de un anónimo rascacielos del Este de Berlín en 1984. Justo antes del cierre de las puertas, rebota dentro un balón de fútbol, seguido de su joven dueño. Se cierran las puertas. El ascensor comienza a moverse. El chico levanta la vista hacia el hombre y pregunta: “¿Es cierto que trabaja para la Stasi?” El hombre responde bruscamente: “¿Quién lo dice?”, a lo que el chico contesta: “Mi padre”. Tranquilo, el hombre prosigue: “Y, ¿cómo se llama…”; a mitad de la frase. “¿Quién?”, quiere saber el chico. Algunos segundos de silencio. “¿Tu balón?” pregunta el hombre con incredulidad en su voz, como si no pudiera creer lo suficiente esas palabras que acaban de salir de su boca. “¡Está loco!” dice el chico, “los balones no tienen nombre!”

Esta pequeña escena, de no más de dos minutos, es una primera indicación de lo que veremos aparecer en un muy respetado Capitán de la Stasi, leal defensor y profesor de espionaje estatal en Alemania del Este, varios años antes de la caída del Muro de Berlín. La vida de los otros, el debut del escritor y director Florian Henckel von Donnersmarck, cuenta la historia ficticia de este hombre, Hauptmann Gerd Wiesler (Ulrich Mühe). Una película que renuncia a todos los elementos pirotécnicos de los thrillers llamativos y los muy excitables misterios para algo que se mete bajo la piel. Es el tipo de drama de carácter inteligente que pasa a través del cerebro antes de alcanzar el corazón.

Wiesler es destinado –al menos parcialmente por su propia acción- a mantener, literalmente, un ojo y una oreja en el dramaturgo Georg Dreyman (Sebastian Koch, el oficial nazi en Black Book) y en su novia, la actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck, Deliciosa Martha). Sus bohemias existencias parecen, de algún modo, encajar con la línea del partido y Wiesler no puede descubrir ninguna mancha, hasta que un incidente que involucra a Jerska, el dramaturgo amigo de Dreyman (Volkmar Kleinert), cambiará tanto a Dreyman como al hombre que le sigue cada movimiento.

La belleza de la película de von Donnersmarck reside en que confía en el público para captar los pequeños cambios y motivaciones en los personajes, incluso si, aparentemente, son inexplicables. La primera vez que Wiesler se da cuenta de que ocurre algo sospechoso en la casa de Dreyman, actúa de un impulso y lo omite de su informe diario. Esta pequeña acción irá en aumento a través del resto de las vidas de todos los personajes. Es poco probable que hubiera permitido tal error si hubiese sabido las consecuencias de su decisión pero, una vez tomada, ha decidido el destino de todos los personajes para los años venideros.

La película es larga, sin embargo, el ritmo nunca decae; el guión está lleno de sutiles efectos espejo y sus temas emergen sólo gradualmente. Uno de los temas más importantes es la metáfora al actuar: Sieland y Dreyman se encangan de simular, mientras que Wiesler es el fin contrario del espectro, intenta averiguar los verdaderos sentimientos que se esconden tras las máscaras de la gente de cara al público. En un Estado-policía, cada cual es consciente de que en público es necesario un cierto nivel de actuación, aunque sólo sea para evitar llamar la atención a alguien que pudiera pedir más detalles. La película, por otra parte, es un trabajo que puede fácilmente llevar una investigación de sus personajes y móviles. De hecho, es exactamente esta densidad de contar historias llevada con tal leve elegancia lo que hace que The Lives of Others sea convincente.

Programación Septiembre de 2007

2007-09-12T12:49:00.000+02:00

Viernes, 14 de septiembre de 2007
BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

Viernes, 28 de septiembre de 2007
LA VIDA DE LOS OTROS (Florian Henckel) Alemania, 2006

BABEL (Alejandro González Iñárritu) México, 2006

2007-09-12T12:28:00.000+02:00

Título Original: Babel, 2006, México
Dirección: Alejandro González Iñárritu
Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Rinko Kikuchi, Adriana Barraza, Clifton Collins Jr., Jamie McBride, Michael Pena, Koji Yakusho, Said Tarchani, Boubker Ait El caid, Elle Fanning, Nathan Gamble, Mohamed Akhzam, Peter Wight, Abdelkader Bara
Duración: 2 horas 22 minutos

Argumento de Babel

En la película, un incidente trágico en el que se ve involucrada una pareja estadounidense en Marruecos desencadena una serie de acontecimientos que afectan a cuatro familias en diferentes países. Unidos por las circunstancias, separados por continentes, cultura e idioma, cada personaje descubre que la familia es lo único que ofrece consuelo.

En las lejanas arenas del desierto de Marruecos suena un disparo que desencadena una serie de acontecimientos fortuitos que servirá para conectar a una pareja estadounidense en su desesperada lucha por sobrevivir, con los dos chicos marroquíes responsables involuntarios del accidente, una niñera que cruza la frontera de México ilegalmente con dos niños estadounidenses y una adolescente japonesa sorda y rebelde sobre cuyo padre pesa una orden de busca y captura. A pesar de las enormes distancias y de las culturas tan antagónicas que los separan, estos cuatro grupos de personas comparten un destino de aislamiento y dolor. Sólo bastarán unos pocos días para que se encuentren totalmente perdidos, perdidos en el desierto, perdidos para el mundo, perdidos para si mismos, mientras avanzan hacia el borde del abismo de la confusión y el miedo al tiempo que se hunden en las profundidades de las relaciones y del amor.

Crítica

“Intensa”, “apasionante”, “profunda”, son los adjetivos que esta película ha merecido entre la crítica, pese a que su autor tiene sólo dos largos en solitario en su haber.

Pero qué dos largos: “Amores perros” (2000) , que estuvo en Cannes fuera de competición, y “21 Gramos” (2003) , que elevó al Olimpo al director y al escritor Guillermo Arriaga, premiado ya en Cannes en 2005 por el guión de “ The Three Burials of Melquiades Estrada ” (en España, "Los tres entierros de Melquiades Estrada") .

Protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Adriana Barraza, Koji Yakusho, Rinko Kikuchi, Said Tarchani y Boubker ait el Caid, “Babel” cierra la trilogía con suma coherencia y sin que se perciba merma alguna en las cualidades que encumbraron a sus autores, incluido el director de fotografía mexicano Rodrigo Prieto y el músico argentino Gustavo Santaolalla.

Al igual que las dos precedentes, esta torre tiene como cimientos el poder del azar, la fatalidad y la inexorabilidad del destino, y como andamiaje tres historias muy diversas cuya interconexión era en principio insospechable.

Y también al igual que en las dos anteriores, la viga de sustento de la trama es un hecho accidental en un vehículo.

Solo que esta vez, Iñárritu y Arriaga amplían sus ambiciones y, si el desencadenante se da en Marruecos, sus consecuencias repercuten tan lejos como en México y Japón.

Entre medias, “Babel” da cabida en sus múltiples plantas a temas tan diversos como la emigración mexicana en EU, la paranoia antiterrorista y el aislamiento originado por una minusvalía.

Quizá el algo forzado implante de la rama nipona en el desarrollo de la historia es el único y mínimo “pero” que podría ponerse a esta cinta de ritmo apabullante.

Quizás porque el cemento con el que se alza esta torre, que nos mantiene pegados a la butaca, tiene algún contacto con la bíblica historia de Babel.

Pero la confusión de lenguas no es “el problema” para González Iñárritu.

“El problema son los prejuicios que nos separan a los seres humanos”, subrayó a la prensa el director.

“Quería que mi película, precisamente, tratara de lo que nos une”, porque de un extremo a otro del mundo, e incluso en una misma familia, como seres humanos, nuestro concepto de la felicidad es muy distinto, pero lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos: la imposibilidad de sentir y expresar el amor”, explicó.

“Eso es lo que une a los personajes”, entre quienes “no quisiera que hubiese malos y buenos”, agregó González Iñárritu, quien sin embargo, no eludió criticar que entre México y EU, “lo que pasa en la frontera es terrible”.

Ese asunto se trata en la cinta con los personajes encarnados por los mexicanos García Bernal y Barraza, en papeles distintos a los que asumían en “Amores perros” .

“Cuando hicimos esta película tuvimos interdependencia, todos compartimos un sentimiento de fragilidad”, explicó García Bernal, en lo que coincidió Blanchett, quien opina que la cinta “tiene que ver con las relaciones de padres e hijos”, lo cual le ayudó a recurrir a “experiencias propias” para preparar su papel.

¡FELIZ VERANO!

2007-06-13T14:24:00.000+02:00

El Cine Club Imaginario desea a todas las personas que han compartido con nosotr@s tan buenos y productivos ratos de cine y charla (también de cava y pastelitos) UN FELIZ, REPARADOR, LLENO DE EXPERIENCIAS Y FRUCTÍFERO VERANO.
Estamos segur@s de que nos reencontraremos en septiembre con nuevas propuestas y las mismas ganas de disfrutar y aprender.

Mientras tanto, el Blog sigue abierto a recibir sugerencias y ofrecerlas.

Por ejemplo: Os recomendamos la programación de cine de la Universidad de Sevilla que, a partir del lunes 18 de junio, va a ofrecer a diario un montón de interesantes proyecciones, algunas de ellas inéditas.

La programación es la siguiente:

Ciclo de Cine de Verano en la Universidad de Sevilla

Del 18 al 29 de junio, patio de la Facultad de Geografía e Historia, 22,30 h.

entrada gratuita con invitación.
(las invitaciones se recogerán a partir de las 21,30 horas)

- 18 junio: “Grbavica”, ” Jasmila Žbanic., (Bosnia-Herzegovina, 2006)
- 19 junio: “Luces al atardecer”, Aki Kaurismäki (Finlandia, 2006)
- 20 junio: “Conspiración de mujeres”, Meter Greenaway (Reino Unido, 1988)
- 21 junio: “Bailando en la oscuridad”, Lars von Traer (Dinamarca-Suecia, 2000)
- 22 junio: “Mujeres en el parque”, Felipe Vega (España, 2006)
- 25 junio: “Tiempos de amor, juventud y libertad”, Hsiao-hsien Hou (Corea del Norte, 2005)
- 26 junio: “Time”, ” Kim Ki-duk (Corea del Sur, 2006)
- 27 junio: “La rodilla de Clara”, Eric Rohmer (Francia, 1970)
- 28 junio: “El círculo”, Jafar Parrahi (Irán-Italia, 2000)
- 29 junio: “Venus”, Roger Michell (Reino Unido2006)